我的繪畫表現剛強或輕柔都寓意指涉其弦外之音，而圖像畫面的線形與色彩往往反映我的覺察與辨識，我自由排解無謂的紛擾並力圖匯聚於獨行之途，完全是隨機的，正如抽象繪畫的詮釋呈現多義的意象，雖外在的詮釋各異，但我自有內在聚合的主軸，在畫面上呼之欲出的視覺符號，有理性的衿持也有感性的抒情釋放。－劉永仁創作自述

在劉永仁的繪畫中，藉著筆刷大量吸附著顏料，以平塗的方式在畫面上產生飽和的色面，並且隱晦地通透出不同階段向上堆疊的顏料層，同時筆刷介入於色與色的交界之處，使兩者不同屬性的顏色因著外力干預而有所接觸。而它們彼此之間的交疊後生成具隨機性的語彙，在畫面上形構向上生長、尖如針氈的筆觸，在和諧與平靜的對話關係中濺起一陣譁然。
劉永仁於紅野畫廊帶來藝術家最新個展「繪畫獨行」，在展名上直接地解釋了藝術家的繪畫創作與生活之間的依存關係，透過藝術轉化生命行徑的狀態與歷程，同時揭示每一位藝術家在創作時分獨自於工作室獨處的片刻，不斷與空氣、情緒、顏料、顏料、自我內心來回對話，而每件作品最後的生成都像是它們彼此之間的絮語，低調的牽動藝術家內心，使之勾勒出曾晃過眼前的風景、物件與顏色。
「繪畫獨行」劉永仁個展展場。圖 / 紅野畫廊提供。
「繪畫獨行」劉永仁個展展場。圖 / 紅野畫廊提供。
劉永仁作品－〈獨行之五〉, 油彩、畫布, 130x200cm, 2022。圖 / 紅野畫廊提供。
劉永仁作品－〈獨行之八〉, 油彩、亞麻布, 30x40cm, 2022。圖 / 紅野畫廊提供。
劉永仁1991年進入米蘭Brera藝術研究院，在那之前於中國文化大學美術學系專攻水墨創作，經過四年專業的東方美學訓練，遠赴義大利後將這份底蘊融入西方的油畫媒材中，從山水、風景、工筆、花鳥等傳統題裁解放轉至形式近乎於單色畫的圖像表徵。因此櫥窗間的〈自在的間隙7〉是此次個展中唯一以水墨、壓克力與紙張做為媒介的作品，象徵了劉永仁過去在東、西方媒材的沉潛，提供觀者梳理藝術家過往創作脈絡的途徑。
劉永仁說，過去在水墨的學習環境中大多僅以濃、淡、乾、枯、濕營造出畫面層次分布，習慣僅靠單色和水做出差異，但在義大利學習西畫與生活共八年時間，除了拓增個人對色彩配置的迷戀，每天眼前所見之物都是帶有黃色調的歷史建物，同時伴隨著心中升起的鄉愁，讓那時候的繪畫作品游移在暖色調、冷色調與黑色三者彼此相互平衡的過渡狀態。在那之後，劉永仁的繪畫裡出現的黑色不再是以獨角戲的方式演出，而是成為其他色彩一個暫時緩衝與釋放的空間。
藝術家劉永仁。圖 / 非池中藝術網攝影。
劉永仁作品－〈自在的間隙 7〉, 水墨、壓克力彩、宣紙, 50.8x69.2cm, 2021。圖 / 紅野畫廊提供。
劉永仁自義大利回國後於帝門藝術教育基金會舉行首檔個展「深度呼吸之複次方」，自此之後便以「呼吸」概念為作品發展軸線，並以此喻作為自我的創作狀態，將人基本的生理需求之於繪畫對藝術家生命存在的絕對必要，完全地傾聽於身體的潛意識，成為從內在油然而生的繪畫方法。另一方面，呼吸過程中分子相互滲透以及空氣於體內環境氣體的交換，這種一進一出的轉化過程，如同他在繪畫中對景色或物件其形象的提煉，對生活處境感知的表達。
因此在劉永仁繪畫中時常出現如稻草堆、星芒以及蓮藕等符號，它們的外在形象具有一定的辨別性，像是對某種物件的再現，使觀者向內搜索過往視覺經驗的連結，因而將其歸類於生活中實質存在的物件。但實際上是藝術家從小生長於台東池上每天映入眼簾的日常風景，隨著時間與記憶的洗逝，逐漸內化成他創作時身體與畫筆隨機作用下的成果，並無完全的指涉性，反而更趨向於一種將形象抽離後的抽象符碼。
劉永仁作品－〈深刻的隔離 3〉, 油彩、亞麻布, 40x30cm, 2022。圖 / 紅野畫廊提供。
而這些反覆出現於劉永仁作品中的符號，從過去至現在從未改變它們的呈現方式；同樣地，在藝術家創作表現手法中橙色與杏仁色的點綴、大片色面的詮釋、僅由幾個簡單色彩配置勾勒而成的畫面等，形式上的統一逐漸梳理出屬於具代表性的個人語彙。
劉永仁說，繪畫就像是傳遞自我對生命的看法，同時也藉著繪畫使自己獲得呼吸的空間，不論是眼睛看到畫面的空間亦或是形與形對峙留出的空間，都能夠使內在心靈重獲力量。這也是為什麼在他的作品中能夠看見許多的弧線，它象徵著藝術家透過眼睛向外看出的世界，在畫布上的塗抹不受羈絆的自由揮灑，開放性的詮釋與回應他曾經看見與經歷過的人事景物。
但是劉永仁所提及的呼吸概念不只是精神性或概念性的，在畫面上同時能夠看見藝術家掌控著形與形之間相遇的模式。就像是〈弧的疆界6〉色彩佈滿於畫布，但就在顏料往上堆疊之際，十字星芒的符號被潛藏於媒材之中，隱晦地向外招手，在色塊相互爭鋒的舞台它成為一種若隱若現的存在；而畫面中刻意畫上的白色細線，那既是顏料的覆蓋，亦是在厚重的色彩鋪陳中徒增一道得以喘息的縫隙。又或是在〈自在的間隙16〉，顏料大塊面積的舖陳，卻不止步於營造工整與銳利的邊緣線，而是具有目的性的藉著筆刷劃過顏色之間的交集之處，跨過其他色塊的疆界，使其產生不規則且縱橫交錯的毛邊。
劉永仁作品－〈弧的疆界 6〉, 油彩、蜂蠟、亞麻布, 50x40cm, 2022。圖 / 紅野畫廊提供。
劉永仁作品－〈自在的間隙 16〉, 油彩、蜂蠟、亞麻布, 30x30cm, 2022。圖 / 紅野畫廊提供。
劉永仁作品－〈弧的遠方 7〉, 油彩、畫布, 65x53cm, 2022。圖 / 紅野畫廊提供。
過去以來不少人將劉永仁的作品歸類於幾何抽象抑或是單色畫派，但是在他的作品中用各種方式劃破大塊色面帶來的理性感受，對他來說，他並未刻意地使自己趨附於任何畫派，而是以畫面呈現為前提並忠於個人內在情感意識之表現。因此即便在近乎平塗的表現手法上，仍可以到看藝術家刻意在畫布上留下的速度感，或者在色塊中置入獨特的形狀；甚至於在平面繪畫中鉛片與蜂蠟等異材質的結合，皆顯示了劉永仁對形式的不遷就。
就像是本次展出的〈弧境〉或是〈深刻的隔離〉，前者在有如杏仁褪去咖啡色外皮的黃色內裡中，藉由筆刷抹上一層具有霧面質地的蜂蠟，消逝了油畫顏料中富有油質的光滑表面，使其呈現溫潤與滑順的視覺效果，並在平面的繪畫表現中締造新的層次；後者因著蜂蠟在熔岩之後快速風乾的特性，使畫面徒增更多非顏料以外的痕跡。
劉永仁作品－〈弧境 17〉, 油彩、蜂蠟、亞麻布, 40x30cm, 2022。圖 / 紅野畫廊提供。
劉永仁作品－〈深刻的隔離 1〉, 油彩、蜂蠟、亞麻布, 30x24cm, 2022。圖 / 紅野畫廊提供。
劉永仁作品－〈弧境19〉，油彩、亞麻布, 50x40cm, 2022。圖 / 紅野畫廊提供。
劉永仁用個人獨到的眼光看待世界，他的創作精神不流於形式之上，而是趨附在個人生命與心境的傳遞，並於創作個過程中將意識暫時抽離，專心交由身體與畫筆主宰；與此同時，劉永仁也藉著作品中線條的延續、伸展與擴張，將單純的色彩配置蘊藏著豐富深層的層次感，作品中極其感性的、詩意的，甚至於富含手工的繪畫痕跡，回應了繪畫的不可複製性。

展覽資訊

劉永仁：繪畫獨行
日期：2022-11-19 ~ 2022-12-17
地點：紅野畫廊（台北市中山區松江路164巷11號）
劉永仁：繪畫獨行個展主視覺。圖 / 紅野畫廊提供。