臺灣戰後藝術家鄭瓊娟：在繪畫中對「純藝術」的追求

2022-09-29｜撰文者：張家馨

鄭瓊娟的畫作像是啃食著顏料與畫筆，大快朵頤的在畫布上揮灑。那些色彩的選用，將日本傳統色系與戰後的文風民情，藉由顏色的滴流、堆積和交織，形構出一幅幅屬於藝術家個人心靈舒展的土地，將曠野澆淋成迦南地，使藝術與繪畫走返到最純粹的狀態。
今年八月，紅野畫廊推出鄭瓊娟（1931-）個展「恬謐歲月」，現年九十一歲高齡的她，每天仍拿著畫筆創作。事實上，紅野畫廊與鄭瓊娟合作已有多年時間，在畫廊負責人李博文的推動下，近乎每年九月都會替藝術家推出不同創作階段的個展。
鄭瓊娟出生於新竹的望族，父親是當時新竹城內開業十多位西醫中的其中一位。在經濟尚未起飛、藝術科系尚未盛行、一路研讀到大學為罕見的年代，鄭瓊娟卻對藝術創作情有獨鍾，因此新竹女中畢業後，在家沈潛了三年，最後選擇投考臺灣省立師範學院藝術系（現為國立臺灣師範大學美術系），於1952年成功考上，成為該所學校創辦藝術系第五屆的其中一員，並師事溥心畬、廖繼春、陳慧坤、李石樵、朱德群等多位知名藝術家。
鄭瓊娟年輕時面容姣好，時常有人到家裡作媒。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟在師大時期經常至戶外寫生，早期她的畫作以人物及風景為主。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟年輕時與其它女性氣質不同，而是較為中性，在班上表現出色且積極參與活動。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟在師大時期與老師及同學合照。中間為廖繼春。在當時攝影技術尚未發達，拍照是件奢侈的事，而能夠站在老師旁邊與老師一同合影，顯現了鄭瓊娟當時候在班上表現亮眼，受到老師重視。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟作為臺灣戰後重要的藝術家之一，其生長背景是那個曾以日本為母語、政府改朝換代、男女地位不平等、民風保守的年代。1956年，劉國松、鄭豫倫、郭東榮受到師大教授廖繼春影響，鼓勵藝術家突破過往傳統的繪畫風氣，幾位藝術家憑藉著對藝術創新實驗的精神，嘗試擺脫當時的學院體制畫風，進而成立了五月畫會。鄭瓊娟生性活潑、思想先進，在藝術創作上的大膽創新和忠於自我，成為五月畫會的創始員之一。
鄭瓊娟與參加五月畫會舉辦的「五月畫展」。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟在師大時期的雕塑練習。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟說，她的繪畫取材於宇宙、自然和人體，旨在表現精神、意象與熱情，並在單純中求最高極致的安穩之美。就如同康丁斯基承襲歐洲象徵主義，屏棄客觀與理性，而是側重於個人想像、內在抽象情感、靈性、夢境等感性亦向的的描寫，並主張藝術作品與物質存在體都具有內在性（interiority），將藝術視為某種致力成為「純藝術」，或克服肉體物質回歸純粹本質的東西。（註1）
英國唯美主義者華特·佩特（Walter Pater，1839-1894）提出，藝術作品之所以能夠超越物質達到純藝術狀態，主要是因為畫家透過藝術作精神層面的追求。（註2）這些非物質性的探尋，象徵著鄭瓊娟渴望在繪畫世界中獲得的沉著與安穩，期盼在其中找到一片能夠安身立命與勇敢表達自己的田野，同時亦希望在現今既混沌又動盪不安的社會環境下，將這一份平靜供給予觀眾。因此在她的作品中能夠看見其畫面充滿不斷向上擴展蔓延，極具生生不息的力量，全來自於鄭瓊娟在藝術創作中覓得的養分。
舉例來說，〈志〉的畫面構圖，從筆調的性格即彰顯了鄭瓊娟內在情感意識，既豐富又是生機蓬勃。藝術家在此作保留了日本畫狩野派豪壯粗曠的繪畫風格，在用色上也遞延了此流派中慣用的金黃、黑、與白等色系，其筆觸大膽揮灑、自由豪放，隨著顏料肆意滴流，蜷曲與迴旋的運筆路徑綿延不斷、川流不息。另外可看到此作或其他作品，時常出現銳利如刀割的留白細線，有如飛白技法留下的絲絲白痕，使氣的流動和勢的營造，在黑白二元對立之間相互流通，同時揉雜了書道的運筆精神，以追求意境、情操和書寫者當下的心境。
鄭瓊娟作品－〈志〉, 油彩、畫布, 162x97cm (100M), 2002。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟作品－〈烺〉, 壓克力、畫布, 65x50cm (15P), 2013。圖 / 紅野畫廊提供。
而這樣的書道精神同樣流於作品〈欣III〉與〈尊〉當中。前者黑色顏料揮灑的筆墨線條以浩浩湯湯的姿態出場，使之產生左右擺盪的視覺動態，在一片寂靜的色彩中，突然掀起一場激昂且不斷迴盪的聲響。而顏料滴流後的痕跡，在畫面徒增一層新厚度，不抹拭、不塗均，使顏料一剎那破蛹而出被吸附於畫布上，同時間集中在單一位置上，顯示了藝術家在這樣自動性技法的揮灑中，對它某種程度上的掌控。
作品〈尋芳〉，在一席黃色顏料的鋪疊中，有如夕陽西下，花草樹木逆光時的背影，而那種顏料未乾時刻意刮起的留白線條，在此作蔚為明顯。它的流動路徑產生如微風稍過的意象，在一片寂靜當中唯有樹葉颯颯作響的聲音；在用色方面，藝術家毫不猶豫地使用它人眼中最陰鬱、最難以與其它顏色對話的黑色，但卻從未將畫面帶入過於沉重的氛圍，而是藉此顯現其他色彩的濕潤與溫度，並透過顏料的重疊與縫合，將其表現出充滿生氣的構圖與視覺張力。
鄭瓊娟作品－〈欣II〉, 油彩、畫布, 53x72.5cm (20P), 2006。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟作品－〈尊〉, 油彩、畫布, 53X45.5cm (10F), 2005。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟作品－〈尋芳〉, 油彩、畫布, 60.5x72.5cm (20F), 2003。圖 / 紅野畫廊提供。
1957年，鄭瓊娟旅居日本，正為日本藝術界掀起「不定型藝術風潮」的時刻，後來長居於此地。在臺灣念的藝術，卻長時間接受日本文化的洗禮，因此在藝術家的作品中可以看到，不定型藝術強調創作中即興、隨機與自由裝飾的抒情抽象，以及慣用斑點、線條和縱橫交錯、紛雜飛亂的筆觸；除此之外，亦時常可見和服、傳統藝術或手工藝的日本傳統色系，像是黃蘗（Kihada）、女郎花（Ominaeshi）、桑染（Kuwazome）等色彩的使用。
舉例來說，本次個展作品〈宏〉的尺幅最長邊雖僅有24公分寬，卻透過簡單的幾個顏色，隱喻傍晚時分，落日被即將來臨的黑夜吞噬的畫面，淡淡地為畫布鋪上一抹晚霞色彩，同時通透著畫布底層的顆粒纖維，彷如隔著一層薄紗，在限有的空隙中呼吸，並統整畫面的氛圍與色調，有著日本畫的雅緻和風韻。而色彩邊緣層疊交融後呈現的暈染線條，使之形成恣意流暢的對話關係。
鄭瓊娟作品－〈宏〉, 壓克力、畫布 (裱褙紙板), 24x33cm (4F), 2018。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟作品－〈迸〉, 壓克力、畫布 (裱褙紙板), 27x35cm (5F), 2016。圖 / 紅野畫廊提供。
在鄭瓊娟的創作中，時常在底層顏料的鋪陳使用畫圓的筆法，使畫面隱隱維持在一定的秩序和規矩之中。像是〈丹心〉在底色的處理方式，即是透過畫筆淡淡的迴旋，使畫面底層產生基底紋理；但是到了最上方細節的刻畫，則是可見豪邁揮灑的筆觸，將個人內心觀照、經歷、經驗的景象與景物，重新反芻後再加以詮釋，就如同畫題名稱，揭示藝術家在繪畫創作中投注一片赤誠的心。
1991年，鄭瓊娟重新回到臺灣後，在各城市舉行個展。重返臺灣藝壇對她而言就像是注入了新活水，生命得以重新啟程，能夠完全投入於一生摯愛的藝術創作中。她的作品有著嘗試突破當繪畫風氣保守的前衛精神，而在此次展覽「恬靜歲月」中，共展出藝術家約15幅作品，每件作品尺幅雖然不大，卻流露著她仔細思索後的佈局與構圖。
從鄭瓊娟年少時的照片中，可以看見藝術家的眼神流露著篤定而自信的神情。實際上，鄭瓊娟在創作時無法將顏料止於畫布框架內，與她自小學寫字時常超出方格子一樣，心裡住著一刻都不能多被綑綁的馬。在藝術家所屬的保守年代，即使藝術科和美術家的職業尚未盛行、即使帶著這一份大膽與創新可能會迎來失敗，卻並未抹拭她對繪畫的熱愛，時至今日未曾停過畫筆在畫布上流塗的軌跡，她的創作仍舊散發著一道道光芒，存有藝術創作中既純粹又真實的狀態，忠於自我內心的觀照，不隨波逐流、不受外在環境影響，反而流露著恬靜的氣息，引領觀眾進入她創作中如田野般的舖色。
鄭瓊娟作品－〈丹心〉, 壓克力、畫布 (裱褙紙板), 48x53.5cm (12F), 2017。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟作品－〈純情〉, 油彩、畫布, 45.5x53cm (10F), 2003。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟作品－〈寄生〉, 油彩、畫布, 38x45.5cm (8F), 2005。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟作品－〈騰II〉, 油彩、畫布, 45x60.5cm (12P), 2004。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟作品－〈嚮〉, 壓克力、畫布, 60.5x50cm (12F), 2013。圖 / 紅野畫廊提供。
鄭瓊娟作品－〈眩〉, 壓克力、畫布, 38x45.5cm (8F), 2005。圖 / 紅野畫廊提供。
註1：Paul Meeham、Julie Sheldon（2013）。最新現代藝術批判。韋伯文化。
註2：同上。