克里斯蒂安.格琳 Christiane Grimm (German, b. 1957) 畢業於斯圖加特大學Universität Stuttgart建築所。她的創作被稱為「不插電的動態光影」。多年來她持續實驗研究光線、色彩、空間，與特殊玻璃、壓克力等材質的特性結合，有系統地、精確地、處理分層感知色彩，讓物理光線影響著圖像的具體性，作品隨著光線變化、觀看位置不同，顯示立體漸層以光作畫。作品於德國 Museum Ritter、Wilhelm Hack Museum 展出並獲頒 The public’s choice award 獎項。獲德國海德堡市政府、德意志銀行，以及眾多私人美術館Das Kleine Museum、 Kunsthalle Würth、私人機構PwC資誠聯合會計事務所…等永久收藏。

格琳 Grimm 使用金屬、有機玻璃、古董玻璃、壓克力或紙本繪畫..等媒材來創作，她不僅運用工業化材質，也利用手工技法，混合拚貼幾何、極簡主義的概念。格琳 Grimm研究並關注色彩、光線、空間所構成的氛圍 ——所見的 「光線」是穿透物質的媒介，選擇「透明」的玻璃媒材讓作品的前景和背景的分離更加流暢。眾多作品由垂直水平分割的塊狀圖形構成，漸變的序列色彩與線條不斷交疊，在光線的照映下，呈現一種立體而柔和的物質性，沉靜有秩序，也因光線與觀者視線移動的變化，產生色彩的流動狀態，色彩邊緣的界線相當模糊，近距離觀看時，會發現其表面相當細緻。作品整體破除嚴謹的幾何型態，透過帶菱紋玻璃、 色彩選擇與反覆試驗，作品充滿強烈的繪畫特徵，光引導著觀者凝視作品，縱使積極凝視，也無法一眼望穿。色彩是人們所見的天空、海洋或是土地，或是教堂窗格映入的彩色玻璃故事，帶有冷暖寓意，尤其夜間作品自帶發光，神秘且寧靜。

回顧藝術史，在1960 年代美國的極簡主義（Minimalism）同時發展至歐洲德國藝術圈，極簡藝術極力排除阻礙視覺的要素，追求呈現物件的真樣貌，讓作品還原成純粹的認知對象，部分藝術家統一用工業材料，簡化型態，或是強調作品與空間的連結。像藝術家 Keith Sonnier 使用霓虹燈的線性質量在空間中繪製光和顏色，而光的漫射使作品能夠在各種建築平面上相互作用。當代藝術家 James Turrell在建築場所建構作品，從白天至黑夜，太陽和月亮的光被帶入私密的空間，讓觀者經歷直視物件本質的過程。又如藝術家 Olafur Eliasson 使用光、水和氣溫等元素材料來增強觀眾體驗的大型裝置藝術，於室內外空間創造驚奇。同時，歐普藝術（Op art）中對色彩應用的手法在格琳 Grimm作品中反覆出現，歐普藝術採用幻覺般的色彩，重複簡單的形式和顏色組合，或是莫爾波紋（Moiré patterns），操縱透視規則以產生三維空間的錯覺，混合顏色以創造光影印象。

此次在 Bluerider ART台北·敦仁的「漸層 Gradient」個展，格琳 Grimm特別依 台北·敦仁館現地創作的大型全新裝置作品 Solar Winds（2022），將不同材質混合擴大，獨自傾瀉立體光影、呼吸，表現「漸層」細膩的視覺感動。另外，從雕塑、牆上裝置，各種幾何形狀，不同維度組成產生非靜止、不插電的動態效果，色彩表面創造感知模糊，一座座海市蜃樓在眼前出現、消失，令人反覆玩味。小型立體雕塑作品，水平垂直的片狀空間構成純粹、如同建築的微縮模型空間，光線可在其中自行穿透、及不可穿透的異材質，構成自成一格的建築體，錯置的窗格顯示了彩色光譜序列，展現連續韻律的視覺節奏。「光」是格琳 Grimm創作的核心元素，藉由光影呼吸、穿透、玻璃、 色彩、透明，物質相互對照與呼應，給予觀者純粹而雋永的絮語。