第26屆台北國際藝術博覽會（2019 ART TAIPEI，下稱「台北藝博」），共有來自12個國家地區的141家畫廊參與，展出超過3,000餘件作品，本次台北藝博整體會展上的軟硬體和歷屆相較，都大幅提升，受到藝術圈各界人士、收藏家，以及參與觀眾的好評。在本屆台北藝博中，某些不甚起眼的角落，秘藏著許多深具藝術史地位，以及市場潛力的重要作品，值得進一步去認識！
本篇延續本系列（一）、（二）、（三）選件上的脈絡，將繼續介紹幾位作品風格獨特有趣，或也可能具有未來性的作品：

用圓規作畫的日本畫家 ─ 桑原盛行（Moriyuki Kuwabara）

當代藝術中，絕大部分的藝術家在創作上時常將「隨機」、「自由的筆觸」、「手感」、「無拘無束」等字眼掛在嘴邊，以表明自己有別於過去傳統學院派、那些囿於枝微末節，在創作上的限制。從而，當代藝術逐漸發展到今天這樣一個得以百花齊放，各種可能性都存在的豐富現狀。不過，與之相反的觀念，難道就沒法創作出令人心動的作品嗎？這可不盡然。
桑原盛行（Moriyuki Kuwabara, 1942 - ），出生於日本廣島縣，畢業於日本大學（Nihon University）藝術學部美術學科，專攻造型。在他畢業那年－於1967年之前，當時世界上藝術界的主要潮流，正是抽象表現主義主導著整個西方藝術趨勢品味、大鳴大放的黃金年代，狂放而不受拘束的創作觀念襲捲全球，也深深影響著日本戰後藝術的發展。
當然，從那個年代起，抽象表現經過好幾年的巔峰期，狂潮強度不若以往，西方世界中已經悄悄地轉變到波普藝術（Pop art）和極簡主義（Minimumnism）的潮流，以作為對抽象表現發展到極致的一種不滿或反撲，桑原盛行正好畢業於差不多那個時代。
由於他的創作自述相關資料有限，我們無從確實得知他當時是否受到什麼樣的啟發而開始他的創作，但透過他在日本國內的展覽資料顯示，或許是因為求學期間受到主修造型設計的影響，也或許是搭上對抽象表現主義那種野性的反思（或者，也一直有反對者覺得是在「亂畫」），桑原在他的創作理念中，就提到他標榜以「控制」為其創作主軸的藝術。
自1960年代起，他嫻熟地透過各種各樣圓規（コンパス）的使用，從一開始的一個圓，逐漸發展到後來成為他個人標誌性作品的「圓規畫」：持續用一種「近乎癡迷」的精神，在畫作上建構出「有節制」但有機、可以逐漸生長圓圈，形成一個排列規整的網格系統，來探索這樣一個特定規律性創作的各種可能性，創造出一個多次元的視覺空間，在日本藝術界中被稱為「圓的畫家」（円の画家）。
桑原盛行的作品中，包括油墨在畫布上創作，或者是鉛筆在紙本上創作等，非常多樣。觀察他不同時期的創作，他從單色黑色線條作品，逐漸發展到絢麗繽紛的彩色作品，雖然在他的創作理念中甚少被提及，但彩色作品所呈現出來的形式，同時也和歐普藝術（Op Art）那種透過光學色彩和線條，達到混象和視覺上奇幻變化的特色和結果有異曲同工之妙。
和西方歐普藝術大師如維克多．瓦沙雷利（Victor Vasarely, 1908 - 1997）、布莉姬．萊利（Bridge Riley, 1931 - ）、理查．阿納基維治（Richard Anuszkiewicz, 1930 - ）等人相較，桑原的知名度顯然遠遠不及他們。在面對著桑原作品前仔細觀察細節的話，那些過於工整交織的圓圈，確實給人有種「人工」、「造型味」比較重的感覺。但若從整體的角度來看，桑原的作品刻意採行偏低彩度的處理方式，較其他絕大多數色彩鮮豔的西方歐普藝術低調許多，大大強化了他獨特的日式「禪味」風格，相當與眾不同。
桑原盛行作品。圖： 詔藝 攝。
桑原盛行作品。圖： 詔藝 攝。

觀念藝術中第二號大神級人物 ─ 約翰．凱吉（John Cage）

本屆台北藝博中，果真臥虎藏龍，竟然在無意間，見到了非常少見、僅有在網路上看過，從未親炙的觀念藝術大神的兩件作品。畫廊似乎也沒特別將它們當作一回事，僅擺在非常不起眼的某面牆上，呈現的狀態也很糟糕。雖然僅是限量版數的版畫，隔著廉價的壓克力玻璃反射狀況嚴重，沒有適合角度可以清楚拍攝，但能在本地收藏家品味為主的台北藝博中見到他的作品，倒是一個大大的意外驚喜。
本次由日本東京Toki-no-Wasuremono Watanuki Ltd.畫廊所帶來的作品，若光就作品外觀，或許真的也沒有特別之處，甚至可能被認為怎麼和胡安•米羅（Juan Miro, 1893 - 1983）作品有些相似性。就繪畫類藝術家來說，有經驗的收藏家通常可以從作品的創作脈絡和形式，來判斷是否值得收藏。但就完全不了解凱吉這個人到底做了什麼事情的話，單就作品賣相單調無味，可能吸引不到什麼人進一步去了解。但他卻不折不扣是位在觀念藝術領域中無可否認的先驅人物。
約翰．凱吉（John Cage, 1912 - 1992），出生於美國洛杉磯，父親是位發明家，母親曾在《洛杉磯時報》（Los Angeles Times）擔任記者。凱吉於1928年就讀於克萊蒙特（Claremont）的波莫納學院（Pomona College），主修神學。在那邊他遇到了觀念藝術開山祖師馬歇爾．杜象（Marcel Duchamp）和其他幾位名作家和哲學家。但他沒唸多久，便在1930年退學，因為他認為「大學對於成為一位作家沒有用處」（college was of no use to a writer）。關於凱吉的生平更多的細節，在本篇並非重點，待未來有機會再詳述，因此僅就他這一生最重要的成就，來理解他為何在現當代藝術中具有重要地位。
他令世人震驚且至今依舊爭議不段的作品，是他於1952年所發表的作品《四分三十三秒》（4'33''）。該作品在故意沒有聲音的情況下進行，其展示作品的方法，除了在「音樂會」的介紹標題指定期間內，保持沉默狀態四分三十三秒外，完全沒有其他動作。據他自己表示，這「四分零三十三秒」不僅僅是沉默而已，而是他希望觀眾在表演期間聽到環境中的「聲音」（或是說「無聲」等更多可能的解釋或論述）。當時表演結束後，現場「聽眾」（或許稱為「觀眾」更為貼切）一片譁然，而且罵聲連續了「數年」不斷。但這樣一個高度神奇而具爭議性演出，為藝術史接下來的發展上作出無以倫比的啟發和貢獻。凱吉的創新，不僅讓他在藝術領域名留青史，他那個神奇而具開創性的演出和觀念，甚至可以說在人類歷史上也留下了深刻的影響力，持續至今日。
約翰．凱吉。Image source: WIKIMEDIACOMMONS
凱吉作品。《Fontana Mix（Orange/Tan）》，1982。圖： 詔藝 攝。
凱吉作品。《Fontana Mix（Dark Grey）》，1982。圖： 詔藝 攝。
凱吉作品。《Fontana Mix（Dark Grey）》，1982。圖： 詔藝 攝。

日本經典漫畫手稿市場的崛起

本系列介紹的最後，暫時不對特定藝術家作介紹，僅分享發現到的一個十分有趣的趨勢。在本屆台北藝博中，許多日系畫廊，不約而同都帶來了日本六、七零，甚至八零、九零年代日本經典漫畫的原創手稿。
由於這些手稿作品尺寸甚小，多數約莫A4尺寸以下，日本畫廊基於對著作權的謹慎態度，多難以近距離拍攝到展覽作品，因此圖檔有限。有展出的包括柘植 忠男（つげ 忠男/Tsuge Tadao）、赤塚 不二夫（Fujio Akatsuka）、五十嵐 優美子（Yumiko Igarashi）以及宮崎駿與吉卜力工作室（Hayao Miyazaki and Studio Ghibli）等名家。
其實一直以來，歐美收藏級漫畫手稿市場已經具有一定市場規模，有些全球著名的早期漫畫手稿，如丁丁歷險記（Les Aventures de Tintin）的原稿，一頁常常動輒上百萬新台幣！反之，日本昭和時期以來的漫畫手稿在今年以前，雖然有其穩定但圈子較小的收藏群，但往往不受主流藝術市場藏家的關注與青睞。有日本藝術圈友人表示，有可能受到在今年（2019）7月18日震驚全球、發生在日本京都動畫第一工作室發生的縱火殺人事件（京都動畫縱火案/京都アニメーション放火事件）的衝擊，亞洲藝術市場開始強勁吹起收藏日本動漫手稿的風氣。
在本屆台北藝博會中所展出的各式大小原作卡漫手稿中，從幾萬元至近五十萬元都有，就其尺寸而言，其交易價格還遠超越多數繪畫作品，且看藏家預展第一天傍晚時分的畫廊牆上紅點，就可以明瞭這些微型尺寸作品供不應求，顯見在台灣有一批收藏家對它們趨之若鶩。後勢將如何發展，值得我們繼續關注。
柘植 忠男作品。圖　詔藝　攝。
柘植 忠男作品。圖　詔藝　攝。
最後，希望在本屆台北藝博中各位都收獲滿滿！也期待本文的分享，可以提供沒機會仔細看展覽朋友們做為參考，而未來的參觀者，也可以更加享受在各大藝博會中尋寶的樂趣。