「造形」或者「形式」做為定義雕塑的具體形象在藝術史中已超過千年，然而在當代藝術不斷試探新徑與試圖推翻古典思維的氛圍下，卻顯得愈來愈隱晦不明。在講求形狀、尺寸、結構、技巧、內在與外在風格、形態的布局融會於一的觀念裡，藝術家所要追求的是將生命灌注於作品之中，而空間相對應於造形的具體呈現的抽象概念卻又與之密切不可分，雕塑家在無法掌控的空間情境中將之編織出具體造形樣貌。最好的例證是羅馬尼亞裔法國現代主義雕塑家布朗庫西（Constantin BrâncuȘi）在〈空間之鳥〉賦予的獨特生命，觀者必須360環繞作品觀看，將片段視覺連接成一個完整空間中的雕塑形象，任何一張單一的照片或角度都無法具體詮釋作品的形象。

雕塑藝術自抽象造形開啟新觀念後，在當代語境下又該如何辨識自身的特色?雕塑的意義不再歸於一宗，是以當代雕塑出現諸多的跨越，若僅僅以作品的量及形態區別，已經無法全面定義雕塑。20世紀以降，工業主義橫掃世界，連帶影響了藝術家創作的方法，尤其對於雕塑創作的影響更甚於繪畫，穩固物件的觀念形式在空間中的量度呈現已經不是雕塑的唯一方法，甚至猶如繪畫線條的微小線性都能在天空中穿越，成為雕塑的形態。

英國雕塑家亨利．摩爾（Henry Moore） 的作品為時代創造出新的雕塑語言，讓作品與環境對話。墨西哥古代印第安人石雕影響了摩爾的創作，人物只是原形，沒有具體確切的時間和地點，純粹喚起油然而生的崇敬感情。他的創作首重有機的形體，也就是物體的質感，保留材料原本的質地；再者，他透過神秘的孔洞，在富有量體的雕塑創造出具有節奏韻律的空間感。芭芭拉．黑普瓦絲（Barbara Hepworth） 的抽象雕塑與大自然有著密切關係，流暢的線條來自家鄉綿延的海岸線以及高低起伏的山稜，作品雖然呈現不規則卻有著溫潤感。她喜歡將作品置放在公園、森林等開放的空間，如果是室內，也會在牆壁上貼滿綠地或公園的照片，藉由雕塑的洞孔將空間劃分出內在與外在的概念，並以穿透的形式讓觀眾透過雕塑觀看世界，也回應作品的自身性。從希臘美學延伸出來的概念實踐在她作品的均衡和諧之中。

美國雕塑家大衛．史密斯（David Smith） 運用工業方法與材料，將雕塑融入開放空間，拓展了雕塑的概念。他創造了美國最早的焊接雕塑，通過切割和拼接複雜的鋼片與鑄造的金屬，形成一種強烈的心理場域。1951年的作品〈哈德遜河風光〉充滿爆發的生命力，藝術家拋棄數千年的雕塑製作傳統，拋棄實心，將鋼鐵拋向空中，猶如在太空中作畫。

藝術的發展在特定的時間與社會文化背景下，逐漸產生新的形式與結構，當論述雕塑史與創作時，台灣的創作脈絡除了挪用西方理論進行觀看外，自然不能忽略在地的多元因素所孕育而成的藝術家創作態度與思想，包括材質的選擇以及內涵的哲理。梁平正木雕創作的第一個系列「重力釋放」回歸材質最根本的質地，將木材當作交談的對象，從木質的紋理到自然成長的曲線，以鑿空的方式，將重力釋放、反轉量體。從社會文化的意識來看，藝術家試圖解構並去中心化的想法，在有意識與無意識中隱身於作品。「非書」系列賦予木頭輕盈飄逸的意象與充滿東方哲學思想的禪意，有著平衡和諧的美感，由此逐漸發展出「倒置美學」的全新觀念，並回歸至人類歷史的食用器具上，再度審視純粹的美感，在「非器」系列激發出對日常生活美的當代省思。

藉由「面具」系列的發展，梁平正回到更本質的人文主義。《阿含經》談到：「彼愚癡無聞凡夫無明所覆，愛緣所繋，得此識身，彼無明不斷，愛緣不盡，身壞命終，還復受身。」軀體之於肉身，面具之於對抗肉身的意識與渴望。「天使心」系列則成就了以愛之名的世界觀，以及放諸四海的寬容之心；到了「森林呢喃」，則是將對生命的愛擴及萬物，奇幻的造形是心靈的開放與包容，以及多重宇宙的聆聽。

雕塑成為藝術家生命哲學的實踐。