現實的邊際：輕談吳宥鋅作品的當代思緒
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　文／林紙鶴 (知名藝文評論部落客)
我以為，藝術是〝作品將情感散發出來以致感染人心，而達到溝通效果的手段” 。
曾幾何時，水墨也是一種「作藝術」的勞動過程，然而，翻閱近代學界或藝術份子對於水墨場域的描述，經常是在處理水墨、非水墨的「畫種」議題；這是民族主義式的政治激辯。對於多數當代人來說，那些爭辯都過於無視當下。我想，同屬八零後世代的吳宥鋅，亦是如此認為吧？《現實的邊際》，文意中是想要作出一番意識上的質疑與再思考，而我個人則認為那是一種覺醒的聲音：故意的走在畫種的稜線上，刻意模糊畫種的二元論，因為他認為「探討藝術的本質才是重要的，畫種邊緣的爭論在當代應該讓它過去」。第二個是他創造出來的眾多女孩圖像，是我們可以在廣告、街頭看到的那些當代影像，他回歸到創作的源頭：情緒，把這些影響通通塞進去再製造出來，它已經不再是「寫實」，而是呼應他的情緒而誕生的「新物件」；於是，隱性的憤怒訊息，配合著作者全力以赴處理的邊際之因，構成這一個個精緻懾人的「手繪影像物件」。
08年作品〈晚冬〉，是一個都會女子佇立在高樓天台上的愁思絮語，並飄散著情緒不明的氣氛，然而在苦心編織的毛衣質感及背景的東方墨韻底下，是一種「文學性」的氛圍鋪陳，這是屬於他稍前期的「思考手法」。
09年有一件頗有意思的作品〈Somnambulism〉，以一種特立獨行的樣貌呈現在眾女孩之中。我個人認為，這是藝術家進行自我解嘲以及對當代文化的回應，所以它有一個重力失誤的空間、天真無邪般的小女孩、對應童話而出現的兔子。因為當代社會的不安全感所帶來的焦慮，無法透過身體的發洩獲得紓解，吳宥鋅以藝術家的身份選擇執著、冷靜、理智地進行，如2010年開啟的黑白單色階系列。他的情緒，不屬於帕洛克 (Jackson Pollock) 的外顯式宣洩，而實際上，他的作品屬於隱性的憤怒，是一種悲劇式的痛苦，但這些全被包藏得好好的，就像把情緒壓抑住般，當你盯著作品的眼神看時，我相信你會發現背後的意義。壓抑的關鍵那便是，「唯有透過壓抑才能更貼近事物的本質」。
因為有遁逃與慰藉的需要，童話才有存在的可能，相形之下，以〈Exposed〉為名的單色階系列，無非就是一個鼓起勇氣、真實的面對。我把它稱作「自我療癒」，意思就是，逐漸累積的憤怒，在這段時間內化為某種「藝術」的推力，對色彩的拋棄與剝離，以及對女孩眼神臉色的深入操作，則變成他與世界直接傳遞訊息的通口，而情緒就在女孩的衣物、髮絲與眼神描繪下，逐漸被完成，原有旗下的女孩樣貌，也被帶往另一個深沉的階段；如果你是常聽音樂的朋友，吳宥鋅的手法就像從古典音樂進入工業搖滾的感覺吧，曲風則隨著作者自身的焦慮累積、不安與憤怒而轉變，而〈Exposed〉開啟的手繪影像，便成為作者療程下的主腦處方，唯一不變的是，他的編曲結構與旋律編寫穩定度，依舊擁有高度獨立聆賞性的演出，女孩們也一如往常地，徹底執行對於藝術家的「傳聲任務」。當然，在任務之外，一切關於時尚、關於影像、關於虛擬的操作，或許可以看成是這個很私密性的任務中，某種被精緻包裝的掩護外衣吧？或者，更可視為是一種在當代影像速成與快速被消費之下，另一種貼近本質的宣言樣貌。
最後以作品〈Traveler〉的旋律動機作結：即便如此，我們還是繼續勇往直前、踏上步履吧！