早於2018年初開始，就受到各界期盼的台北當代藝術博覽會（2019 Taipei Dangdai），已於昨日（1/17）盛大開幕，並呈現國際性規格的展覽硬體與服務流程，力求嚴格把關最高品質的展場環境與動線安排，讓進入參觀的藏家或者民眾可以在視覺及感官體驗上得到最好的回饋，創造展商、大會、藏家三方之間的最大效益，同時也為台灣的藝術視野與國際性定位開啟了全新的面貌。

一入門口即可看到明亮的展示空間，搭配豐富多元的裝置創作，將個展商的策展主題概念詮釋而出。圖/非池中藝術網攝

多樣優質大型創作及展示設計，成為全場注目焦點

不過之所以可以擁有這麼高規格的呈現，除了大會本身的努力，更有賴於這些來自世界各地的90家頂級畫廊實質支持，他們以最優質的藝術創作，搭配各家畫廊對於展示空間的鋪陳及安排，讓作品在最優質的展示情境與場域中，將其創作理念與脈絡的完整性訴諸觀眾的眼前。

Kukje Gallery（首爾）的展位空間。圖/非池藝術網攝

大田秀則畫廊（新加坡、上海、東京）展出草間彌生大型裝置創作。圖/非池中藝術網攝

ROH Project（南雅加達）的展示空間。圖/非池中藝術網攝

de Sarthe（香港）的展示空間。圖/非池中藝術網攝

neugerriemschneider（柏林）的展示空間。圖/非池中藝術網攝

當代錄像與平面創作共陳，梳理藝術與社會之間的牽絆演變

其中最特殊的一點在於，這些展商處理作品與作品之間的關聯性（不同藝術家之間的作品調性）與展示空間的現場性（平面作品與裝置藝術之間的相互詮釋），都有許多特殊的手法與細膩之處，值得我們好好細心品味與賞析。值得一提的是，在奠基於梳理與融合個別作品藝術性之間的基礎下，展商們更進一步的考量到了燈光與空間兩者的氛圍掌握。舉例來說，尊彩藝術中心展出藝術家許家維的錄像裝置作品《黑與白計劃-熊貓》，在展場裝置的多頻道錄像當中，敘述了熊貓從唐代以來至今的圖像轉變意涵，以及與社會、政治之間的共伴結構問題（詳見「首屆台北當代藝博會 現場直擊與10件作品特選」全文）。

尊彩藝術中心（台北）展出許家維創作。圖/非池中藝術網攝

尊彩藝術中心（台北）展出許家維創作。圖/台北當代藝博會提供

許家維作品《成年馬來貘在群山之中》。圖/非池中藝術網攝

A+Contemporary展出高俊宏的《劉海蟾》，作品透過三頻道錄像裝置的個別影像內容之間的關聯性，分別從信仰、宗教、實地探察等多元的面向，依序來隱喻與說明一位議員在原本屬於台灣原住民傳統領域的地帶，大肆收購土地，並將其環境破壞後，興建成供奉海蟾法師（劉海蟾）的廟宇，目的為祈求財富，再再地揭露了人性貪婪的本質，並對照了原生環境與被毀損之後的樣貌差距，令人沈思。此外，同場展出的藝術家陳彧君的作品《臨時家庭 No. 131216》，則將人類對於場域的感知，拉回到人心個體經驗旅程，及與文化差異間的連結感觸，象徵著空間的複數性問題。

A+Contemporary（上海）的展位空間。圖/非池中藝術網攝

高俊宏的作品《劉海蟾》。圖/非池中藝術網攝

陳彧君的作品《臨時家庭 No. 131216》局部。圖/非池中藝術網攝

各類不同媒材的國際當代經典藝術之作

高古軒畫廊來帶來Helen Frankenthaler的作品，Frankenthaler為美國戰後中的第二代抽象油畫藝術家代表之一，他在藝術史上的定位特殊，屬於抽象表現主義至色面繪畫之間的過渡期角色，同時他透過對於浸泡染色技法的研發，延展了抽象油畫在表現上的可能性，特別是將具象之景轉化到抽象表現的獨特風格，足具個人特色。

高古軒畫廊展位。圖/非池中藝術網攝

Helen Frankenthaler作品《香檳》。圖/非池中藝術網攝

佩斯畫廊帶來中國當代頂級油畫家張曉剛的新作系列「Recent Works」，藝術家透過在紙上進行油畫拼貼、保留刮痕與加入現成物的創作方式，讓畫面產生厚感，進而描繪遊移於超現實與現實之間的人物形象及背景。而這層層堆疊的方式表達了一種時間與記憶之間的破碎及穿插，並與人物靜謐的表情產生一種對比，似乎訴說著時代發展高速的各種變幻當中，人心跟不上的無言惆悵感。

佩斯畫廊（紐約、北京、香港、首爾、倫敦、日內瓦、帕羅奧圖）展位空間。圖/非池中藝術網攝

張曉剛作品《小浴缸》，媒材為紙上油畫拼貼。圖/非池中藝術網攝

張曉剛作品《小浴缸》局部。圖/非池中藝術網攝

世界畫廊（香港）帶來Crystal Liu的作品《going places》，其為出生於加拿大的藝術家，畢業於舊金山藝術學院藝術碩士，曾於許多世界知名畫廊及展會中展出，如Galerie Du Monde、Hosfelt Gallery、San Marco Gallery、亞洲和加拿大的國際展會等。作品透過金箔、面料、毛氈及具有紋理的紙材使用，將許多自然元素，如雲彩、星辰、枝條轉化到畫面上，看似具有寧靜深遠的意境，實則充滿力量表現，並呼應著藝術家的心理景觀，暗喻著情感狀態及人際關係。

世界畫廊展場空間。圖/非池中藝術網攝

Crystal Liu的作品《going places》，媒材為墨、水彩、水粉、拼貼、宣紙。圖/非世界畫廊提供。

當代唐人藝術中心（北京、香港 、曼谷）帶來藝術家王玉平的作品，其為1990年代以後的中國畫家，擅長以壓克力、油彩、粉彩進行創作，並藉由融合抽象與具象之間的筆觸，將作品的肌理表現而出，整體色調溫暖。畫家經常取景於日常生活之中的景象題材，同時於捕捉溫暖人心的片刻瞬間後，將其轉換為結合個體心象敘事之圖像結構，極具詩意與人文關懷，屬於二十一世紀當中，結合文學與現代精神後所詮釋的新表現主義（Neo expressionism）。

當代唐人藝術中心展場空間。圖/非池中藝術網攝

王玉平作品《少年和狗》局部。圖/非池中藝術網攝

誠品畫廊（台北）帶來鄭君殿的作品，並以「陌生的花園」作為本次個展的主題。藝術家透過油彩與炭筆之間的搭配，將花卉的整題與外觀細膩的描繪而出，並考量到了光線與空間之間的結合，模擬了人類視角之下的視覺呈現，看似寫實，實則在線條收放之間，匯集了情感氛圍的體現，特別是在圖像之中的花卉輪廓之間，隱約可見一絲絲微光不停的閃動，目的是在說明人們在都市的喧鬧之中，早已逐漸淡忘泥土與空氣的味道，這些我們常見的野生植物，長期被人們視而不見。希冀藉由這樣的方式，喚醒存在於觀者內心的愛，同時也與策展主題相扣合。

誠品畫廊展示空間。圖/非池中藝術網攝

鄭君殿作品《玫瑰 170205》，媒材為油彩、炭筆、畫布。圖/誠品畫廊提供

采泥藝術（台北）推出台灣「東方畫會」的重要成員之一，藝術家霍剛的個展，其延續了藝術家2018年六月受義大利Monza皇宮美術館的邀請所舉辦的展覽「形色之外」的藝術內容，並以編年史的方式呈現霍剛長達六十年創作的歷程演變，讓觀者理解藝術家如何藉由點、線與色塊之間的搭配，將書法的字意融入其中，進而詮釋東方詩性的美學天地，體現被描述對象的本質與意義。

采泥藝術展示空間。圖/非池中藝術網攝

霍剛作品《抽象2014-049》。圖/非池中藝術網攝

綜觀上述，我們可以看本次參展的畫廊，在這個東西方匯集的場域當中，皆嘗試將自身所帶來的藝術家的作品內涵之完整性，詮釋給予參觀的每一位人士，目的是讓他們可以在這個短暫的展覽旅程之中，充分的理解藝術家本身的創作經歷，以及作品概念，一方面可以讓想要購藏者可以對於眼前這件作品的藝術性感到興趣，同時也對於作品日後在市場漲幅空間中的幅度，可以更完整的知悉。而這類具有策展性質的呈現方式，也可以表達藝術品本身的學術價值，以及達到部分展示教育的傳達目的，當日後人們在梳理當代藝術發展的脈絡及走向時，也可以更明確的了解其相關的內容。

展覽資訊
公眾開放時間 ：
1月18日(星期五) 下午12時至下午8時 
1月19日(星期六) 下午12時至下午7時 
1月20日(星期日) 下午12時至下午5時 
展場地點：
台北南港展覽館1館4樓(台北市南港區經貿二路1號)
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