2025 TAIPEI DANGDAI 台北當代藝術博覽會（下簡稱「台北當代」）正式啟幕，本屆再度回歸南港展覽館，並於5月8日舉行VIP預展暨開幕式。由 The Art Assembly 組織，並與瑞銀集團（UBS）聯合呈現的台北當代，今年邁入第六屆，共集結來自臺灣本地及全球共53間優質畫廊參展，持續深化其作為亞太藝術市場樞紐的角色。

在今年展商名單組成中仍以國際畫廊為多數，尤其來自東亞、歐洲與美國的參與畫廊備受矚目，包含首度參展的歐洲重要畫廊阿爾敏・萊希 Almine Rech 與 Karsten Greve，另有常青畫廊、澡堂畫廊、當代唐人藝術中心、艾根畫廊Galerie EIGEN+ART、Kaikai Kiki Gallery 等畫廊皆重返參展。臺灣部分則有：亞洲藝術中心、采泥藝術、大象藝術空間館、DOPENESS ART LAB、亞紀畫廊、爍樂畫廊、大未來林舍畫廊、谷公館、月臨畫廊、大河美術、耿畫廊與TKG+，共同呼應台北當代致力於促進地區與國際藝術交流的核心精神。

爍樂畫廊展位一景。圖／非池中藝術網攝影亞紀畫廊展位一景。圖／亞紀畫廊

除了以畫廊為核心的內容展呈，今年亦著重在藝術策展與在地文化機構的合作串聯。其中，首度攜手台北市政府推出聚焦潛力藝術家的「Taipei Node節點台北」計畫，與洪建全基金會共同主辦，呈現新生代藝術家李亦凡的迷你回顧展「Making of...Li Yi-Fan李亦凡」；與文化二度合作的「臺灣藝術家特展」則以「斷電」為題，帶來鄭淑麗、蘇匯宇和XTRUX、張徐展，分別打造的三件大型裝置藝術作品，展現臺灣藝術家對影像與科技語彙的創新詮釋。對此，台北當代聯合總監岳鴻飛(Robin Peckham)在開幕式中亦指出，臺灣藝術家在國際舞台上日漸提升的能見度與創作能量。

「Making of...Li Yi-Fan李亦凡」展位一景。圖／Hong Foundation 洪建全基金會提供；攝影／汪正翔

今年觀展氛圍整體較舒適、動線清晰。在作品類型與媒材上，除繪畫與其他平面類作品外，亦不乏錄像、工藝、裝置，及著重觀念性與互動性的作品。這或許是受到本屆展會在藝術內容上的策劃與延伸，體感上較無注意到顯著的同質化趨向，讓觀眾在自由遊走中得以欣賞到更多面向的藝術實踐。

非池中藝術網今年亦參與VIP預展，從現場豐富的畫廊內容中精選出共15間值得細品關注的藝術作品，為讀者們帶來第一手觀展重點。

2025 TAIPEI DANGDAI 台北當代藝術博覽會VIP預展日現場。圖／非池中藝術網攝影

亞洲藝術中心展位一景。圖／非池中藝術網攝影

采泥藝術展位一景。圖／采泥藝術

B05｜Karsten Greve｜Cy Twombly

創立於1973年的德國畫廊 Karsten Greve，今年首次於台北當代亮相，即帶來諸多代表性的當代藝術大師作品及其出版品，如 Louise Bourgeois、Giorgio Morandi、Lucio Fontana、Jean Dubuffet…等，其中兩幅 Cy Twombly（1928-2011）的作品，以全場最高單價金額（800萬歐元），立即受到矚目。

Cy Twombly 自紐約抽象表現主義興起以來，一直是國際前衛藝術重要的代表人物之一。儘管他與 Robert Rauschenberg、Jasper Johns 為同時代的人，他卻不追隨當時美國主流藝術對消費文化的批判之路，如普普藝術，反而專注於一套根植於文學、歷史、詩歌與個人感性的藝術語彙之中，其融合線條、顏料與文字如塗鴉般的筆觸，介於書寫與繪畫之間，形成非常獨特的美學詩篇。法國龐畢度中心於2016年為 Cy Twombly 舉辦大型回顧展，展出包涵雕塑、素描、繪畫和攝影等在內的 140 件作品。其作品亦受國際重要機構收藏，如紐約現代藝術博物館、洛杉磯郡藝術博物館、倫敦考陶爾德學院和費城藝術博物館。 Karsten Greve畫廊展出 Cy Twombly 作品《Muses》，1963年。圖 / 非池中藝術網攝影。Karsten Greve畫廊展位一景。圖 / 非池中藝術網攝影。

C04｜澡堂畫廊｜Tony Oursler

澡堂畫廊 SCAI THE BATHHOUSE（東京）展位除一貫集結李禹煥、中西夏之、名和晃平、森萬里子等日本重要藝術家陣容，今次也特別帶來曾於高雄市立美術館呈現大型個展的美國藝術家湯尼．奧斯勒（Tony Oursler，b.1957）之近期系列作。

身為美國錄像藝術先鋒的奧斯勒自1970年代以來持續以錄像雕塑、裝置與展演，實驗影像虛實交錯的介面。預展日展出的《Eu/An》（2024）以晶體結構式的彩色鏡面結合數位螢幕，當新時代的水晶力量與奈米高科技技術相遇，象徵科技與自然、靈性與理性的碰撞與融合。另一件作品《Bigger Than Life》（2024），密集組合金屬人像、娃娃、木乃伊、水晶體和仿生物等各式符號元素，而微投影的影像則曖昧地閃爍其間，仿若模糊了夢境和現實的界線。奧斯勒透過碎片化的影像敘事結合物件雕塑，暗示數位時代中社群媒體所帶來詭異身份建構與窺視經驗。

澡堂畫廊展位呈現Tony Oursler作品。圖 / 非池中藝術網攝影。

C01｜Artemis Gallery｜Gabriel Barcia-Colombo

Gabriel Barcia-Colombo（b.1982）為活躍於紐約的多媒體藝術家，其創作多運用投影、互動裝置等媒介，關注在當前興盛的數位時代，人們如何為自身與下一代留下足跡。本次由Artemis Gallery（里斯本）呈獻的錄像雕塑〈Holy Roller〉則於展會中吸引不少觀眾駐足互動。

此作品以角子老虎機的形式呈現，裝置內建超過五十萬條歷史名言，配合觀者拉動把手的操作，為其生成一句獨特的建言。這些句子既熟悉又陌生，好比數位時代的新興諺語。本作靈感來自賭徒在下注時腦內多巴胺瞬間釋放的快感，亦對照當代人不斷刷新社群媒體以尋求刺激的慣性行為，巧妙引導觀者反思科技如何形塑我們的生活方式。

Artemis Gallery 展位呈現Gabriel Barcia-Colombo作品。圖 / 非池中藝術網攝影。

計畫單元｜協：王攀元特展

本次台北當代「計畫單元」項目中，由老協珍協同耿畫廊、青雨山房共同策劃《協：王攀元特展》， 公開展出多件藏家珍藏王攀元（1908 – 2017）臻品，除了象徵品牌對文化與生活美學的堅持，藉由王攀元的作品意圖喚起觀眾對於「經典」的時代意義與內在價值。 

王攀元生於1908年中國江蘇，1949年攜家眷隨國民政府來台，並於1961年與友人共組「蘭陽畫會」，後於2001年獲頒「第五屆國家文藝獎」，自此奠定他在台灣現代繪畫中的重要地位。相較於當時蓬勃的西方藝術潮流，王攀元選擇運用油畫媒材延續中國山水畫的「虛」、「空」美學，展現獨具一格的東方氣韻。他的畫面簡約內斂，以強烈筆觸與象徵手法，轉化個人生命歷程的孤寂與堅毅，從人、孤帆到動物符號，皆傳遞對歷史與自我深刻的凝視。

《協：王攀元特展》展場一景。圖 / 非池中藝術網攝影。

金車文藝中心｜莊培鑫

金車文藝中心致力於培育台灣本地青年藝術家，本次首度參展則以徵件方式廣邀藝術家投件，並由台灣藝術家莊培鑫（1985-）獲選，其畢業於中國廣州美術學院油畫系─第四工作室，現生活與工作於臺灣臺北，創作媒材多元，包含錄像、繪畫、裝置和雕塑等。

莊培鑫的創作以「轉檔」為核心概念，透過3D掃描技術，將實體物質轉換為數位訊息。本次帶來個展《失真副本》，展出兩件系列作品，其中，錄像作品《進入的方法》以掃描藝術家的身體作為模型，置入於虛擬的辦公室場景之中，探索身體與物質的數位轉譯。另一全新系列作品《你有感覺到熱熱的嗎？》，則將水晶與礦石轉化為網格與材質的數位檔案，再以化學熱能製造結晶體，打造數位轉換的人造水晶。藉以探討在東方傳統文化下，對於水晶所能帶來財富與改運的隱形力量，這樣數位生產的物質是否也存留了原始物質中的能量或靈光。
金車文藝中心展出莊培鑫的作品。圖 / 金車文藝中心提供。

A13｜Dopeness Art Lab｜Connor Gottfried

Dopeness Art Lab（台北）繼去年於展會推出克里昂·彼得森（Cleon Peterson）個展並獲好評後，今屆則選擇攜手六位臺灣與國際藝術家參展。其中，關注現正於畫廊展出個展「PLAY」的加拿大藝術家康納．哥特弗里德（Connor Gottfried）。哥特弗里德的創作經常聚焦過時與重生的主題，在近期創作中，他將經典的電子遊戲機轉化為一系列融合復古科技美學和現代流行語彙的互動式裝置作品，邀請觀眾拿起手把遊玩，重溫往昔時光記憶；並藉著遊戲的娛樂時刻，重新審視現代人生活與數位科技之間的關係平衡。

Dopeness Art Lab展位呈現Connor Gottfried作品（左側）。圖 / 非池中藝術網攝影。

DG06｜馬刺畫廊｜Tony Matelli 

馬刺畫廊 SPURS Gallery（北京）今次呈現美國當代雕塑藝術家托尼・麥特里（Tony Matelli，b.1971）的個展，呈現其擅長的超寫實雕塑。麥特里的作品極忠實地再現物質形體，卻經常帶有某種微妙的荒謬和幽默感。透過有趣的視角，提出身而為人、生命短暫性與關係構成等更廣泛的存在議題。

展位中央擺放兩座融合人體部位與水果、食物的雕像，透過材質的永恆性與食物腐敗象徵的即逝，營造時間流逝與凝結之間的張力。麥特里經常運用不尋常的並置手法，引導觀者重新思考身體、物質與存在經驗的本質。此外，展位亦展出其代表性的「雜草系列」作品。擬真的植物仿若從牆縫與地板間竄出，透過視覺錯認擾動觀者感知，引發對作品場域、觀看意識的進一步思考。

馬刺畫廊展位呈現Tony Matelli 作品。圖 / 非池中藝術網攝影。

DG02｜Kutlesa｜Alexandre Wagner

來自瑞士的畫廊 Kutlesa 本次帶來聖保羅藝術家 Alexandre Wagner（1986-）的個展。Wagner 的繪畫作品常在抽象與具象之間游移，畫面中沒有清晰可辨的形象，它可以是一段夢境又或者是一段模糊的記憶片段，使觀者在凝視畫作之中感受到逐漸浮現又消散的流動風景。

Wagner 使用高度稀釋的顏料，筆觸細碎時而縝密，在顏料的濃淡之間，建構出一種虛構的空間結構，像是置身於濃密森林之中感受到空氣、風及溫度。此次展出作品如《Açoita-cavalo》，周圍筆觸就像是波動的空氣般逐層擴散，呈現出一種模糊與動態並存的特質。在 Wagner 的畫作中，沒有明確的結果或答案，而是一種感官與心理的空間，讓觀者進入其中，並在具象與抽象之間遊離，儘管讓人聯想到風景，卻始終不是真正的風景。
Kutlesa 展出 Alexandre Wagner的作品《Açoita-cavalo》，2025年。圖 / Kutlesa 提供。

C10｜大河美術｜陳康俊

大河美術 RIVER ART GALLERY（台中）以「邊緣狀態 Ephemeral States」為題，邀集五位來自不同文化背景的藝術家參展，回應個人記憶、社會變遷與文化流動的交錯狀態。其中，加拿大籍華裔藝術家陳康俊（Peter Hong-Tsun Chan，b.1985）出生於香港，其畫作揉合東西方文化符號與個人記憶，注入九〇年代港片般的懷舊質地，營造出如電影場景的敘事氛圍。

陳康俊的作品構圖周密，畫中物件如靜物般被精細描繪，並被賦予超越日常的情感重量與時代意涵。其折射出全球化背景下華人身分的流動與不確定，引導觀者在記憶與當代之間穿梭，重新凝視文化認同的脆弱與可能。此外，畫中經常出現的麻將元素不僅作為熟悉的文化印記，同時反映藝術家對於「機運」概念的研究與解構。陳康俊認為當這些概念被融入藝術創作過程時，將會直接觸及到美學和社會哲學等問題。

大河美術展位呈現陳康俊作品。圖 / 非池中藝術網攝影。

A02｜李裵畫廊｜Seontae Hwang

李裵畫廊 LEE&BAE（釜山）帶來現居德國的韓裔藝術家黃善台（Seontae Hwang，b.1972）標誌性的「glass-photo」燈箱裝置系列。作品畫面彷彿室內光景切片，微光穿透其間，猶如夕陽灑落入室，喚醒記憶深處的靜謐日常，將精神意識引入至一處暫時的庇護與沈澱之所。對此，藝術家稱其為「思考空間」（thinking space），但作品並非為梳理思緒，而是試圖讓觀者進入一種持續流轉的沈思狀態。在光影與凝視間，織構出關於時間、記憶和知覺的哲學對話。

李裵畫廊展位呈現Seontae Hwang作品。圖 / 非池中藝術網攝影。

C06｜MARC STRAUS｜Antonio Santín

再度參展的 MARC STRAUS（紐約）本次主打西班牙藝術家安東尼奧・桑廷（Antonio Santín，b.1978）的繪畫創作，展出數件以東方地毯為題的作品。這些畫作乍看如同壁掛織物，實則是以油彩悉心繪製的畫作。桑廷以細膩筆觸與漫長作畫時間，營造出逼真且具觸覺質感的厚重肌理。

桑廷的創作受西班牙暗色調畫派（tenebrism）與義大利明暗對照法（chiaroscuro）影響，高度掌握光影與層次，讓其畫作表面產生立體般的視覺效果。藝術家曾自述其作品「比現實本身還要真實」，這份逼真感背後實則潛藏抽象性的基礎結構——當觀者靠近細看，圖像又轉化為類似碎形的色彩與筆觸，體現出桑廷對細節與視覺幻象之間互動的著迷。

MARC STRAUS展位呈現Antonio Santín作品。圖 / 非池中藝術網攝影。

Antonio Santín作品細節。圖 / 非池中藝術網攝影。

B06｜Sies + Höke｜Julius von Bismarck

朱利葉斯・馮・俾斯麥（Julius von Bismarck，b.1983）是一位擅長跨領域創作的德國藝術家，其藝術實踐涵蓋攝影、影像、裝置、雕塑、行為與地景等多元媒介。俾斯麥的創作長期關注自然與文明、知識與文化想像、個體行為與社會規範之間的複雜交錯，並以跨學科、實驗性的研究方法切入，引發人們反思自身與所處環境的關係。

本次由Sies + Höke（杜塞道夫）展出其作品《on oversimplified ornamental seduction boards》以繁複的組成於碎木組合版上結合真實植物與蝴蝶標本、紙鈔等元素，呼應其命題，在裝飾性與感官吸引的表層之下，似乎也隱含著對消費文化、自然與操控機制的省思訊息。

Julius von Bismarck 作品《on oversimplified ornamental seduction boards》與細節。圖 / 非池中藝術網攝影。

C12｜ARTCOURT Gallery｜石塚 源太 Genta Ishizuka

今年所推出的全新策劃展區「藝韻匠心」（Embody），聚焦於當代工藝的呈現，藉以探索傳統技藝在當代語境中的嶄新可能。展區由 Soluna Fine Art 與 ARTCOURT Gallery 領銜，其中ARTCOURT Gallery展出日本漆藝藝術家石塚 源太（Genta Ishizuka，1982-）的代表作品《Surface Tactility》。

石塚 源太受19世紀初的漆藝大師黑田辰秋（Tatsuaki Kuroda）所影響，延續其將漆器工藝視為雕塑性創作的理念，亦強調從材料選擇、構造到最終完成皆親手製作的全程參與。《Surface Tactility》以日本傳統「乾漆技法」（Kanshitsu）製作，該技法源自於7至8世紀的佛像製作工藝，石塚透過層層塗佈天然漆，再以木炭拋光，使作品表面呈現出如琥珀般的光澤，體現材質的張力與觸感的延展，一方面深掘漆藝的歷史與傳統，以當代觀點重新詮釋，試圖將其置入當代藝術的脈絡之中。
ARTCOURT Gallery展出石塚 源太的系列作品《Surface Tactility》。圖 / 非池中藝術網攝影。

B04｜Almine Rech｜Larry Poons

巴黎畫廊 Almine Rech 成立於1997年，迄今逾三十年，自2019年於上海設立據點後，積極擴張亞洲市場版圖，此次首度來台參展，預吿與台灣藝術網絡即將展開深度交流的新篇章，也為台灣藝術界注入嶄新能量。本次除了帶來國際新銳藝術家作品，亦展出重量級大師作品，如Tom Wesselmann、Joseph Kosuth、Rudolf Polanszky…等。

本次展出的亮點之一，是美國抽象主義大師 Larry Poons 的作品（1937-）《無題 (024J-4)》，Poons 深受音樂即興的精神啟發，其奔放色彩與厚重的筆觸讓人聯想到 Jackson Pollock 與 Willem de Kooning。他的作品獲古根漢美術館、LACMA、美國國家藝廊等典藏，足見其在戰後抽象藝術史中的重要地位。
Almine Rech 展出 Larry Poons 的作品《無題 (024J-4)》，2024年。圖 / Almine Rech提供。

A12｜Galerie EIGEN + ART｜Martin Groß

德國艾根畫廊今年再度回歸，本次帶來德國藝術家 Martin Groß（1984-）的作品。展出《Everything is Going Exactly The Way It Shouldn’t Go》及《Cavern Of Forgotten Dreams》兩件作品，Groß 刻意用蠟筆描繪出電腦輸出的質感，除了回應其成長的地方、過去德國印刷業的重鎮－萊比錫，亦強調數位影像與類比數位間的轉換探討。

Groß 的創作從21世紀都會生活中的高速節奏中汲取靈感，並在作品中回應那股每日湧向人們的資訊洪流。作品置入了當代大眾文化元素，諸如迷因（memes）、表情符號、標題、政治口號及英德雙語的廣告語句，同時也回應數位的強勢存在與網路世代的更迭是如何改變當代的語言方式。

艾根畫廊展出 Martin Groß 的作品。圖 / 非池中藝術網攝影。艾根畫廊展場一景。圖 / 非池中藝術網攝影。

展會資訊

公眾日
● 5月9日(五)|上午11點至下午6點
● 5月10日(六)|上午11點至下午6點
● 5月11日(日)|上午11點至下午5點30分
地點|台北南港展覽館一館 4 樓(台北市南港區經貿二路 1 號) 購票資訊請見:Klook 購票網站 更多展會資訊，請參閱官方網站:https://taipeidangdai.com/