看我的作品時其實不需太多言語。如果作品無法讓你直接感受到，就很可惜。藝術不是分懂或不懂，而是感知力的強弱。當你用到最飽和的能量時，作品自然而然會撼動觀者的視覺。

古今中外於平面或立體創作上，皆常看到女性題材的運用，為什麼您獨鍾少女這個年齡層來表現作品呢？

其實也沒有特別刻意，做寫實的題材很難離開模特兒，在這過程當中還是以女性為多，但我也有以男性模特兒來創作的經驗，做人體的東西必須經常鍛鍊，以雕塑來講，不可能像靜物那樣可以多畫多作，所以要特別呈現出感受性的部分。而通常人最容易引起共鳴、感受的題材，不外乎是看人或動物，但乍看之下，動物的性別是不太容易呈現的，僅於外貌的部分可以判斷是什麼動物，但以人的題材來說，分的出老少、男女、憂鬱、快樂等等，比較可以在這上面仔細考究、推敲。

人體與表情塑造的捕捉，有相當多的可能性，如何去避免重複一樣的姿態或表情？

其實不會很難，要一模一樣才不容易，我們不是在表現模特兒，而是表現造形、動作的氣氛，以及不同姿態的神韻。真正的藝術，都會是寫意的，不是完全照抄，而是對人、事物的參考，該表達的眼神、手部，或任何一個部位都可以成為主角，也可以成為配角。例如用傻瓜相機拍一群人，可以清楚地看到每個人，但過了幾年卻不清楚；單眼相機則是捕抓主角，營造一種強迫性的氣氛，不讓你看到的，就會看不到，視覺的形成已經事先安排好。

什麼叫藝術品呢?同樣的模特兒，讓十個藝術家來呈現，都不會相同；同樣一群人，十個導演會導出十齣不一樣的戲，我們並不是要將原班人馬搬到同樣的位置，而是在於每個人的選擇。繪畫跟導演是一樣的，根據角色而導出不同的劇情，如果都照抄，那麼導演便失去意義了，視覺是如此、音樂也是。

所以創作更著重在人的表現上，您如何將神情精準地呈現出來？

這跟繪畫很像，很多人什麼都要，都想包含進去，嘴巴、眼睛、都很漂亮，全部都把它做出來了，這就像傻瓜相機一樣，什麼都可以看的到，但是到最後眼睛就花掉了。如果我想呈現一個特別哀怨、或漂亮的眼神時，我必須弱化嘴巴的部分，不做那麼清晰，這樣眼神就會炯炯發亮，製造出另外一個層次。

這些人物的姿態、觀察與取得，都是來自模特兒所延伸出的概念? 創作的時間通常需要多久呢？

雕塑的人跟繪畫中的人是不一樣的，人物在繪畫比例上是比較小的，但雕塑是整個部份的呈現，原則上我都讓模特兒自由發揮，等到認為姿勢具有張力時，就會慢慢調整到自己想要的畫面。

一般來說，模特兒工作20分鐘後，會有10分鐘的休息，每次大約花三個半小時的時間，製作全程都需要模特兒在現場，全部完成大概需要半年的時間。在這當中，不能加上自己額外想像的動作，否則作品會顯得太僵、不自然。

不同的模特兒，都傳達出濃厚的東方特色，這個部分有特別的意涵嗎？

因為我看到的都是東方人面孔，所以便如此取材，寫實具象的雕塑是歐洲的天下，在傳統裡面，東方沒有真正寫實的立體雕塑，都是大寫意的呈現，寫實具象的部分，早期的黃土水便做得很不錯，所以雕塑是不能離開模特兒的，如果只是出於自己的想像，作品就會看起來不自然。

您在大學就讀時期，便有豐富的得獎紀錄，從小就有雕塑創作相關的興趣嗎？

我是到了大三才選雕塑，一、二年級在學校時，油畫、水墨、石雕、泥塑都碰，三年級我就選雕刻，一直到現在(笑)。以前沒有接觸立體的部分，是因為沒有環境，而且繪畫的素材比較容易取得，後來走向立體創作，可能也跟天份有關。學生時期的比賽，應該是獎金的吸引力(笑)，在我第一次個展之後，就沒有參加類似的比賽了，因為我期許自己的作品可以跳出學生時代的思考，邁向專業的角度，因為實力比較重要。

從早期簡單寫意到近期的寫實人像系列創作，對您而言是怎樣的階段性轉變？

其實似乎沒有所謂的轉變，而是一直在發展中。早期是比較寫意，那時會覺得寫意的味道很夠，但好像會被認為功夫不夠、沒有挑戰。畢業一、兩年後，我又回學校回去磨寫實的功夫，因為覺得自己還很不足。第一次個展時，寫意的作品占了大多數，寫實作品只有兩件；到了後面的展覽，寫實的作品越來越多，現在也能將寫意作品做得更好，就我的觀察，北部喜歡寫意，南部喜歡寫實，但在我的展覽裡兩者都是均衡的，對我來說都一樣。

我在處理同樣的姿勢時，尤其是肢體語言、手指頭的部分，會像一朵花那樣仔細地處理，所以都是帶寫意的味道，如果真的像人的手那樣逼真地呈現，會硬梆梆的。至於體態的調整則要看對象，身材有局部瑕疵也是可以調整出一種味道。做完人體部分之後，我再開始著裝，在材質、顏色上更多元的呈現，但不能過度，才能夠達到加分的效果。

您獨特的上色技巧，當中經歷過什麼樣的實驗與或開發呢？

這種上色技巧的發明應該是一種狗急跳牆(笑)，傳統的色彩都是黑色、深咖啡、深綠色，但我做的人體是很細膩的，如果上黑色會太沉重，輪廓、細節、肌肉都會被顏色吃掉，所以要想辦法找色彩淺的，所以想到以大理石、寶石的顏色來呈現，經過十幾年的摸索時間，只要效果好的都嘗試看看，讓顏色更豐富同時又不會互相抗衡，是很完整的呈現。色彩部分也需要調整，膚色可以搭配金色、金色可以加入紅色，而寶石的質感又比大理石漂亮，材質同時會影響觀感，所以層層細膩的考量之後，色彩就會跳出來。

很多老一輩會堅持傳統，但我沒有那個包袱，什麼材質都可以嘗試，當代藝術似乎很強調形式，這其實也是創新，但如果沒有功夫、沒有創作能力，也就沒有形式可言。現在很多藝術都希望獨一無二，但是失去了感受度，就都沒有用，從學習開始不打好基礎，到了20年後還是一樣。各行各業中，舞蹈家、音樂家也是需要經過苦練，寫實、具象的東西，沒有5年、10年以上的工夫，很容易就會被看出來其中的不對勁，所以在學生時期，寫實具象的作品不太容易獲得青睞，因為它很容易可以挑出其中的缺點，但抽象表現的作品總是比較容易獲得注目，因為說不出來它哪裡好或哪裡壞(笑)，不過如果背後沒有一個紮實的厚度，那麼只是把石頭磨得漂漂亮亮、線條抽象好看，就可以得獎，20年後他還是無法進步。

後來您在作品中加入了琉璃材質，是非常特別的部分。
我總是嘗試結合不一樣的材質，在加入琉璃之前，我也加過不銹鋼、大理石，大部分是想透過材質的顏色，來呈現最準確的色澤。例如翡翠色加入金色後，又加入琉璃，整體看來像是珠寶般的色彩，就是一種視覺上的漂亮結合。

一般來說，大眾較容易理解具象的作品，但您作品中有非常多的感性元素，通常您如何引導觀者解讀呢？

看我的作品時其實不需太多言語，就像你不需要懂美食，但吃出好吃的菜時一定知道，這就是人的本能。如果作品無法讓你直接感受到，就很可惜，作品最終需要符合人的視覺，一旦觀者的眼睛感受到了，後面的感知自然會陸續湧上，前者來自於共同的感受，後者來自於人會各自詮釋東西，進而產生不同的感覺，或對它留下深刻印象。藝術不是分懂或不懂，而是感知力的強弱，就像一位女孩子，素顏與盛裝的不同。當你用到最飽和的能量時，作品自然而然會撼動觀者的視覺。