▐ 展覽資訊
展覽名稱：a picture of a picture
藝術家：齊簡、鄭帛囪、曾采翎、鍾嘉駿、楊立
日期：2022年06月10日－ 07月31日
開放時間：週二至週日 12:00 - 20:00（每週一公休）
地點：LIGHTWELL (台北市中山區中山北路二段20巷6-1號)
開幕：2022年6月10日下午 5 時至 8 時

近年來，我們常常是從一張 jpeg 開始認識一幅畫。
複製技術的普及讓繪畫從寫實中解放，人類對繪畫的期待從此改變，在當今影像世界中，我們再也難以自外於大眾文化的景觀。bisut的首檔展覽「a picture of a picture」聚焦於當代繪畫的圖像觀看，呈現五位臺灣藝術家齊簡、鄭帛囪、曾采翎、鍾嘉駿、楊立的繪畫創作。既然我們沒辦法脫離圖像文化的思維，那麼我們如何從圖像中尋找繪畫的訊息 — 當我們看到一張畫時，它透過畫筆被生產的意義是什麼？

▐ 三個問題＆五個關鍵字
展覽題目「a picture of a picture」來自於美國藝術家、詩人Jesse Murry 1984年的文章The Three Level of Content: An Intuitive Approach to Teaching How Paintings Mean，文中他提及在大學藝術系所指導繪畫的經驗—「繪畫的意義」該怎麼體現？技法訓練之外，一張畫作可能溝通什麼訊息？他於是設計了一系列遊戲，讓學生從以下三個問題展開對繪畫圖像的思考：


「這是一個圖像」(This is a picture.)

「這是一個關於＿＿＿的圖像」(This is a picture of ______.)

「這是一個圖像，它說明著一個內容關於＿＿＿的圖像」(This is a picture of a picture.)

這三個彼此獨立的問題，牽引出觀看的不同層次，並揭示「繪畫」作為人造圖像，如何承載著創作者的表達慾望。在三個問題的引導下，或許，我們可以嘗試透過下述五個關鍵字切入對繪畫創作的理解：

# 空間
齊簡此次的作品《後花園》，便是從繪畫在公共關係中的觀看展開，對創作者而言，「畫」是私密的內在領地，然而畫作完成後的「被看」卻也如同創作的先決設定，他者終究會顯現並成為作品的一部分。擺盪在公與私之間的向內探索與對外表演，讓畫布的空間形成了齊簡的提問，當他以台灣傳統市集購入的花布作為繪畫物件覆以大片顏料、並讓戰機以拼貼方式介入平面時，觀者能否判斷哪些是「畫」、哪些是「印」？當畫布空間凌駕於內容成為作品的主體時，一件作品中的訊息，真的能被觀看者接收嗎？又，一張繪畫是否能宣稱其自主性—花布只是花布、顏料只是顏料、小飛機只是小飛機？

# 製圖
刻意以黑灰白人物肖像作為其標誌的鍾嘉駿，稱自己的創作是「製圖」的過程。有別於強調自動書寫的創作者，鍾嘉駿畫畫的過程非常理性，他大量使用紙膠佈局，以壓克力顏料建構縝密、充滿符號的畫面，並刻意以平滑的筆觸避開感性訊息，試著在刻意為之的勞動中觸及現代社會的身體經驗。「畫畫」往往被認定為極具個人體感的表達手段，但鍾嘉駿反之以大量的創作框架掌控作品，並讓自己的作品圖像化，藉以表現個體如何被鑲嵌在社會龐大的體制裡，依賴規則而存在，成為繽紛世界下扁平的表面。

# 表演
出生於台灣，長時間居住、創作於紐約的曾采翎，透過繪畫探索自身與他人、社會的連結。身為在西方受教育、工作的創作者，身份認同一直是不可迴避的課題，在嘗試多元媒材後，曾采翎回到油畫，一個擁有悠長西方傳統、也最直接連結心手腦的媒材，試圖從中建立自己與世界溝通的語彙。她以鮮豔、對比的色彩作為語言，透過大量螢光黃與紅所交會的光，建構出身為亞裔女性的現實，畫布是舞台，顏料是表演，這些繪畫遊走在肖像與想像之間，成為了藝術家自身在他處的再現。生命有其衝突矛盾，她並不消極應對，而是以繪畫重返當下，在顏料的堆疊中來回凝視，進而描繪出自我存在的面貌。

# 行動

對楊立而言，繪畫不僅為表達的手段之一，它同時是創作的命題。秉持這個信念，楊立著手推動「繪畫獨立運動」，主張繪畫應擺脫自身於「藝術」中的附庸地位，回返更自主的討論場域。楊立以繪畫作為思考載體，大量嘗試不同的繪畫方法、題材、風格，其作品中看似明快鬆散的筆法，都是思考後的堆疊與佈局。為避免自己進入機械生產的模式中，他寫生、也畫幻象、更編造故事，此次展出的「大確幸」系列，即是楊立擷取自日常生活中美好片刻的圖像，他以噴槍、平刷等不同技法創作，以視覺召喚感官知覺，對他而言，繪畫是無時無刻的事，畫家的眼睛每一刻都在捕捉、想像並再現世界之於藝術家最真實的樣貌。

# 無效
長時間以來，鄭帛囪維持著畫畫的習慣，時常帶著畫袋與便條紙出門，在平日習慣的咖啡廳隨筆畫畫，以極其簡單的裝備隨興所至畫下日常所見與觀察。他的繪畫有如個人的日記速寫，沒有主題，遊走在抽象與具象之間，脈絡自筆觸中長出，透露著存在的境況。他不為創作說明，畫在便條紙上的作品全數命名《無題》，這樣的尺寸與無所指涉，象徵著創作者對藝術無目的性的堅持以及對詮釋空間的開放。他的畫面中偶爾有隨手記下的風景、偶爾有難以辨識的人物，這些人事物自然而然地共構了一個整體，揭示藝術家如何寄望其手足心靈於繪畫的平面中，讓圖像成為純粹的境地，紀錄著覺知發生的片刻。

這五個關鍵字，並不企圖定義作品，而是試著作為索引，將五位藝術家的作品置入上述三個問題，提示一種觀看路徑：當我們看到一個圖像時，除了畫面的美感表現，我們是否能從個體的視角與經驗中，想像一個藝術家「如何」走到他們的位置，在抽象、具體、再現、指涉、自我指涉、不具指涉性等種種思維中，做出各自的繪畫選擇？我們能否透過想像這些問題，進而對繪畫產生不同的覺知？

此次展覽的五位藝術家創作脈絡、背景關注各自不同，他們唯一的連結僅僅是「繪畫」此一廣泛命題，然而這樣的無相關性，恰恰是此展覽期待的對話空間 — 五個創作者被放在一起，有如圖像在大眾媒體中被隨機推送，在這樣的場域中我們可以如何觀看？我們觀看的是畫作、還是展覽？一張畫象徵著創作者想像與現實的集合，然而它也是圖像，其最終的意義由觀者共同參與完成，此展覽期望觀者看見五位藝術家相異的創作觀點之餘，也對繪畫有更一步的感官探索，而這也許會為繪畫開啟不同的起點。