2025 年台北藝術博覽會「 Art Taipei 」（以下簡稱台北藝博）現正熱烈進行中，繼 10 月 23 日開幕與 VIP 展售日，公眾展期（10 月 24 日至 27 日）與相關活動持續開跑。今年台北藝術博覽會展期與台北藝術週「 Taipei Art Week 」（ 10 月 18 日至 11 月 2 日）串連，整個城市活絡著藝術脈動。藝術市場持續備受關注，隨著全球經濟結構的變化， 「入門級收藏」已成為趨勢關鍵詞。近年，全球藝術市場受經濟環境影響，收藏節奏放緩、整體交易氛圍相對趨於謹慎。然而，台北藝博作為亞洲歷史最悠久的國際藝術博覽會，仍持續展現穩定動能，憑藉長期深耕的國際網絡與專業策展實力，匯聚來自世界各地上百間國際知名畫廊，在變動的市場環境中積極探索新的可能。台北藝博連結亞洲重要畫廊與新興藏家，在推動區域藝術生態中扮演重要角色，成為觀察市場方向與創造交流契機的重要平台。

ART TAIPEI 2025 臺北國際藝術博覽會現場。圖／非池中藝術網攝影。
2025 年的藝術市場中，年輕世代收藏者的崛起成為一股不容忽視的力量，根據 Art Basel 與  UBS 的《 Global Collecting Survey 2025 》顯示，千禧世代與 Z 世代收藏家逐漸成為市場新動能，他們的收藏動機不再僅限於投資與地位象徵，而更傾向於「情感連結」與「價值共鳴」。這些新世代藏家熟悉社群媒體與數位平台，重視藝術家的理念與創作背景，也更願意支持新銳創作者，在媒材的選擇上也相對不受限制。

相較於傳統高價市場，年輕世代與新興藏家多數從中低價位區塊入門，偏好具實驗性、限量版畫、攝影、小型繪畫或雕塑等形式。5000 美元以下的區間，不僅吸引年輕藏家，也讓更多觀眾得以親近藝術、理解創作背後的價值。無論是實驗性畫作、具收藏潛力的版畫、還是精緻小型雕塑，都能在這個價位帶中，找到兼具藝術性與投資潛能的作品。這一價位帶的作品不僅門檻親切，並提供多樣化的收藏體驗。

對這群藏家而言，「收藏」更是建立自我文化品味與生活態度的方式，不僅是單純的投資行為。而畫廊方面，敏銳地察覺這個新的市場趨勢，在策展與展品合作上進行更靈活的調整，能明顯觀察到，許多畫廊增加展出了中小尺幅作品，與藏家們一同共築新的藝術市場生態。

ART TAIPEI 2025 臺北國際藝術博覽會現場。圖／非池中藝術網攝影。
這波新藏家傾向以靈活、探索式的策略進行收藏。他們會在藝術博覽會、線上平台與小型畫廊間穿梭，更注重「發現的樂趣」與長期陪伴藝術家的過程，也享受這些鑑賞所帶來的品味交流。這股新力量使得中低價位市場不僅穩定成長，也逐漸成為整體藝術生態中最具活力的推動力量，為近年藝術市場帶來轉向的契機。

C15 加力畫廊 InArt Space｜臺灣

根植於臺南的加力畫廊，長期致力於結合當代藝術與地方文化脈絡，展現南部藝術的在地精神與獨特視角。本次博覽會中，畫廊集結多位藝術家參展，呈現南方藝術多元而深厚的創作能量。

其中之一為臺灣藝術家周珠旺（ b. 1978 ），其創作深受南台灣土地與童年經驗影響，長年以「沙」與「石」為核心題材，透過極度細膩的筆觸描繪自然中最微小的物質，呈現時間、記憶與存在的厚度。本次展出作品之一〈吉石〉，以對石頭的精緻描繪回溯他在養鴨場「撿蛋」的勞動記憶，連結故鄉地景與情感，同時寓含收穫與祝福的意象，勾勒出沉靜而有秩序的記憶層次。

〈吉石〉，周珠旺，2023，18.2 x 24.3 x 5.3 cm，油畫、畫板。圖／非池中藝術網攝影。
他的畫面超越技法層面，蘊含對宇宙秩序與生命循環的哲思。每一粒沙、一塊石，都是對地景與生命歷程的冥想，亦將平凡物質轉化為深刻的精神隱喻，展現東方哲思與當代繪畫的交融。他的作品勾勒出南方藝術的內斂氣韻與當代價值，為觀者帶來從土地到心靈的深層對話。

加力畫廊（ InArt Gallery） 台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。

B09 異雲書屋 Yi Yun Art｜臺灣

成立於 2016 年的異雲書屋，致力推廣東方書畫與當代藝術，融合文人美學與生活空間，展現東方哲思與當代視覺語言的交融，本次台北藝博帶來許多作品，包含油彩、水墨、礦物材料等媒材，展間結合傳統與當代、東方與西方，將既定印象的傳統帶入活潑的新視角。展出的藝術家之一為來自日本廣島的山本尚志（ Hisashi Yamamoto，b. 1969 ），他是結合傳統書法與當代藝術的創作者，其作品將文字視為「符號與形態」的創作語言。他的作品不再追求可讀的文字美感，而是探索筆墨運動、空間節奏與視覺能量之間的關係。
異雲書屋（ Yi Yun Art）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。
作品〈雙丘年糕的遊戲〉無疑是一件充滿趣味又具有文化符號的作品，以年糕作為主要畫面元素，上方的文字來自日文片假名「ゲーム」（遊戲）。藉由日本文化裡「烤年糕」遊戲（註：據說只要先將兩顆年糕完美地烤到膨脹就能成為遊戲贏家），指涉對「遊戲」趣味背後的「犧牲」進行思考：為了贏得烤年糕遊戲的同時，究竟犧牲了多少年糕？

（中）〈雙丘年糕的遊戲〉，山本尚志（ Hisashi Yamamoto ），2024，69.5 × 135 cm，和紙、膠墨。圖／非池中藝術網攝影。
山本尚志的作品中，經常將筆畫重疊、變形、斷裂，使文字從語言轉化為抽象符號，展現反轉語言結構與創作規則的遊戲性。他的創作既延續東方書法的精神，又挑戰其形式規範。他的作品提醒觀者：書法不僅是書寫的技藝，更是一場關於語言、思想與存在的遊戲。

B08 晴山藝術中心 Imavision Gallery｜臺灣

晴山藝術中心長年推動亞洲藝術，關注新銳藝術家，並致力於跨世代的藝術推廣。本次參展的藝術家之一邱奕寧（ b. 1996 ）是臺灣近年備受注目的年輕水墨藝術家。她以城市邊陲景物為創作主題，記憶中老家望出去的風景常出現在作品裡—頂樓鐵皮屋、磚牆、屋簷、盆栽與糾結的電線等日常景象。透過細膩筆觸與柔和墨色，呈現出都市生活中孤寂而詩意的片刻，畫面兼具靜謐與張力，映照出現代人內心的寂寞與觀照。
晴山藝術中心 （Imavision Gallery）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。
在技法上，邱奕寧善用水墨的「撞水法」—在濕潤紙面上讓水與墨互相碰撞，使顏色自然暈開、交融，形成層層滲透與光影流動的效果。這種技術語彙被她轉化為描繪城市質地的方式，使鐵皮、磚瓦、雲氣等物象在真實與幻象之間流動。她以柔韌筆墨將日常景色轉化為心靈風景，展現當代水墨在時間感與情感深度上的新可能。

〈視線之外〉，邱奕寧，2025，70.1 x 43.5 cm，紙本水墨設色。圖／非池中藝術網攝影。
2025 年新作〈視線之外〉將石頭形體融合視力檢查表，構成兼具象徵與實驗性的畫面。仔細觀察，可見植物攀附其間，掛畫與紙條等日常小物被縮至極小，挑戰觀眾的觀看與互動。視力似乎象徵觀看的焦點，而「視線之外」指向那些容易被忽略的日常片刻。邱奕寧以畫筆打撈出這些被排除卻充滿生命溫度的事物，讓平凡之景在她的筆下重新被看見。

〈視線之外〉（局部），邱奕寧，2025，70.1 x 43.5 cm，紙本水墨設色。圖／非池中藝術網攝影。

B39 暮拉多元藝術空間 The Moolah Multi-Art Space｜臺灣

2022 年成立的暮拉多元藝術空間，本屆首次參加台北藝博，是南台灣具有活力的當代藝術新興場域。這次在台北藝博的展間設計上也相當有巧思，在作品視覺與氛圍的調配上頗具用心。不僅如此，展間的展牆與展台等色彩選擇，也都為了使藝術作品有更佳的呈現。作為新崛起的當代藝文據點，從本次展出可見其強調多元藝術的理念與實踐。
暮拉多元藝術空間 （The Moolah Multi-Art Space）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。
本次展出的藝術家之一侯連秦（ b. 1981 ）生於嘉義，是台灣當代雕塑藝術家，以石材雕塑為基礎，並持續嘗試融合玻璃、金屬等材質，發展出兼具重量與透明、靜止與流動的美學語言。侯連秦的雕塑不僅是形體建構，更是對生命、時間與能量的體悟。其代表作《靈動系列》以玻璃與石材結合為主要特色，透過石材的厚重與玻璃的透光性，呈現「看似靜止、實則運轉」的生命狀態。作品表面簡潔、線條流暢，將硬質的石材呈現出柔軟的視覺反差，內部蘊含著如呼吸般的能量流動。這一系列不僅顛覆傳統石雕的沉重印象，也展現了他對材質轉化與生命本質的深層思索，成為當代雕塑中極具靈性與詩意的代表。

〈靈動—19〉，侯連秦，2025，13.2 × 11.5 × 10 cm，玻璃、銀、卡拉拉大理石。圖／非池中藝術網攝影。
特別的是，這次展出將數件來自《靈動系列》、雲朵形象為靈感的作品，佈滿整面牆，使透淨的玻璃在光線下呈現出輕柔的光影效果，靜止之中卻能引發視覺上的動態體驗。畫廊方特別提到，這面展牆背景使用特殊的粉色，靈感來自臺灣黃昏時分的風景—由水氣構成的雲層風景。由此可見，畫廊在展出中融入策展思維，也大幅提升與作品之間的協作呈現。
《靈動系列》，侯連秦，展示於暮拉多元藝術空間 （The Moolah Multi-Art Space）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。

A09 曙畫廊 Enlighten Gallery｜臺灣

2023 年成立的曙畫廊，由曾參與「大觀藝術空間」策展、經驗豐富的專業團隊所規劃執行，主張聚焦具開創性與精神性的作品，涵蓋台灣新銳與國際當代藝術家。本次台北藝博的展位展出合作藝術家之一劉玹希（ b. 1986 ）的作品，其精緻且極具視覺美感的動力裝置，吸引了人潮的圍觀與駐足。
曙畫廊（Enlighten Gallery）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。
劉玹希結合復古零件、動力機械、光電效果，創造強烈科技與藝術交融感。他並非出身於純藝術背景，而是憑實作經驗與技術跨界介入當代藝術，使其藝術語言更具實驗性與機械美學。作品多透過大量蒐集舊有工業、軍事、電器時代的骨董零件，再將這些拆解、重構，結合光電與聲響，創作出具節奏與生命感的機械裝置作品。由於零件的取得相當珍稀不易，加上老件本身自帶豐厚的歷史故事，使作品在媒材層面直接觸及了歷史語言。

〈幾何海員〉， 劉玹希，2025，16 x 44 x 13 cm，銅、鋁、鐵。圖／非池中藝術網攝影。
他的作品甚至還暗藏巧思：有些能透過藍芽連接播放器、有些設有「櫃中櫃」結構，或藏有底片膠卷，展現高度的互動性。藝術家以對機械的深厚知識，將材料本身的美感呈現得更生動，在裝置藝術、物件藝術與工藝美學的交叉領域展現持續成長的潛能；對收藏者而言，亦具探索與收藏的多重價值。

B37 √K Contemporary｜日本

√K Contemporary 位於東京新宿，是一間當代藝廊新秀。自 2020 年設立以來，持續聚焦亞洲及國際當代藝術家，舉辦跨媒材展覽並積極參與國際藝博，本次參展的日本藝術家長谷川彰宏（ Akihiro Hasegawa，b. 1997 ）出身佛教寺院，其創作深受宗教修行經驗影響，以「光」「時間」「存在」為核心主題，運用油彩與壓克力等媒材，結合抽象與具象的構圖，展現靜謐與張力共存的畫面。長谷川擅以明暗、紅與青等對比色構築精神性的視覺空間，探討生命循環與意識流動。他的作品既承繼佛教哲思，又展現當代繪畫的實驗精神，體現物質與靈性交融的獨特美學。

√K Contemporary 台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。
值得一提的是，在媒材使用上，長谷川彰宏將油彩繪製於壓克力板。壓克力板的透明特性，使他有時候也會將作品正反面翻轉、多層疊合；湊近細看，可見不同層次之間透出的色彩訊息。身為年輕世代藝術家的長谷川彰宏認為，現代生活的觀看經驗與科技高度綁定。電子產品的面板是一種發光材料，透過 RGB 的色彩系統呈現出各種畫面；而他使用油畫繪製在壓克力板上，使顏色能夠更接近 RGB 色域。他提到，將顏料使用在畫布上的呈現，對觀者而言更趨於 CMYK 的色彩系統。然而，在學習各種藝術史名作時，大多僅透過發光面板去觀看影像，這樣的觀看經驗讓他特別關注色彩系統與觀者之間的關係。他認為「這個世代的感性（ Sense ）就是把 CMYK 和 RGB 結合」。
（中、右）〈 Untitled 〉無題， 長谷川章宏（ Akihiro Hasegawa ），2025，33 × 24 cm，油彩、壓克力板。圖／非池中藝術網攝影。

B19 大雋藝術 Rich Art Gallery｜臺灣

大雋藝術（Rich Art Gallery）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。
來自臺中的大雋藝術，展覽範圍涵蓋國內外藝術家，呈現從東方當代到西方藝術語系的多元風貌。本次參展的日本藝術家白田誉主也（ Hakuta Yoshuya，b. 1984 ），擅長將傳統膠彩技法與當代素材融合，包括和紙、寒冷紗、金箔、銀箔與落水紙等，構築出細膩而層次豐富的視覺語言。其創作多以動物為主題，透過擬人化筆觸與紋理細節，賦予牠們「平安」「幸福」「繁榮」等象徵意涵。除光明與希望意象外，作品〈竜宮城〉與〈學校〉更展現他對生命、存在與時間的深層思索—畫中海龜與魚群被限制於畫格中，報紙拼貼細節尤為引人注目—報紙作為具時效性的媒材，被用於描繪生物形象，暗示時間流動與生命受限的張力。

〈竜宮城〉，白田誉主也，2025，35 x 27 cm，麻紙、鋁箔、水干顏料。圖／大雋藝術提供。

〈學校〉，白田誉主也，2025，43 x 33 cm，麻紙、鋁箔、水干顏料。圖／圖／非池中藝術網攝影。
〈竜宮城〉的主題取材自日本浦島太郎的傳說—漁夫救龜入海，隨後被帶至龍宮城。故事中的海龜象徵赦免與轉化之力；然而，白田筆下那被圈套的海龜，似乎永遠無法游往龍宮，成為現實與神話之間的隱喻性提問。

B06 三瀦畫廊 Mizuma Art Gallery｜日本

三瀦畫廊專注於發掘日本及亞洲地區的新銳當代藝術家，其中青山裕企（ Aoyama Yuki，b. 1978 ) 的《 Schoolgirl Complex 》系列，是他自 2006 年開始拍攝的重要攝影計畫。他以女學生的制服—例如格紋裙、白襯衫、長襪、膝蓋窩等—作為視覺語彙，試圖捕捉「制服」作為一種社會與身份符號所引發的情感、慾望、陰影與自我認知。
三瀦畫廊（Mizuma Art Gallery）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。
「制服」在這裡是一種集體、去個性化的標識，但影像中卻因為身體的細節（襪子、膝蓋、裙邊）而呈現出個人、私密的獨特性。畫面中「不露臉」或「遮蔽臉部」的構圖經常出現，令觀眾聚焦於身體的其他部位，這樣的處理突顯了「被凝視」與「觀看」的權力關係。此系列從年輕的慾望與恐懼出發，但經過多年創作，其視角也有所變化：從攝影家的個人情結，逐步轉為對青少年文化、制服文化與身份標誌變化的觀察。 藝術家表示，這些作品在拍攝皆以自然光呈現，這樣的手法完全依賴現場的自然光源，在概念上能夠將真實感保留下來。

（右）〈 Schoolgirl Complex (Trace 1)〉，青山裕企（Aoyama Yuki），2022，36 x 48 cm，噴墨印刷於壓克力。圖／非池中藝術網攝影。

B02 丹之寶 Tansbao Gallery｜臺灣

丹之寶畫廊是亞洲少數專注於推動喜馬拉雅地區藝術的畫廊之一。「喜馬拉雅（Himalayas）」一詞是指覆蓋西藏高原、尼泊爾、不丹、北印度、克什米爾及其周邊受藏文化影響地區。 丹之寶致力於支持以「離散、身份、文化遷移」為主題創作的藝術家，同時也推介台灣當代水墨與當代藝術，形成其獨特的「新東方人文精神」風格。 
丹之寶（Tansbao Gallery）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。
參展藝術家丹增・葛美・多吉（ Tenzin Gyurmey Dorjee，b. 1987 ）是當代喜馬拉雅藝術界重要的新生代藝術家。他出生於藏文化背景，作品深受從西藏流亡到印度的遷移經歷、文化交錯與記憶片段影響。《 Yarney 》系列作品中，可以看見他對動物題材的多樣發揮，結合動物與運動會兩者元素，引發民族文化與現代生活之間的思考。

（上）〈 Yarney 4 〉 ，丹增・葛美・多吉（ Tenzin Gyurmey Dorjee ），2025，49  x  49 cm，壓克力繪製於原色麻布。（下）〈 Yarney 3 〉 ，丹增・葛美・多吉（ Tenzin Gyurmey Dorjee ），2025，49 x 49 cm，壓克力繪製於原色麻布。圖／非池中藝術網攝影。
在藏文化中，人們十分尊敬動物，在尼泊爾甚至有 Kukur Tihar（狗節），藉由祭儀不同的動物與生命，表達對動物的敬奉與感謝。「Yarney」一詞來自藏語「དབྱར་གནས་」（讀作 yar-né ），是藏傳佛教中非常重要的一段夏安居期，象徵自我淨化與戒律更新。這系列的作品恰好這這份神聖靜謐的思考帶到觀眾眼前。

A07 也趣畫廊 AKI Gallery｜臺灣

也趣畫廊深耕臺灣當代藝術多年，合作藝術家吳逸寒（ b. 1982 ）以女性身體與性別議題為創作核心。她的作品融合寫實與抽象筆觸，呈現出柔軟卻帶有張力的視覺語言。她關注社會如何透過美貌、年齡與角色對女性身體施加規範與定義，並以細膩而批判的方式揭示女性在被凝視與自我意識之間的拉扯。作品經常描繪半抽象化的女性形體，在模糊與清晰之間游移，她的畫面不追求外貌再現，而是透過身體的色塊與筆觸，傳達心理狀態與情感作動。
也趣畫廊（ AKI Gallery）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。

〈 Hercules and Omphale, after Francois Boucher 〉，吳逸寒，2021，76 x 57 cm，紙、水彩、墨水。圖／非池中藝術網攝影。
本次作品之一〈 Hercules and Omphale, after Francois Boucher 〉取材自希臘神話：赫丘利（ Hercules ）因誤殺友人，被罰為呂底亞女王翁法勒（ Omphale ）的奴隸。女王命他穿上女裝、替她紡線，而自己則披上獅皮、持其狼牙棒，象徵權力與性別的顛倒。最終兩人相愛，成就了力量與柔性並存一刻。吳逸寒略去外圍華麗的裝飾與人物，只留下了水痕及主體輪廓，從這段充滿議題性與詩性的神話故事出發，退去裝綴之後，呈現的是超越性別與外在形象的愛情。

〈赫拉克勒斯與翁法勒〉（Hercules and Omphale），弗朗索瓦・布雪（François Boucher），約 1732-34 ，74 × 90 cm，油畫、畫布。

A18 丁丁藝術空間 TING TING ART SPACE｜臺灣

創立於 2016 年的丁丁藝術空間，是一間以新世代視角探索國際當代藝術的畫廊，其秉持「藝術即生活，生活即藝術」的經營理念，涵蓋多元媒材與風格，並累積參與多場亞洲及歐美大型藝博會的經驗。在國內外新銳藝術家培育與國際舞台連結方面表現亮眼。本次台北藝博帶來多位來自不同國籍藝術家，展出精彩且玩味的作品。
丁丁藝術空間（ TING TING Art Space）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。
其中藝術家之一的里斯．布朗（ Rhys Marcus Brown，b. 1993 ），來自英國，其作品常將懷舊玩具、毛絨熊、卡通元素等與「健素打印」（他自稱為 vegan gyotaku ）技法結合，加上傳統日本魚拓（ gyotaku ）的概念，將玩具轉化為印版或扁平化圖像，再以壓印、油墨、標語、裂紋等手法創作。其作品中的色彩強烈、構圖誇張，帶有童趣，不僅是對玩具及童年的懷舊，更是對當代社會、身份、記憶與物質文化的探問。他將簡單的物件轉化為具有情感與符號力的藝術語言，讓觀者在色彩與圖像的玩耍中，同時面對成人世界的複雜性。
（左下）〈窮人的孟克〉（ A Poor man’s Edvard Munch ）（ Night ），里斯．布朗（ Rhys Brown ），2025，45 cm x 35 cm，壓克力與油性粉彩於上亞麻布。圖／非池中藝術網攝影。
在展場中，作品〈窮人的畢卡索〉、〈窮人的孟克〉等，挪用了經典名畫的符號形象，整體構圖既像在戲仿經典名作，又帶有當代藝術的俏皮與反諷氣質，格外吸睛，未來也將發展出整套「窮人的美術館」系列。其中，〈窮人的孟克〉一作，觀者一眼便能辨識出與其參照對象—超現實主義藝術家愛德華・孟克（ Edvard Munch ）的知名作品〈吶喊〉（ The Scream ），畫面中，藝術家將人物臉孔位置換為小熊的形象，以「低階」玩具作為記憶符號作素材，重塑或戲仿經典藝術語言，讓「大師」以更加親民、玩味的形式重新現身。

B51 陳氏藝術 Chens Art Gallery｜臺灣

今年在臺北藝博會，陳氏藝術帶來中國藝術家林墨（ b. 1984 ）的繪畫創作。林墨長期在東、西方藝術語言之間往返。早年受中國水墨與傳統筆法訓練以來，他始終維持對「氣韻」與「留白」的敏感；旅歐期間，受到西班牙的普拉多博物館（ Museo Nacional del Prado ）古典繪畫，以及歐陸現代主義的啟發，他開始思考光、空間與形體之間的互動。他並未選擇線性地追隨某種風格，而是在文化位移的張力中，建立出屬於自己的繪畫結構—在顏料與光之間，尋找一種介於具象與抽象、物質與靈光的中介地帶。這種「中間性」成為他重要的創作方法，也是他以東方哲學轉譯當代視覺的關鍵。
《色皮》系列，林墨，壓克力。展示於陳氏藝術（ Chens Art Gallery）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。
〈 無題〉， 林墨，2025，25 x 35 cm，壓克力。圖／非池中藝術網攝影。
〈無題〉出自他的「色皮系列」，作品以多層壓克力顏料覆敷，再以刻刀或電鑽減去部分表層，形成鏤空的孔洞與刀痕。這種減法雕刻的技法，使畫布不再只是平面的承載，而成為可穿透的「皮膜」。當光線穿過孔洞時，影與色在畫面與牆面之間流動，形成柔暈的投影。這種處理手法，呼應了中國傳統的皮影戲—光、影、幕的三重結構被轉化為繪畫語言：顏料是皮，光是筆，影是畫。畫中的線條以螢光綠與深藍交纏，彷彿葉影閃爍於人體的輪廓之間，使形體與背景相互滲透。林墨不只是描繪光，而是讓光本身成為創作的主體，讓觀看如同一次皮影戲的演出—虛實並生。

A12 科元藝術 Ke Yuan Gallery｜臺灣

科元藝術在策展語彙上，強調東方藝術的「精神性」。推薦的作品在創作態度上展現誠敬與精神性的探求，其美學表現出恬靜與純淨的氛圍。本次藝博帶來藝術家王董碩、廖震平、張光琪、陳建榮、林怡芬等人的作品，每位藝術家的創作在溫潤的細語之間，彰顯出生命多層次的光譜。
科元藝術 （Ke Yuan Gallery）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。
其中，藝術家林怡芬（ b. 1971 ）慣以「大地為源、土為媒」的視角，採用陶、木、礦物等自然材質創作雕塑與裝置。她透過透過雙手塑造出既具有自然質感、又富有故事氛圍的作品，以此探索人與自然、物質與精神的對話。《和合而生》（ Born in Harmony ）是林怡芬於近年創作的重要系列，作品以陶土、天然顏料及漆器為媒材，透過自然材質與手工塑造，呈現「從土地誕生」與「萬物和合共生」的概念，「和合」不只是並置，而是不同材質、色澤與形體在作品中交融，象徵生命與環境跨時空的連結。在該系列作品之一〈 Primordial Form 〉（譯為「原始型態」），作品造型引起觀者對於有機體的聯想—也許像植物的塊莖、，也許如人類的心臟—呼應了整個系列關於天地萬物之間和諧對話的核心精神。

《和合而生》系列，林墨，壓克力。展示於科元藝術 （Ke Yuan Gallery）台北藝術博覽會（ART TAIPEI 2025 ）展位。圖／非池中藝術網攝影。
在藝術市場逐漸轉向保守、收藏者心態轉向個人化的當下，「入門收藏」不再只是價格的起點，而是一場關於品味、感受與敘事的修煉，更是進入藝術世界、理解當代創作脈絡的第一步。這些作品往往來自創作者最貼近生活記憶與情感的時刻，帶有強烈的故事性：一幅描繪城市邊緣光影的畫、一件融入手工質感的雕塑、一張以自然光捕捉瞬間的攝影，都可能成為承載著不同視野之下的「當代精神」。對新興藏家而言，這樣的收藏不只是資產配置，更是一種與時代對話的方式。

當收藏不再被價格定義，而是被「共鳴」所驅動時，往往能出其不意地讓更多不同生命視角相遇，這也讓大眾看見—藝術的價值，往往從一件可親近、可感受的作品開始，與作品相知相遇的那一刻起，便已開啟一段屬於自己的收藏故事。

ART TAIPEI 2025 臺北國際藝術博覽會現場。圖／非池中藝術網攝影。

展覽資訊

Art Taipei（臺北國際藝術博覽會）
尊榮貴賓預展時間
2025年10月23日(四) 12:00-21:00

貴賓預展時間
2025年10月23日(四) 15:00-21:00
2025年10月24日(五) 11:00-14:00

公眾展覽日期
2025年10月24日(五) 14:00-19:00
2025年10月25日(六) 11:00-19:00
2025年10月26日(日) 11:00-19:00
2025年10月27日(ㄧ) 11:00-18:00

展覽地點
台北世界貿易中心-展演一館（台北市信義區信義路五段五號）

REFERENCE

ART TAIPEI 2025