2025年首場藝術博覽會由 ONE ART Taipei（下稱 OAT）盛大揭幕，於「JR 東日本大飯店 台北」舉行為期三天（1/10-1/12）的展期。此次展會雲集 61 家國內外畫廊，其中包含 36 家本土畫廊與 25 家國際畫廊。值得一提的是，有多達 21 家畫廊首次參與展出，其中包含 11 家國際畫廊首度亮相，共同為 OAT 帶來更豐富、多元的藝術魅力與能量。

今年OAT國際畫廊的比重顯著增加，尤其 11 家海外單位選擇將臺灣列為新一站落腳點，反映出臺灣在亞洲藝術市場中的吸引力與重要性。對許多海外畫廊而言，臺灣是一個具備高度消費潛力和成熟藏家基礎的市場，同時也是連結亞洲其他區域藏家的關鍵據點。隨著國際畫廊進駐與更多外國藝術家的曝光，臺灣藏家也將有機會更直接地瞭解國際當代藝術發展趨勢，進而激發跨文化的藝術對話。
也趣藝廊展間一景。圖／非池中藝術網攝影。
Avocado Art Lab 展間一景。圖／非池中藝術網攝影。
晴山藝術中心展間一景。圖／非池中藝術網攝影。

OAT 2025 會長王瑞棋（Rick Wang）表示，近幾年藝術市場出現了顯著的變化，特別是自去年開始，街頭藝術與塗鴉藝術逐漸在藝術市場出現的比例逐步下降。而在2024年整個年度中，藝術市場在拍賣等各方面的表現亦不慎理想。尤其值得注意的是，在這樣的情勢下，仍有21家國際畫廊首次參與本屆盛會，此一現象極為特殊。王瑞棋認為，這使得今年的OAT能夠全面呈現亞太地區當代藝術市場的全貌，且具有極高的代表性與完整性。

王瑞棋進一步補充關於新參展的畫廊，有幾點尤為特別。例如，在9家新晉日本畫廊中，他們全面展現了日本當代藝術的多樣面貌。大家普遍認為日本藝術講究精細的畫功或雕塑技法，但此次展出的作品不僅體現了這些傳統優勢，更在多元媒材的創新運用上表現得淋漓盡致。韓國畫廊方面，眾所周知韓國藝壇長期致力於創新材質與書法藝術的研究，此次展出的作品同樣充分反映了韓國當代藝術的獨特風格與前瞻性。

ISFOR ART展間一景。圖／非池中藝術網攝影。

同時，王瑞棋也預告今年五月將延續OAT去年針對大型項目新設的展會「Voices」，跨出飯店博覽會，強調無展板的展呈方式，關注大型裝置、錄像藝術和新媒體藝術等多元類型作品。除此之外，將新設國際攝影活動「Photo ONE」，專業攝影師將有機會在進入國際攝影藝術市場的過程中獲得來自不同專家的多角度指導，提升準備程度及市場競爭力，實現多方收益，而不僅限於探討攝影作品本身的創作。兩個展會將同時進行，展覽地點亦將從原先的南港瓶蓋工廠移師至華山文創園區展出。

近年來新世代藏家迅速崛起，他們善用網路和社群媒體了解前沿藝術趨勢，對於新媒材、新形態的藝術作品抱持極大熱忱，從傳統繪畫與雕塑到新興的數位藝術、NFT 及跨領域裝置作品，青年藏家皆樂於嘗試，並積極尋找獨特且富有個人風格的藝術品。此一趨勢也使得臺灣的畫廊在策展方向上更加多元，力求吸引不同世代的觀眾與買家。而非池中藝術網編輯部也在OAT展會的VIP預展首日直擊，為讀者挑選出12件精選作品，跟著我們一睹為快。

小路映画展間一景。圖／非池中藝術網攝影。
ONE ART Taipei 2025展會一景。圖／非池中藝術網攝影。

1. 也趣藝廊｜劉昕穎，ROOM 1201

也趣藝廊展出藝術家劉昕穎（1991-）最新創作，本次帶來的新作靈感來自其歐洲遊歷所見所感，透過旅行後所留下的感知記憶與內心的情感化作畫布上的抽象躍動節奏，以大膽卻帶點童趣般的用色與豪放不羈的筆觸流轉於景框內，如自然的氣息，柔軟而富有生機，層疊的色塊則迸發出熱情與生命力。將現實的景物與自我之意識融為了一體，隨意的大筆分割畫面，創造出詭異的空間氛圍，好似日常風景一瞥卻又帶有超現實的不真實感，像是窺探私密日記又彷彿被邀請進這趟旅行記憶片段之中。

在她的作品中，赤裸的原色與流動的形態象徵著對文明與自然的反思，在現代生活中，城市看似為人類發展及生活的重要中心，但其在某些情境下已顯失格，而萬物自然與自由奔放地靈魂卻在這片廢墟中找到新的棲息之地，旺盛地滋長著。

也趣藝廊展出劉昕穎的作品。圖 / 非池中藝術網攝影。也趣藝廊展出劉昕穎的作品。圖 / ONE ART Taipei提供。

2. JILL D’ ART GALLERY｜柳素拉（YU SORA），ROOM 1102

1987年出生於韓國京畿道，以白布與黑線為主要材質，將平凡的物件轉化為藝術表現的核心，例如時鐘、刺繡工具、孩子的玩偶等，都是她的創作靈感來源。柳素拉近期的作品回應她從懷孕到生產，其家庭結構與日常節奏所經歷的轉折，以「彰顯日常脆弱之美的重要性」為核心，試圖捕捉生命階段轉換所帶來的觀察，細膩呈現那些在日常中不斷變動、卻易被忽略的真實瞬間。透過白布與黑線的運用，她將私密化為可視的情感風景，邀請觀者一同重新思考並體驗「家」在流動的生活中所扮演之角色。

可以看到此次JILL D’ ART GALLERY帶來柳素拉的新系列作品，藝術家將收據上的文字訊息，原本是冰冷而功能性的紀錄，如商品名稱、價格與時間，卻因為藝術家刻意以手工的方式「描繪」其輪廓與內容，使這紙本身從「一次性物品」升級為「凝視物件」。這種對庸常的二次書寫與延展，也隱喻著我們與日常生活之間的微妙互動：日復一日的行為看似重複、瑣碎，卻在不同階段與情境中，承載了各種回憶或情感。

JILL D’ ART GALLERY帶來韓國藝術家柳素拉（YU SORA）作品一景。圖／非池中藝術網攝影。
JILL D’ ART GALLERY帶來韓國藝術家柳素拉（YU SORA）作品一景。圖／非池中藝術網攝影。

3. 泇弄 GAROME｜TTS，ROOM1111

香港出生、倫敦成長的藝術家 TTS深受中國古代單色釉瓷與凹刻凸雕花紋技藝的啟發，巧妙地將古典美學與現代符號融於一體。她藉由重複塗疊的手法，營造出畫布表面饒富情感意涵的「凸起紋樣」，使觀者同時感受到視覺與觸覺的雙重衝擊。在此基礎上，重複的漢字「笑」與標誌性微笑圖樣，為作品注入了鮮明的文化符碼，召喚人們思索「幸福」在日常經驗中的位置與意義。

TTS 的代表作《百笑圖》則援引了中國傳統《百壽圖》與《百福圖》的觀念——古人常透過在紙本或瓷器上刻畫福壽字形，將對生命與祝福的願望儲存於圖騰之中。TTS 重新審視古人追尋福壽的初衷，將其轉化並延伸至當代社會同樣珍視的「快樂」。透過手繪笑字與雙笑臉（象徵人生百態）構成的「百笑紋樣」，她不僅傳承了傳統文化賦予的精神意涵，更巧妙呼應了現代人對幸福感與情感交流的強烈需求。藉由這種跨越古今的形式對話，TTS 讓觀者有機會重新審視自身與世界的連結，並在笑意深藏的畫面中，捕捉人性流動與思緒交織的片刻。
來自香港的畫廊泇弄 GAROME 帶來藝術家TTS代表性系列作品《百笑圖》。圖／非池中藝術網攝影。
TTS作品細部。圖／非池中藝術網攝影。
泇弄 GAROME 展間一景。圖／非池中藝術網攝影。

4. Aile Gallery｜Yuja，ROOM 1316

韓國藝廊 Aile Gallery 帶來韓國藝術家柚子（Yuja，1987-）充滿超現實魔幻氣息的作品。第一眼則會被靈動可愛的畫面吸引，顏色繽紛卻不顯得躁動，反而擁有一絲柔和溫潤的色彩，她將內心深處潛藏的幻想與可能性具象化，如同愛麗絲在陌生的森林夢境中醒來，眼前盡是充滿著未知以及對方向的無法掌握。然而，若能停下腳步靜下心來，仔細觀察，便會發現在這看似混亂無序的環境中，依然蘊藏著獨特的悸動與驚喜。

在柚子的作品中，這些自然中的花朵、樹木、少女與正逐漸逼近潛伏著的黑暗，乍看之下顯得柔軟甚至脆弱，卻也因這份易脆與單純，反而賦予主角更多成長的空間。在這趟冒險旅程中，會遇見說話的蘑菇、蜥蜴、精靈以及飛龍前來指引，並與這些不可思議的同伴們一起探索無限潛力的可能。

Aile Gallery展出韓國藝術家柚子的作品。圖 / 藝術家提供。
Aile Gallery展出韓國藝術家柚子的作品。圖 / 非池中藝術網攝影。

5. 御陶坊藝廊｜Minori，ROOM 1018

Minori1992年出生於日本奈良，她的作品以柔和的筆觸與溫暖的色調，營造出介於現實與夢境之間的氛圍。本次帶來的其中一件作品〈Untitled〉畫面中心的人物形體宛如火焰般向上延伸，既似守護之光，也似微弱火苗般的脆弱生命。藝術家透過暈染的層次，強調了人物邊緣線的模糊，使其彷彿帶有一種飄忽、靈性的存在感。

在這樣的視覺語彙中，觀者可感受到孩童般的純真，也同時面臨「光與暗」的雙重視域：角色的臉龐擁有稚氣的溫柔目光，卻沉浸於一片幽暗的背景中，藝術家營造出的對比不僅引人反思「光」在暗中所蘊含的希望與溫暖，也隱喻了人的生命狀態是如何經常在脆弱與堅強之間矛盾之存在。Minori藉由這幅作品，將自己對世界的感受投射到畫布上，試圖探索人們內心深處對安全感、歸屬感與渺小自我的多重詮釋。透過這個溫潤而神祕的「小小光源」，藝術家邀請觀者重新審視自身在黑暗與光明夾縫中的位置，以及在不確定的世界裡所能找到的那一絲慰藉。

御陶坊藝廊帶來日本藝術家 Minori 作品一景。圖／非池中藝術網攝影。
御陶坊藝廊帶來日本藝術家 Minori 作品一景。圖／非池中藝術網攝影。
御陶坊藝廊展間一景。圖／非池中藝術網攝影。

6. 東之畫廊 | 鄭安利，Room 1218

鄭安利現為南藝大材創系講師，2010年畢業於國立台南藝術大學材質創作與設計學系，2013年畢業於美國密西根州克蘭布魯克藝術學院（Cranbrook Academy of Art）藝術創作碩士，主修纖維藝術。她的作品個人符號性顯著，尤其是她的創作完美的融合了媒材與其個人對於日常生活探索中的「感覺」；她透過「感覺」去記錄各種生活微小的片段，並在搜集舊衣物的磨損、壓箱的零碼布料、結合生活中的小物件等後，建構與拆解及重組的路徑之中，將觸覺、嗅覺、溫度等多重感官和織物產生連結，詮釋無法言語的事件之記憶。像是作品「Trace of Hands」系列，探討了日常生活中物件與身體之間難以被切割的灰色地帶，並邀請觀者延伸五官感知作品，藉由重組後的物件，重新找回織物於生活中留下的細微連結，且其中也交織著人類的歷史、情感、文化、環境地景後，加以詮釋最貼近自身的想像，以及織品所散發出的溫度。

東之畫廊展間一景。圖 / 非池中藝術網攝影。
鄭安利，Trace of hands II，織帶、綁鈔帶和現成物，19 x 15 cm，2023年。圖 / 非池中藝術網攝影。

7. 德鴻畫廊｜邱杰森，展間 Room 1110

研究地理學的專家學者透過各式儀器精密計算這個3D的立體世界，接著再以符號、數字與文字等，將這些維度空間簡化與符號化後，逐步統整成大家容易觀看和理解的數據於2D的平面紙本中，成為能夠掌握於手掌中帶有地名、地形、經緯度等符號的地圖。有趣的是，藝術家邱杰森對地圖的再現，則是將已經被壓縮成平面狀態的立體空間，再次立體化，只是這次的立體化是建立在負空間中，透過挖掘、減去、簡化等方式，呈現出夾層於2D與3D之間的立體狀態。

當道路不斷增加、地形不斷改變時，我們對地圖的繪製便永無止盡。而在邱杰森的製圖中，卻是跳脫歷史上任何一個地圖繪製術（Mapping），透過地圖的重疊、挖空，或減少，藉由拆解、組裝與重塑地圖諸般元素，企圖在空間拓樸的規則中，使錯綜複雜的複層平面交織，賦予它變形後新的樣貌，嘗試創造出地圖繪製術的後繼（Post），以不同的媒材表現方式，重燃地圖在形式上或概念上的可能。

德鴻畫廊帶來藝術家邱杰森作品一景。圖／非池中藝術網攝影。
德鴻畫廊帶來藝術家邱杰森作品一景。圖／非池中藝術網攝影。

8. 朝代畫廊 | 水谷篤司，Room 1001

朝代畫廊與日本當代雕塑藝術家水谷篤司（Mizutani Atsushi，b.1975）合作多年，其出生於日本中部岐阜縣，2002年畢業於沖繩縣立藝術大學造形藝術研究所碩士畢業。其曾言「我的作品製作是在做似曾相識的風景。」也因此，他的雕刻創作以「似曾相識的風景」為主題，刻劃出許多不同時間、空間、場域的風景混合體，並在其中交織著記憶與遺忘、真實與虛構、過去與未來等關於社會與個人之間的本質性詰問，以及個體與全球之間的對話關係。在他透過身體的勞動性所塑造出如同史詩般磅礡的物象之中，實際上也是其對於人類根源的一種反思。也許導因於藝術家出生地是一個充滿高山植物的內陸森林，他的作品當中，我們總能看見其生命經驗與自然大地之間的連結性。有趣的是，他長年也持續進行《Drawing》系列的創作，並以繪畫雕塑的形式呈現其創作理念。

朝代畫廊展間一景。圖 / 非池中藝術網攝影。
水谷篤司，幻影風景 4.2022，19x34x15cm，木、水性日本畫顏料、壓克力顏料，2022年。圖 / 非池中藝術網攝影。
水谷篤司，Drawing 3.2025，10x10x4cm，木、水性日本畫顏料、壓克力顏料，2024。圖 / 非池中藝術網攝影。

9. Kün’s Gallery｜Jung Boram，ROOM 1015

來自韓國首爾的 Kün’s Gallery，本次首度參展即帶來韓國書法家金寶藍（Jung Boram，1981-）的創作，呈現韓國藝術的多樣發展。金寶藍的創作從自身文化歷史出發，將韓字從語言的載體轉化為視覺藝術的元素，她的創作不依賴打稿，採用一氣呵成的方式，讓文字的形態與排列，優雅如自然枝葉恣意的擺動。

本次展出的部分作品，其靈感則來自於韓國歷史上第一本記載韓語語音文字體系的《訓民正音》，正因韓字的設計結合了人類口腔構造與古老的天地人思想，以及陰陽學說，更能充分展現韓國本身文化脈絡與哲學。她透過手工染色於傳統工法製成的韓紙上，擷取《訓民正音》中對韓字的造詣解釋，既保留閱讀功能卻又因其斷裂而成為抽象性符號，如同無數的柳葉枝節在風吹拂過後留下的巨大流動，既可以連接，也可以分離，並在細微之處分歧出不同的路徑。

Kün’s Gallery展出韓國書法家金寶藍的作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
金寶藍與作品合影。圖 / 非池中藝術網攝影。

10. 四季彩舍｜角谷紀章，Room 1313

角谷紀章（Kisho KAKUTANI，b.1993）出生於兵庫縣神戶市，2022年畢業於東京藝術大學大學院美術研究科博士後期課程，專攻日本畫專業，同時取得美術博士學位，現為東京藝術大學美術學部繪畫科日本畫專業助手。他的作品風格鮮明，尤其是在看似現實的場景當中置入如同磨砂玻璃般的效果，進而帶給觀者視覺上遊走於清晰與模糊之間的不協調狀態；而這種離散於再現與非再現的曲度，更深入的刺激了觀者內心風景中的想像力，並將繪畫的媒介性由對於物象的承載功能轉化為「讓別人想像的工具」。再者，於藝術家的創作自述中，也曾論及畫面中的風景是透過照相工具紀錄，內容沒有特定的目的與意義，而當這些內容被轉移到繪畫之時，對於藝術家而言也是再次展開了模擬記憶的過程，影像曾經作為「此曾在」記憶化的角色，巧妙的也被藝術家轉換為曖昧不清的風景，最終在看似濕潤的筆觸之中，將影像與繪畫兩者的功能去除，達到全新的存在。

四季彩舍展間。圖 / 非池中藝術網攝影。
四季彩舍展出角谷紀章作品。圖 / 非池中藝術網攝影。

11. 株式会社 LWArt | 新埜康平，Room 1002

新埜康平（Kohei Arano）出生於日本東京，作品具有高度個人特質，特別是從其創作的媒材到畫面之中，巧妙運用了文化融合的方法，將當代城市中的「超日常」狀態凸顯而出，它是一種日常被感知的形式，並以此引導觀者理解日常的眾多可能，或從日常的眾多可能的感知當中，進一步讓日常獲得理解。像是在他所創作的剎那光景，部分總會不經意的帶給觀者「哦，這就像電影一樣」般的感受，但正當我們試圖分析藝術家以相傳已久的日本繪畫材料，如膠水（nikawa）、目本紙和顏料等，所營造出充滿詩意的畫面之時，卻又發現內容帶有街頭滑板、塗鴉、嘻哈等元素；在他筆下的創作，傳遞了當代城市與歷史之間的多維度關係。新埜康平以看似衝突卻又保有均質的時尚風格，持續受到許多年輕族群的喜愛與關注。再者，他從2020年起陸續獲「上野 森美術館大賞展」、「神奈川県美術展」入選，並獲「世界絵画大賞展」、「東京 ART FAIR」、「Independent Tokyo」等獎項。

株式会社 LWArt展間一景。圖 / 非池中藝術網攝影。
新埜康平，swimming in the air # cloud 3，24 x 24 cm，2024。圖 / 非池中藝術網攝影。

12. 寬藝術空間｜呂巧智，ROOM 1311

畢業於美國藝術中心設計學院的藝術家呂巧智（1994-)，擁有豐富的國內外駐村及展出經歷，其作品橫跨多種領域，包括繪畫、陶藝、裝置、參與式藝術及複合媒材，無論形式還是內容上，都看似自然地順應環境，卻蘊含著她深思熟慮與精心計畫的脈絡。本次帶來以黑土為媒材的小型抽象陶塑作品，透過多樣且熟捻的陶藝技法展現出堅韌與脆弱的交織，在一片斑爛豔麗的展品中顯的安靜又沈穩。

作品中蜿蜒的結構象徵著現代都市中人造建築的向上建設，與從地面攀爬向上生長的苔癬紋理，以真菌侵蝕、苔蘚蔓生的意向構築出植被與結構間相互依存的有機關係。彷彿述說著自然與人造物的抗衡與共生，宛如在泥濘與腐敗中，也可能綻放出美麗的生命形態。

寬藝術空間展出呂巧智的作品。圖 / 非池中藝術網攝影。寬藝術空間展出呂巧智的作品。圖 / 非池中藝術網攝影。寬藝術空間展出呂巧智的作品。圖 / 非池中藝術網攝影。

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《ONE ART Taipei 2025 藝術台北》
● 2025.01.10｜13:00 - 19:00 COLLECTOR PREVIEW
● 2025.01.10｜15:00 - 19:00 VIP PREVIEW 　
● 2025.01.11 - 01.12｜11:00 - 19:00 PUBLIC DAYS
● 展出地點 ｜JR東日本大飯店 台北 Hotel Metropolitan Premier Taipei
台北市中山區南京東路三段133號10-13樓 
10 -13F, No. 133, Sec.3, Nanjing E. Rd., Zhongshan Dist.,Taipe
「ONE ART Taipei 2025 藝術台北」一景。