ART TAIPEI 2025 臺北國際藝術博覽會（以下簡稱「臺北藝博」）由中華民國畫廊協會主辦，於 10 月 23 日正式揭幕，展期為期五天，包括 23 日與 24 日上午的 VIP 預展，以及 24 日下午至 27 日的公眾開放。今年共有約 120 家畫廊與展商參與，其中 68 家來自臺灣本地，52 家來自海外，維持臺北藝博長年以來的國際格局與專業口碑。

延伸閱讀｜ART TAIPEI 2025 台北國際藝術博覽會 專題報導

ART TAIPEI 2025 臺北國際藝術博覽會，10 月 23 日 VIP 預展現場。圖／非池中攝影。

ART TAIPEI 2025 臺北國際藝術博覽會，10 月 23 日 VIP 預展現場。圖／非池中攝影。

揭幕：再度集結的國際當代藝術舞臺

開幕典禮上，國際嘉賓雲集，歌手舒米恩以音樂揭開序幕，總統與副總統亦捎來道賀的信件，表達對臺灣藝術產業的支持。畫協理事長陳菁螢於致詞時指出，本屆主題「Intersect: Diversity Equals Togetherness」以「交會」為核心概念，思考多元族群、語境與平等機制如何在展場內外彼此對話。今年的策展板塊延續「MIT 新人推薦特區」、「原民藝術特展區」、「女性藝術專區」，並新增「客家文化專區」，以文化共榮為橋梁，促進在地、亞洲與全球視野的交會。

除了展覽內容的深化，臺北藝博在城市與平臺角色上也持續升級。繼去年「Taipei Art Week 臺北藝術週」首度登場並獲熱烈回響，今年更進一步拓展城市版圖，將展覽延伸至畫廊、美術館、書店與咖啡館，讓觀眾在城市漫遊中感受藝術滲透的日常風景。VIP 體驗亦再度升級，包括藝術巴士、專屬預展日、貴賓導覽與亞洲藏家交流專案，進一步促進國際收藏社群的連結。這一系列規劃，顯示臺北已逐步成為亞洲當代藝術的重要交流節點。

ART TAIPEI 2025 臺北國際藝術博覽會，10 月 23 日 VIP 預展現場。圖／非池中攝影。

市場觀察：在轉折中尋找新的秩序

今年的參展陣容依然亮眼。除國際藍籌畫廊如貝浩登（Perrotin）、澡堂畫廊（SCAI THE BATHHOUSE）、德薩畫廊（DE SARTHE）等再度登場外，還有韓國的 Gana Art、GALLERY BATON，以及香港的季豐軒等重量級畫廊，呈現亞洲藝術市場之間愈加頻繁的互動與對話。

值得注意的是，今年七月，臺北當代藝術博覽會（Taipei Dangdai）官宣停辦原定於 2026 年舉行的下一屆展會，並進入無期限的休眠期。這一消息在藝術界掀起廣泛震盪，不僅象徵臺灣當代藝術市場走入新的轉折，也反映出全球經濟與藝術體系正滑向一種不確定的狀態。藝博會的暫停，或許部分受到景氣低迷與國際資金流動緊縮的影響，但更深層的變化，可能來自市場結構的調整——藝術生產、收藏與展示的模式正在劇烈重組。高昂的展位租金讓不少畫廊選擇觀望，參展策略也必須重新評估。今年臺北藝博的參展畫廊數量相較去年再度小幅減少，而更多畫廊開始推出單價較低的作品，以迎合分眾化、年輕化的收藏趨勢。藍籌藝術品的市場支撐力下降，象徵過去以高價交易為核心的市場秩序，正在被更為多元的收藏形態取代。

在這樣的脈絡下，各界開始重新思考「藝博會」在臺灣當代藝術生態中的定位：它究竟是國際交易的樞紐，還是文化網絡的交流平臺？面對這些挑戰與疑問，臺北藝博成為觀察焦點——它不僅承接部分國際畫廊與藏家的期待，也肩負維繫本地市場信心的任務。今年的 VIP 預展因此異常熱絡，一些畫廊反映，今年臺北藝博重新吸引了國際頂級藏家與畫廊主的關注，預展首日即創下不錯的銷售成績。這種回流效應，使臺北藝博在不確定的時代裡暫時成為支點。然而，真正的考驗仍在後方：如何在全球藝術市場轉向的浪潮中，重新建立屬於臺灣的秩序與節奏，將決定它未來能否超越生存的層次，轉化為一種新的藝術力量。

ART TAIPEI 2025 臺北國際藝術博覽會，10 月 23 日 VIP 預展現場。圖／非池中攝影。

藝博定位：從市場機制到文化平臺

在公共推廣面向上，「MIT 新人推薦特區」邁入第 17 屆，報名人數創歷年新高，成為新銳藝術家與專業畫廊之間的重要橋樑。同時，文化部與教育部攜手推出「藝術教育日十週年專區」，將藝術教育成果納入博覽會視野，使學校、社會與市場三者形成新的循環。公共性與產業性並行的雙軸架構，使臺北藝博不僅是藝術交易平臺，更是文化生態與社會參與的場域。

儘管全球藝術市場仍處謹慎期，但臺北藝博展現的，是一種穩健的前行。無論在展覽內容、觀眾結構或國際連結上，今年皆傳遞出臺北藝博邁向成熟的訊號。當藏家世代更迭、收藏形式變化加速，臺北以開放而從容的姿態，繼續在亞洲藝術版圖上發光發熱，成為區域文化網絡中不可忽視的一個節點。

ART TAIPEI 2025 臺北國際藝術博覽會，10 月 23 日 VIP 預展現場。圖／非池中攝影。

非池中編輯精選：15 件作品深度導覽

接下來將由非池中編輯團隊深入現場，在 VIP 預展期間展開觀察與採訪，並從眾多作品中精選出 15 件值得推薦的亮點，呈現本屆臺北藝博的多元面貌與藝術趨勢。這份清單不僅是一份觀展指南，也是一種觀察當代藝術走向的方式，讓我們一窺臺灣與亞洲藝術市場的當下脈動。

鍾慰｜德薩畫廊 DE SARTHE｜D05

德薩畫廊（DE SARTHE）一向是臺北藝博會中最值得關注的焦點之一。今年，他們帶來中國北京藝術家鍾慰（1987-）的一幅 195 × 253 公分巨幅繪畫，以一種很酷、具未來感的 cyberpunk 視覺風格，強烈吸引了現場觀眾的目光。鍾慰的創作以數位文化為出發點，長期關注人與科技的權力關係轉移。他從網路蒐集大量圖像、符號與迷因，然後重新編碼這些碎片化資訊，使其轉化為有機的視覺實體。藝術家將圖像和意義的偶然性組合成新的語境，反映當代社會在演算法驅動下的感知變化。既是網路考古的結果，也是科技時代的情感產物。

〈雙人隔岸相望圖〉（2024）延續他對人工智慧與人類意識的探問。畫面中兩個彼此牽連卻分隔的模糊形體，由程式語言、電腦介面、纏繞的線條與色塊構築而成，畫面同時具有生理與機械的脈動，散布的詞語如「DATA」、「Chain」、「Contacts」等，指向資訊系統內部的語法，作品以詩意而冷冽的方式描繪一種跨越不可能的凝視，人與機械在互為鏡像的網絡中相望，既靠近又疏遠。

德薩畫廊（DE SARTHE） ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

鍾慰〈雙人隔岸相望圖〉（2024）。圖／非池中攝影。

鍾慰〈雙人隔岸相望圖〉（2024）局部細節。圖／非池中攝影。

黃麗音｜貝浩登 Perrotin｜A06

貝浩登（Perrotin）今年九月首次和居住在英國倫敦的臺灣藝術家黃麗音（1990-）合作，在東京空間為她舉辦個展《當相遇發生時》。這次臺北藝博會延續這份合作，呈現了黃麗音一系列由〈Steam〉（2025）、〈The Net〉（2025）、〈Summit〉（2025）等多件作品組成的空間裝置。這個在畫廊展位中獨立出來的小空間，面積雖然不大，卻像是一個完整的小展覽。在講求快速替換的藝博會中，具有這樣完整度的呈現難得一見。這件裝置延續她一貫的創作脈絡，作品從來不是被動「被展示」的物件，而是物件與空間在現場「調度」之後的結果。

裝置中的水蜜桃雕塑、榻榻米、玻璃製品、銅管、鐵壺與燈泡，以懸吊、連接的方式，被置入一個靜謐的綠色空間，形成一個像是茶室，又像實驗室的場域。她將連鎖餐廳包裝紙層疊拼貼成繪畫，暗示著全球化商品的流動。水果罐的雕塑，在消費功能與藝術語境的張力中產生新的意義。藝術家使用這些具有矛盾性質的媒介，構築一個詩意的「微景觀」，讓觀者在熟悉物件中產生了具反身性的陌生感受。

延伸閱讀｜當催促的聲音被放慢：黃麗音《當相遇發生時》貝浩登（東京） Perrotin Tokyo 個展

貝浩登（Perrotin） ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

黃麗音裝置作品。圖／非池中攝影。

黃麗音裝置作品。圖／非池中攝影。

金光男 Mitsuo Kim｜德鴻畫廊 Der-Horng Art Gallery｜B34

臺南的德鴻畫廊這次帶來日本大阪藝術家金光男（Mitsuo Kim, 1987-）的複合媒材攝影作品。他的作品令人感到好奇，來自於媒材的難以定義——既是攝影，也是版畫、繪畫。金光男的創作圍繞「影像的崩解」與「存在的漂浮」這兩個核心概念展開，疊合攝影、絲網印刷與石蠟，透過石蠟的加熱、融化、凝固過程，使影像游移於清晰與模糊之間，進而質疑影像「清晰」是否即是「真實」的保證。作為日本的第三代韓裔移民，藝術家透過這樣的操作，回應了觀看的政治與個人身分的不確定性。

在〈Both#37〉（2024）中，影像呈現水面與鐵網交疊的構圖。水的流動與光的反射，在石蠟層下被扭曲、分裂，而網格的陰影則成為一道觀看的阻隔。這種「封閉」與「流動」的結合，正是金光男創作的象徵語法，一種被限制的自由，以及始終格格不入的尷尬。畫面表層的刮痕與細微的融化痕跡，賦予了圖像時間的深度。黑與微弱的橘紅色調交融成溫潤的冷感，在感知邊緣的持續波動。

延伸閱讀｜金光男個展「浮遊する余白- In The Flight」：在影像的模糊與崩解中詮釋自我的身分書寫

德鴻畫廊 ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

金光男〈Both#37〉（2024）。圖／非池中攝影。

史蒂文・哈林頓 Steven Harrington｜名典畫廊 Ming Dian Gallery｜C14

名典畫廊展位充滿繽紛色彩，散發派對一般的輕快氛圍，讓走過的觀眾都被感染。他們長期經營歐美潮流藝術，本次帶來紅遍國際的美國洛杉磯藝術家史蒂文・哈林頓（Steven Harrington, 1979-）的繪畫，以及難得一見的銅雕塑作品。畫廊表示，VIP 預展便有哈林頓的粉絲慕名而來，直接下了訂單，藝術家的魅力可見一斑。哈林頓身兼藝術家、設計師兼企業家，樂於在藝術創作與商業設計之間自由穿梭，認為兩者並無明確界線。他的圖像語言鮮明、辨識度高，深受品牌青睞：他為 Nike 設計限量球鞋，並與 BAPE、Converse、Uniqlo 等國際品牌合作推出聯名商品。

哈林頓從平面設計和卡通語彙中發展出獨特風格，線條簡潔、造型明快。他筆下的角色看似童趣，實則帶著對內在焦慮的自我解嘲。如「Mello」狗那慵懶的微笑，傳遞了在緊湊節奏中保持從容的哲學；棕櫚樹「Lulu」則敞開雙臂，象徵包容與歡迎。他的創作延續加州 60 年代嬉皮文化的樂觀精神，透過流動繁複的構圖與明亮粉彩色調，營造出近似迷幻藥物的感官體驗，在混亂中仍能感到愉悅的幻覺，讓我們在一種像是被陽光曬到褪去的色彩中，吸入了一點溫暖的正能量。

名典畫廊 ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

Steven Harrington〈Happy Hour〉（2025）。圖／非池中攝影。

名典畫廊 ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

國本泰英 Yasuhide Kunimoto｜觀止堂 Admira Gallery｜B18

香港的觀止堂展位有一些小小的相撲力士，圓潤的形象乍看非常可愛，但仔細看這些去除臉部，稍縱即逝的輪廓，似乎又能讀到一絲絲不安。這是日本藝術家國本泰英（Yasuhide Kunimoto, 1984-）的作品，他以繪畫探問記憶與感知的關係，筆下的人物總介於清晰與模糊之間。畫面中常見的人物集體，如相撲力士、泳者或行人，皆以柔化的輪廓呈現，五官消失，僅留下體態的剪影，象徵記憶的不確定與個體在群體中的消融。這種對圖像的削減，使他的作品帶有觀念性，也隱含對當代日本社會匿名狀態的觀照。

在〈Sumo〉系列（2025）中，他以壓克力顏料在畫布上描繪重複排列的力士形象，金、銀兩種背景呈現出靜謐而充滿儀式感的氛圍。人物被簡化為近乎膚色的色塊，僅以暈染暗示細微的光影變化。國本以極度節制的筆觸，讓相撲這一象徵秩序與傳統的主題，轉化為對「存在的模糊」與「記憶的集體化」的冥想。畫中人群既如儀式中的信徒，也像逐漸消散的影子，靜靜映照文化與個體在當代的距離。

觀止堂 ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

國本泰英〈Sumo〉系列（2025）。圖／非池中攝影。

國本泰英〈Sumo〉系列（2025）局部細節。圖／非池中攝影。

弗蘭克林・科亞奧 Franklin Collao｜大雋藝術 Rich Art Gallery｜B19

臺中的大雋藝術帶來墨西哥藝術家弗蘭克林・科亞奧（Franklin Collao, 1982-）的作品，他是當代抽象藝術中極具代表性的畫家之一。他以油彩作為主要媒材，透過反覆塗抹與細緻暈染的技法，創造出柔光般的色層與無筆觸的質感。這種創作方式，既承襲文藝復興的暈塗法（sfumato）漸層傳統，也回應數位時代對影像光滑度的迷戀。他的創作核心關注「流動的知覺」，色彩不再是形式的附屬，而是心靈與現實之間的通道。

〈Ray of Light N.3 (Lilac)〉（2025）以紫藍為中心色域，外圍逐層暈散出金綠與橙黃的光暈，像是能量脈動在畫布中擴散。這些柔和的光點雖然沒有具體形體，卻暗示著生物、宇宙或靈魂的閃動，形成一種懸浮的視覺狀態。畫面中的亮光並非照亮物體的光，而是一種由內而外、指向心靈的光，帶有冥想與療癒的氣息。

大雋藝術 ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

Franklin Collao〈Ray of Light N.3 (Lilac)〉（2025）。圖／非池中攝影。

大雋藝術 ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

俞秀美 Yoo Soo Mi｜Suppoment Gallery｜A22

首爾的 Suppoment Gallery 帶來韓國藝術家俞秀美（Yoo Soo Mi, 1968-）的繪畫作品。一開始會先被這些鮮明的色彩，以及跳躍的色塊吸引。靠近觀看之後，會發現作品中充滿了迷人的細節。藝術家創作的出發點非來自傳統美術訓練，而是同年塗鴉的記憶。這種記憶轉化為她繪畫上的直覺書寫與色彩覆蓋的操作。透過「遮掩與顯露」、「重疊與消隱」的繪畫軌跡，藝術家的畫布是一面映照時間的鏡子，她以疊塗、刮除與筆觸堆積的方式，釋放深藏內在的絮語。

在〈The Trace〉（2025）中，灰色肌理帶著細微的顆粒表面，如牆面或地層，炙烈的霓虹橘、桃紅、檸黃等色塊鑿刻其中，揭示了時間斷層。畫面中可辨識的筆跡、斷裂的數字與近似筆記的手寫線條，使作品遊走在視覺、符號、語言與書寫之間。這不只是色彩的拼貼，而是對記憶、情感的編碼。

Suppoment Gallery ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

俞秀美〈The Trace〉（2025）。圖／非池中攝影。

安聖惠 Eleng Luluan｜原住民族藝術特區｜S01

在爭奇鬥豔的臺北藝博會現場，臺灣魯凱藝術家安聖惠（Eleng Luluan, 1968-）作品中的質樸感，成為一種特別的存在。這些柔軟質地，以及充滿人味的手感，總讓人感到溫暖和被療癒。她的創作以編織為核心，將材料視為與土地共感的身體，將編織轉化為對生命循環與母體生成的體驗。這樣的實踐既回應魯凱文化的傳統手工，也超越符號的層面，使創作成為與自然共存的行動。

〈棲水之地：一個消逝的所在〉（2025）以纖維塑造層疊的有機形態，明暗色線交錯如河流與血脈，螺旋結構指向了一個母性身體的內在宇宙。紅橙與藍綠的纖維交織出呼吸般的節奏，垂墜的線條則像生命的遺緒，留下消逝與再生的伏筆。整件作品在柔軟的形體中蘊含堅韌的意志，正如土地在水的記憶裡復甦，也讓身體重新找到安放的所在。

安聖惠 ART TAIPEI 2025 「原住民族藝術特區」展位。圖／非池中攝影。

安聖惠〈棲水之地：一個消逝的所在〉（2025）。圖／非池中攝影。

吳尚洋｜MIT 新人推薦特區 × 東家畫廊 BOSS Art Gallery｜M08

2025 臺北藝博「MIT 新人推薦特區」透過公開徵件的方式，選出了 8 位 40 歲以下的臺灣藝術家，走入這個展區，特別能感到一種清新的空氣。其中，吳尚洋（1992-）和臺北的東家畫廊合作，呈現〈隙像〉系列影像裝置。延續他對莫蘭迪（Giorgio Morandi）靜物繪畫的研究，將數位影像、映像管電視與電子相框並置，並納入他在印度駐村時拾得的陶製容器，融合他遊歷印度神廟的經驗，將這些拾得物搭建成一座神壇的形象。日常、無名的物件與螢幕中的色帶影像相互對照，構成一種「異地靜物」關係場域。

他的創作圍繞著「寫生」與「臨摹」的再詮釋，從繪畫訓練的手勢出發，轉向新媒體語境中的「觀看條件」探問。他將傳統靜物畫的再現邏輯，轉化為關於影像生成與感知機制的辯證思考。藝術家讓影像不再指涉某個外部世界，而成為科技與物件互為條件的現象。在這樣的創作脈絡中，寫生的概念被拓展為「人－科技－物」之間的即時的網絡，而「摩爾紋」等視覺雜訊，也成為他對影像真實性質疑的表徵。於是，作品在光線閃動、影像遞迴與空間節奏之間，讓觀看本身成為一種「物」的展示。

吳尚洋 ART TAIPEI 2025 「MIT 新人推薦特區」展位。圖／非池中攝影。

吳尚洋〈隙像系列：臨摹莫蘭迪的練習〉（2022）。圖／非池中攝影。

吳尚洋〈無題〉（2025）。圖／非池中攝影。

猪瀨直哉 Naoya Inose｜伊日藝術計劃 YIRI ARTS｜D03

臺北的伊日藝術計劃的選件一向別出心裁，今年臺北藝博又帶給我們許多驚喜。其中，居住在英國倫敦的日本藝術家猪瀨直哉（Naoya Inose, 1988-）以藝術史中浪漫主義繪畫的壯闊風景為基礎，結合當代社會的疏離與科技意象，發展出一套兼具詩意與批判的繪畫語彙。他從「自然與人類文明的界線」的反思出發，將精緻的油畫技巧轉化為對現代社會的寓言式觀察。

〈Into the Metronome〉（2025）青藍的天空與峭壁對照兩座水泥構造體，其間一塊嵌有企鵝和泳池圖像的混凝土板像是文明遺跡，矗立在荒原當中。這個場景像凍結的時間，觀者被引入一個既真實又幻象的時空。泳池的藍、山體的灰，以及如螢幕般超高飽和的天空彼此牽引，使風景介於自然與數位模擬之間。

伊日藝術計劃 ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

猪瀨直哉〈Into the Metronome〉（2025）。圖／非池中攝影。

猪瀨直哉〈Into the Metronome〉（2025）局部細節。圖／非池中攝影。

黃海欣｜双方藝廊 Double Square Gallery｜B36

臺北的双方藝廊今年依然是全場的人氣王，展位的佈局盡是巧思，入口處一組黃海欣（1984-）的舉重人和瑜珈人霓虹燈裝置，既可愛又有趣，讓人無法忽視。臺灣藝術家黃海欣的創作聚焦在當代社會的日常荒誕，並以大眾媒體與公共影像為切入點，觀察個體在文明規訓下的各種滑稽姿態。無論是政府宣傳、社會新聞，或社群媒體中被不斷複製的日常表象，這些圖像往往被重組為一場介於現實與表演之間的戲劇。

〈夜光健身房〉（2025）延續了她近期的「In the Gym」系列作品，以霓虹燈作為主要媒材，將健身文化的狂熱、虛榮與身體焦慮轉譯為流光閃爍。作品中舉重者與伸展者的姿態被簡化為強烈線條與亮色對比，鍛鍊肌肉的重複動作結合光的閃爍，形成一種迷幻的節奏感。這座發光的「健身房」不僅諷刺了現代人對完美體態的追逐，也模糊了人與機械、運動與表演之間的界線。黃海欣以輕盈的幽默拆解了現代都市的身體崇拜，讓觀者在會心一笑之後，意識到這個身影其實正映照著我們對自我形象的集體焦慮。

双方藝廊 ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。
黃海欣〈夜光健身房〉（2025）。圖／非池中攝影。

平良光子 Mitsuko Taira｜金澤水銀窟 KANAZAWA Mercury Cave｜B52 

金澤水銀窟的牆面，以樹枝懸掛了一件非常細小卻精緻的小蝙蝠，這是日本藝術家平良光子（Mitsuko Taira, 1996-）的作品。她擅長用樟木雕刻動物形象，並以礦物顏料細膩上色，維持木質的溫潤與生命氣息。她的作品多取材自宗教的象徵，將生命的純粹與人性的脆弱結合，呈現一種靜謐而深沉的美學。

〈蝙蝠－新撰東錦繪 於富與三郎話〉（2025）以懸掛的蝙蝠作為主體，結合枯枝，形成一種寓言式的靜物。蝙蝠的姿態既輕盈又孤獨，懸於半空，作品延續平良光子對生命輪廓的細微捕捉，在極簡的構成中，使觀者感受到一種隱性的溫度與悲憫。

金澤水銀窟 ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

平良光子〈蝙蝠－新撰東錦繪 於富與三郎話〉（2025）。圖／非池中攝影。

平良光子〈蝙蝠－新撰東錦繪 於富與三郎話〉（2025）局部細節。圖／非池中攝影。

呂浩元｜赤粒藝術 Red Gold Fine Art｜B07

臺北的赤粒藝術在這次臺北藝博策劃了展覽「春光之外——凝視風景，看見時間的碎片」，精選七位國內外藝術家作品，聚焦於日常風景的觀看。其中，呂浩元（1981-）的〈紅寶石〉（2025）尺幅雖然不大，但畫面中神秘、詭譎的色彩和光影，在赤粒藝術的展位當中像是一個小小的異次元入口。呂浩元的繪畫以超近距離特寫的視角，將平凡物件轉化極具驚奇感的視覺經驗。

〈紅寶石〉以石榴為象徵性主體，果實被切開後露出的鮮紅果粒，與暗紫色外殼如肌膚般貼合，形成擬人化的身體器官暗示。藝術家以寫實技法描繪，卻營造出超現實的氛圍；果肉光澤與濕潤質地在光線下閃爍，散發曖昧與危險的誘惑。這件作品延續呂浩元對情色與禁忌的探問，回應了巴代伊（Georges Bataille）所言：「情色是通往內在經驗的門」。藝術家透過繪畫在靜物中捕捉生命與慾望最細微的流動，靜物因而成為了聖潔與褻瀆共構的場域。

赤粒藝術 ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

呂浩元〈紅寶石〉（2025）。圖／非池中攝影。

大江慶之 Yoshiyuki Ooe｜帝塚山畫廊 TEZUKAYAMA GALLERY｜A36

大阪的帝塚山畫廊展位有一系列的輕巧的繪畫、雕塑，以一種錯落的方式呈現，有點古怪、超現實的造型相當吸引人注意。它們都是日本大阪藝術家大江慶之（Yoshiyuki Ooe, 1980-）的作品。他的創作根植於童年記憶與身體經驗，經由繪畫與雕塑交錯發展出一種幽微的圖像語法。他以一個自我分裂的「少年」角色作為軸心，並從自然中取材，無論是動物、昆蟲、魚蝦，編織出既親密又怪誕的寓意結構。藝術家拒絕對作品賦予單一意義，使他的作品既自傳，又具普遍性。

〈duplicity the ripper〉（2024）延續他對主體裂解的探問。畫面中央一張被黃色膠帶黏貼的素描紙，描繪著骷髏與獸齒錯置重疊的頭部結構，像是一張臉孔在撕裂過程顯露雙重內在。線條混濁、牙齒鋒利，將潛伏的自我攻擊與心理異化暴露於視覺層面。與之對應的裝置物件：懸吊手臂與紅色甲殼生物、黑色的頭像雕塑，使整體展場成為裂解現場，不再訴諸敘事，而是直面心理機制的操演。

帝塚山畫廊 ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

大江慶之〈duplicity the ripper〉（2024）。圖／非池中攝影。
大江慶之〈KUMOO〉（2025）。圖／非池中攝影。

王淑鈴｜采泥藝術 CHINI Gallery｜C09

臺北的采泥藝術在這次臺北藝博策劃展覽「承流．回響」，精選七位藝術家作品，呈現藝術在時間交織中的傳承與轉化。其中，我們很容易被王淑鈴（1963-）氣勢磅礴的〈蜂鳴序〉（2024）震懾，如一種自然之力就在眼前迎面而來。這位曾榮獲美國國務院藝術獎章的藝術家，總在繪畫創作中尋找時間流動與凝聚之間的平衡。她以一種流動的視覺語彙回應當代社會的變動節奏，橫向滴流、拖曳、堆疊的筆觸，創造出速度與動能的視覺節奏，觀者彷彿能看見自然景象在眼前迅速掠過。

〈蜂鳴序〉透過顏料的反覆推移與堆疊，構築出介於抽象與具象之間的「複空間」，將多重、碎片化的感知、記憶與能量凝聚於同一時空體中。畫面色層對比強烈，紫、綠、白的筆觸翻湧交錯，如風掠過山林，而橙紅的紋路則似蜂群振翅穿梭，形成有機的韻律。作品喚起觀者對時間與存在的重新感知，使繪畫成為連結個人與世界的精神地景，也暗示著一種在動與靜、混沌與秩序之間不斷生長的力量。

采泥藝術 ART TAIPEI 2025 展位。圖／非池中攝影。

王淑鈴〈蜂鳴序〉（2024）。圖／非池中攝影。

展覽資訊

ART TAIPEI 2025 台北國際藝術博覽會
地點｜台北世貿1館 (台北市信義區信義路五段5號)
公眾展期
｜10月24日(五) 14:00-19:00
｜10月25日(六) 11:00-19:00
｜10月26日(日) 11:00-19:00
｜10月27日(一) 11:00-18:00

REFERENCE

ART TAIPEI 2025