為了迎接東京奧運在疫情之後帶來的新氣象，日本文化廳舉辦了「VISION GATE」，由不同媒材與議題的八位日本藝術家和創作者組成，並將作品分佈在日本主要機場和東京國際郵輪碼頭的裝置與數位影像，為來到日本的人們講述日本文化的故事。
「VISION GATE」展出作品Crowd Cloud。圖/日本文化廳提供
「VISION GATE」展覽位於日本羽田機場與成田機場。圖/取自日本文化廳網站
「對於來自世界各地的許多公民來說，日本是與家鄉最不同的地方。」現代藝術博物館建築與設計高級策展人、「VISION GATE」展覽策展人保拉·安特那利 (Paola Antonelli) 表示，
該展覽以日本過去和現在的二元論為基礎，以及該國豐富的傳統歷史如何為技術進步的未來提供信息。「如果沒有對過去的深刻認識，就不可能存在對未來的想像。日本文化不僅僅是文學、視覺藝術、音樂或建築和設計的集合，」「它是視覺，一種對所有這些學科及其產品進行持續娛樂的文化，」安特那利說。
策展團隊利用每個機場的不同區域，將藝術作品放置在最適合通過航站樓的遊客體驗的地方。「聲音似乎是大門附近主要空間的最佳媒介。」安特那利說。
「從國際航班下機的旅客通常處於半恍惚狀態，疲倦但興奮，注意力不集中，放慢速度，但仍然好奇且樂於接受。體貼的歡迎聲會帶來完美的著陸體驗。」展覽展示了私人與公共、美與醜、嚴謹與鬆散之間的二元並存，共同為遊客創造了一個令人驚艷的旅程。
「我們選擇委託八位（六位影片，兩位裝置）非常不同的日本藝術家個人或團體，因為藝術家們知道，他們的作品將以全方位的日本前景歡迎遊客，」安特那利說。就像整個日本文化都以尊重的價值為中心一樣，每位藝術家及其展覽都從他們之前的人們和實踐中汲取靈感，以頌揚自身的文化。

「VISION GATE」作品介紹

裝置作品｜Crowd Cloud

聲音定義了空間與時間。直觀感受語言、雜音、音調、節拍等數不勝數的要素，在形成認知、理解之前，相互錯綜複雜，在各個地方形成固有特徵。機場一般作為中間的過濾器而存在，HOSOI Miyu及SUZUKI Yuri的裝置藝術從真正的意義上來說將成為日本的入口。
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作品Crowd Cloud於羽田機場第二航廈。圖/截自日本文化廳影片
為了用聲音表現出「Vision」，展覽邀請聲音藝術家、體驗設計師SUZUKI Yuri及同為聲音藝術家、作曲家HOSOI Miyu進行了創作。根據SUZUKI和HOSOI的概念，不同的語言有時會成為人與人之間的隔閡，而聲音則成為填補隔閡的橋樑，可以緩衝摩擦。特別是對於來自外國的來訪者來說，需要慢慢習慣新的環境，而機場起到了在能夠任意進行意思溝通之前的緩衝作用。
本作品以人類的聲音為中心，日語的聲音，更詳細地說，選取了由46個語彙、5個單母音、40個子音和母音的組合，以及只有一個子音的「ん（N）」構成的「平假名」的音，完成了獨特樂曲。許多喇叭互相對話著發出聲音，演奏著聲音，就像在機場的到達口迎接家人和朋友的人們一樣。 *平假名是日本特有的音節文字，表示日語的全部語詞。

機場是多樣語言匯集的場所。藉由聲音這一世界共通媒介重建日語，象徵從語義中分離而出的聲音作為進入日本後首次接觸的日本音景，同時再混合從各個國家前來的參觀者的語言，其總和使這部作品成為世界語言的音景。 參觀者是構成這部作品的重要一環，作為會場的機場可能會成為一幅巨大作品。

作品Crowd Cloud。圖/日本文化廳提供
藝術家｜SUZUKI Yuri
聲音藝術家、體驗設計師。2018年起擔任世界最大設計公司Pentagram的合夥人。正在製作以聲音為主軸探討人類溝通可能性的作品。作為藝術家在眾多美術館及畫廊發表作品的同時，亦積極與企業進行合作。最近參與了很多聚焦藝術與地域關係的公共藝術。
藝術家｜HOSOI Miyu
生於1993年。利用多聲道音響，進行讓人意識到空間本身所擁有的聲音的聲音裝置藝術和劇場公演，創作以自身聲音的多重錄音為特徵的作品。使用22.2ch創作的『Lenna』在NTT ICC 無響室、YCAM、東京藝術劇場演奏廳、國際音響學會AES等發表。獲第23屆文化廳媒體藝術祭藝術部門新人獎。

影像作品｜Theme Park Tokyo

Acky Bright作品《Theme Park Tokyo》。圖/取自日本文化廳影片
在日本享譽全球的漫畫業界，Acky Bright是當今最明亮閃耀的明星之一。他在那個聖地邊沉浸在靈感中邊成長，一邊汲取著黃金時代的漫畫、動畫、塗鴉、真人版電影及國際流行文化作為養分，一邊培養自身才能。Acky Bright在快速繪圖和塗鴉表演中有著獨特的視覺表現，很多作品雖是傳統的黑白作品，但仿佛要從畫面中飛躍而出的躍動風格是其特徵。本次為VISION GATE創作的作品，展現在眼前的是一個在機場外等待著旅客的都市形象。

不斷進化的網際城市——澀谷。 流行文化的發源地——原宿。 讓人有種仿佛迷失在動漫世界錯覺的街區——秋葉原。 而另一方面，還同時存在著數不勝數、自江戶時代起幾百年來外觀未曾改變的悠久街道。 東京不愧是一座傳統與創新等相對之物邂逅共存之城。
本次我以可稱為漫畫原點的諸如「鳥獸戲畫」等傳統繪卷的構成為基礎， 運用現代漫畫表現方式，且僅用便攜平板電腦進行描繪，再透過混合影像的表現手法，將傳統與創新投影到作品中，表現出東京這座城市。 歡迎來到主題公園東京。

藝術家｜acky bright
插畫家／漫畫家 在國內外以黑白線條藝術為主展開活動。 雖受到日本80~90年代的漫畫及動漫強烈影響， 卻也加入現代感覺的獨一無二風格，在海外擁有眾多粉絲。 此外，以「Doodle」為名在SNS及現場繪畫創作發表了許多作品。 漫畫「新變形少女」（DLE）正以網路形式連載中

影像作品｜Hitoshobu (One Shot)

INOUE Jun出生於神奈川縣的禪宗寺院。自居住在神奈川時起，便開始學習日本代表性的傳統藝術——書法。移居東京後受都市影響，著迷於嘻哈、塗鴉，將表現載具從掛軸轉換為牆壁。且從僅用手腕的表現方式轉換為使用整個身體的表現形式。INOUE在為VISION GATE創作的影像作品中，解釋和表現了作為「VISION GATE」主題基礎的過去與現在的緊張關係。
Jun Inoue創作紀實畫面。圖/取自日本文化廳影片

對我來說現場塗鴉是為了喚醒心中的本質自我，是對自我的挑戰。邊意識到這是在書的世界中存在的一次性，邊用線條表現出具有生命的樣子。讓平時的自己獲得解放，讓沒有被任何人看見過的線條出現在這個世上。這就是我描繪時的想法。

藝術家｜Jun Inoue
藉由抽象線條描繪出日本特有的細膩精神性，創出獨特的「空間」。潮流品味和傳統精神混合形成的絕妙感覺，刺激參觀者的思維。與時尚及音樂亦有涉獵，多才多藝，還進行現場塗鴉、發表作品。以日本國內為首，在海外墨爾本、巴黎等處舉辦眾多個展。

影像作品｜Gravity Garden

擁有物理學背景的KODAMA Sachiko，在使用強磁性流體（磁性奈米粒子溶膠）創作的作品中綻放光芒。在KODAMA的作品中，液體優雅躍動，成為受過訓練的動態雕像，那種精密的幾何學旋轉，讓觀眾目眩神迷。在其為「VISION GATE」創作的影像中，通常是將暗色調的溶膠染上紅色的螢光塗料，讓移動的物體看起來仿若被漆覆蓋一般。 這是日本傳統塗漆與科學的驚人結合。
KODAMA Sachiko作品《Gravity Garden》。圖/截自日本文化廳影片

此次未使用慣用的黑色磁性流體，而是使用剛開發出的紅色、綠色、藍色的「螢光磁性流體」，將作品「突出、流動（Protrude, Flow）」、「形態塔/兩個立式螺旋（Morpho Towers/Two Standing Spirals）」等作為拍攝對象所創作出的影像。在虛構的行星重力和磁力的庭院內，有機的形狀強有力地誕生，在散發著像漆一樣獨特質感的同時，分裂和融合，在薄暮中，展開泡沫般的圖案。

藝術家｜KODAMA Sachiko
北海道大學理學部畢業、筑波大學藝術學研究學科結業、博士（藝術學）。 2000年起推進磁性流體的藝術專案。作品『突出、流動（Protrude, Flow）』（入選2001年SIGGRAPH Art Gallery）獲第5屆文化廳媒體藝術祭藝術部門大獎。作品於20多個國家的美術館、畫廊、公共空間、私人住宅等處展出，不僅在美術及設計領域，在許多領域都具有影響力。

影像作品｜TSUGI

PARTY是一家藉由閃耀的想像力在多方面活躍的創意廣告公司。從美術館、政府機關、國際品牌到無名個人藝術家等，對各個規模及領域的客戶進行創意指導。
PARTY的策劃人和設計師們在東京的中心地帶種植蔬菜，藉由影像和聲音來擴展蔬菜的設計，將機場航廈改成了田徑運動場，而這些只不過是整體的一部分。換言之，他們涉及所有領域。當展覽請求首席創意總監兼共同創立者伊藤直樹提供他對日本的展望時，他用強有力的姿態將世界以極具特色的形式合成。
創意廣告公司Party的裝置作品《TSUGI》。圖/截自日本文化廳影片
透過科技詩意的活用和想像力的力量，傳統的工藝技法獲得了可以表現迫在眉睫的環境危機和我們這個星球的窘境的力量。對所有人來說，這種新的表現定義了更加美好的未來展望，並激勵我們朝著它前進。

日本人自室町時代開始透過名為「金繕修復（Golden Repair）」的修復手法， 使用金粉裝飾陶瓷器的破損部分，金繕修復處謂之「景色」，發現了其藝術價值。
看起來仿若陶瓷器表面的影像，是衛星拍攝到的地球表面。 希望能夠描繪出那些因地球暖化而融化的南極冰川、因山火消失的森林等， 藉由人類的意志進行「金繕修復」，再次慢慢增加的情形。 不要對遍佈裂痕的地球視而不見。將這片優美的景色延續下去。 現在人類需要的正是這樣一種強烈的意志與行動。

藝術團隊｜PARTY
一個橫跨藝術、科學、設計、工程領域，將未來體驗置入社會的創意團體。 代表作有成田國際機場第3航廈的空間設計、「WIRED」日本版的創意指導、與RADWIMPS及kZm合作完成的虛擬演唱會「VARP」等。還進行「Stadium Experiment」及「The Chain Museum」等事業。

影像作品｜Day of a Full Moon

MOGI Monika對於「日本的女性特質」所持有的獨特觀點，充滿了優雅與激情。在意識到日本女性的傳統形象中付隨著的刻板印象的同時，MOGI 隨意選取它們並對它們進行纖細而有力的改變。
有時，藝術家會使用陳舊的攝影技法和器材，讓鑒賞者難以捕捉形象，不久後便會開始尋找具指標作用的細節。MOGI為VISINON GATE拍攝的16mm影像，是她對自己所鍾情的日本風景的讚歌。與影像中MOGI的兩位模特兒友人一起踏上夢幻之旅周遊日本。
Day of a Full Moon影像截圖。圖/截自日本文化廳影片

此部作品將我感受到的對異世界的、神秘的日本自然風景之愛與對強大獨特的女性的憧憬融合在一起。拍攝在因火山活動形成的箱根大涌谷和因溶岩地形而聞名的群馬鬼押出園進行，全篇使用16mm底片式相機手持撮影而成。
作為時間節奏象徵的滿月、和被一個家族好幾代的女性所傳承下來的和服等，我個人人生中的主題，交織成影像。Sayaka穿著母親喜歡的紫色和服，彈奏祖母的三味線。我的朋友Kiko穿著祖母從和服改製成的洋裝，這暗示了傳統的變化。

藝術家｜MOGI Monika
MOGI Monika是生於1992年的藝術家、攝影師、導演。自學攝影，從十幾歲開始在Vogue Japan、ArtReview、NumeroTokyo等藝術及時尚雜誌積累了豐富經驗。在所有作品中擔任創意總監，還請友人演出，為東京的青年文化發光發熱。深受美國文化和日本文化薰陶的MOGI 以其獨特視角融合兩種文化。近年在東京、紐約舉辦攝影展。電視廣告及時尚活動的策劃等在世界舞台大顯身手。與Paola Antonelli的合作契機，源於受託對2016年在紐約現代藝術博物館舉辦的展覽會『Items: Is Fashion Modern?』上展覽的作品進行拍攝。
影像作品｜Kojiki – Amenomanai
策展人認為，MORI Mariko或許是最能自然地傳達「Vision」這一概念的藝術家。從因迷人的機器人原型而聞名的早期作品到近年對日本神話的探索，再到對本次影像展示中圍繞日本創世神話的最古老書籍『古事記』的探索，她用自己的身體和日本女性特質的解釋，為日本的過去和對未來的展望賦予了生命。有時諷刺，有時嚴肅。可以說MORI的態度是全方位的。
隨心所欲地使用影像、照片、雕刻、表演等手法，從各種切入點詮釋了巫女、公主、陪酒女郎、動漫主角等不同的角色。藉由祖先傳承下來的傳統氣息為她多元、跨領域的作品注入了生命，同時也描繪出了面向未來投射出的日本文化的精髓。
Kojiki – Amenomanai影像截圖。圖/截自日本文化廳影片

《Kojiki – Amenomanai》將『古事記』內的場面製成CG影像。據神話傳說，天照大神使用真名井神水淨化須佐之男命的神劍。在消毒變得日常化的今天，“淨化”這一動作並不僅指物質，還包括祛除精神污穢，在神道祭祀及茶道等傳統文化中亦受重視。倒映在水面的姿態是透過動態捕捉將其動作進行三次元數據化，描繪出無身體特性的人物像。

藝術家｜MORI Mariko
90年代中期開始在國際上活躍。參加世界各國的國際展，亦在美術館多次舉辦個展。大量作品被美術館等收藏。主要的公共藝術作品有2010年宮古島的『太陽柱（サンピラー）』、2016年里約奧運會官方文化專案 『Ring: One with Nature（圓環：與自然融為一體）』、虎之門Hills商務塔入口『Cycloid V』等。主要獲獎經歷有1997年第47屆威尼斯雙年展優秀獎、2001年第8屆日本現代藝術鼓勵獎。2014年獲授倫敦藝術大學名譽學位。

「VISION GATE」策展人｜Paola ANTONELLI 
Paola ANTONELLI。圖/取自MOMA官方網站 攝影：Marton Perlaki
Paola ANTONELLI 是紐約現代藝術博物館建築與設計部資深策展人兼R&D部研發長。她畢生致力於對存在於日常生活中的容易被忽略的東西和習慣等方面的設計影響力及建築、藝術、科學、科技各領域與設計的融合進行調查和研究。
Antonelli繼第22屆米蘭三年展後，2019年在紐約現代藝術博物館主辦以「破碎的自然（Broken Nature）」為題的關注「修復式設計（Restorative design）」的展覽活動，最近還策劃了由建築師Neri Oxman的作品組成的「材質共生（Material Ecology）」展。她在與設計評論家Alice Rawsthorn於Instagram上共同企劃的LIVE系列@design.emergency 中，探索了設計在為所有人創造更美好未來中的作用，獲得了極高評價。
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