視覺的接收與運作，是人們認識這個世界最直接的方式之一。視覺藝術的生產與呈現，則是人們驗證、表述自身存在最直接的途徑。藝術家喬治．伯恩 George Byrne（1976-）來自澳洲，在雪梨藝術學院完成了美學訓練。2011年前後，移居洛杉磯開始專職藝術創作的生涯。最初從新地景攝影（New Topographics）的風格出發，並在2017年後，漸漸以影像重構的方式，建立屬於自身的美學體系。時至2022年，George Byrne再次與紅野畫廊合作，發表《內在視野 INNERVISIONS》個展。透過不同系列的並列，展現其理性與感性並存的創作脈絡。
喬治．伯恩 George Byrne，《粉雨棚與橘牆 Pink Awning with Orange》，68.6x84.5cm，典藏級藝術微噴、無酸純棉相紙，版數：10+2AP，2018。圖/紅野畫廊提供
Byrne擅長將實景攝影的圖像作為元素，以數位拼貼構建現實與超現實之間的空間場景，雖說作品經過數位的後製，但是Byrne一直以來都喜愛底片相機的顯色效果，長期以最傳統的器材做為創作的基礎。底片相機的實景攝影，對於Byrne而言成為一種取得拼貼素材的方式。而這些素材在進入後製時，也僅僅是縫合、裁切與拼貼，過程中將素材的色相、彩度、明度和造型均保留了按下快門的原始狀態，在清新的視覺風格中，對於你我身處其中的「真實」提出屬於自己的觀察方式。
喬治．伯恩 George Byrne，《66號公路加油站 Gas Station, Route 66》，68.6x84.5cm，典藏級藝術微噴、無酸純棉相紙，版數：10+2AP，2018。圖/紅野畫廊提供
離開故鄉到新的環境定居，Byrne非常喜歡洛杉磯的環境氛圍。十多年來，洛杉磯的陽光與色彩成為其主要的靈感泉源，也有部分作品取材自邁阿密、加州南部等地。鏡頭聚焦於人造的地景，並且專注於凸顯當地燦爛的陽光。
為了拍攝到心目中理想的元素，Byrne往往會在不同的季節、時間、氣候等等條件下，對於固定的場景反覆進行大量的拍攝。並且以繪畫調色的思維，擷取心目中的建築物、植物、遠山、天空和水面最適當的色調。Byrne嚴謹地斟酌光線的細節，成為畫面「在無人 、無聲場景中，隱隱顯露時間流動」的基礎。
喬治．伯恩 George Byrne，《泳者 Lap Swimmer》，84.5x68.6cm，典藏級藝術微噴、無酸純棉相紙，版數：10+2AP，2021。圖/紅野畫廊提供
身處於如今的大環境，虛擬世界正迅速地發展，網路做為介面，幾乎在物質世界之外建立了一個平行時空。人們對於訊息（尤其是視覺訊息）的獲得已然非常地便捷，總是主動或被動地獲得各種新知識，然而不同的人們對於事物的價值觀與認知方式，本來就會有所不同。在大量訊息的流傳之下，虛實 、真假的認定有時候難以辨別。於是，該如何看待「虛擬世界中的真實」與「訊息的真實性」，成為了兩個「眼見不一定為真」的有趣命題。
有趣的是，Byrne主要取材的並非是洛杉磯最繁華富裕的核心區域，更常出現的是人口較少的郊區場景。陽光和天空的遼闊感，讓畫面呈現出類似公路電影的節奏。作品中極少出現人物，少數的出現也僅是點景或局部，有的時候反而讓畫面更顯空曠。建築或風景等元素，同樣大多數都是在生活中隨處可見、不被關注的背景，Byrne刻意的選用低度敘事、平凡甚至是乏味的日常視覺來拼貼，在多重轉換的手法下，進一步地讓畫面成為解開既定慣性的窗口。
喬治．伯恩 George Byrne，《黃色之門 Yellow Door》，68.6x84.5cm，典藏級藝術微噴、無酸純棉相紙，版數：10+2AP，2021。圖/紅野畫廊提供
喬治．伯恩 George Byrne，《華盛頓大道 Washington Blvd.》，62.2x62.9cm，典藏級藝術微噴、無酸純棉相紙，版數：10+2AP，2017。圖/紅野畫廊提供
在建構寧靜氛圍的同時，Byrne也細心安排視覺的動線，讓視覺穩定而平衡，這種穩定不單是重量感或空間感的對稱，也是一種生命力與無機物之間的和諧。其經常使用洛杉磯的柏樹與棕櫚樹，在天空、遠山之間，靜靜地展現大自然的生命力，也暗示其中延展與變化的可能。藉著植物的生機與人造景物的邏輯性相對，Byrne解開拼貼構圖中的幾何感、模組感，使得作品更趨於現實。
Byrne創作中蘊含了許多細微的個人投射，一點點將主觀的美感轉換為敘事的手段。例如Byrne熱衷於拍攝45°的影子、喜歡和自己一樣不是洛杉磯原生者的柏樹和棕櫚樹、對於陽光的嚮往源於在澳洲成長的記憶等等。從陽光、人造物到自然物，將各種合理的物件組構出合理的視覺，經由這樣的氛圍營造，又使得作品趨於超現實。
喬治．伯恩 George Byrne，《邁阿密粉色立方 Pink Cube Miami》，68.6x84.5cm，典藏級藝術微噴、無酸純棉相紙，版數：10+2AP，2021。圖/紅野畫廊提供