假設你經常探索於亞洲地區頂級的藝術博覽會，如WESTBUND SHANGHAI、FRIEZE SEOUL、TAIPEI DANGDAI、ART BASEL HONG KONG等，並對參展畫廊及展會結構具一定程度上之理解後，相信每次進入展會的場域時，目光總會被gdm 爍樂畫廊（曾用名：世界畫廊 Galerie du Monde）所吸引，尤其是它那充滿東方美學實驗精神的選件特質，以及看似靜謐卻又頗富動態構成力度的現場性。然而這個看似具有前瞻及未來特質的畫廊品牌，實際上是由創辦人Fred Scholle在1974年的香港成立，至今已達50周年，成為香港本地歷史最悠久的畫廊之一。現階段由畫廊主楊永金（Kelvin Yang）與創辦人及團隊持續經營中，並於2024年底在台北內湖區設立新空間，此舉無疑對面臨世代交替之際的臺灣藝術產業生態系，注入新的活力與未來性。

爍樂畫廊以合作具有開創性的戰後華人藝術項目享譽國際，包含台灣的「五月畫會」及香港的「中原畫會」，同時亦以培育的方式，致力支持新銳、中生代和亞裔離散藝術家的長期藝術實踐，像是藉由對接策展人和全球機構合作，為藝術家提供更多元的實驗平台與展覽契機，進而讓藝術家在本地藝術社群和國際當代藝術界，都能最大限度的發揮自我的創作動能。畫廊主Kelvin也進一步與我們分享，此次吳季璁個展《氰山映月》，不僅為這個新空間揭開大幕及期許，並吻合臺北空間未來發展的方向，分享著共同成長的喜悅，也希冀透過這個空間更加融入本地社群，並和其學習，攜手推廣臺灣的藝術；而在未來的營運方面，臺北的空間項目與香港空間亦會有所分別。

爍樂畫廊 gdm Taipei。圖/爍樂畫廊提供

Wu Chi-Tsung, Solo project at Art Basel Hong Kong, presented by gdm, 2018.

gdm 爍樂畫廊畫廊主楊永金（Kelvin Yang）。圖/爍樂畫廊提供

吳季璁個展《氰山映月》

在爍樂畫廊合作的離散藝術家當中，臺灣多媒體藝術家吳季璁為本地少見受到國際矚目的藝術家之一，同時也扮演著引薦爍樂畫廊決定進駐台北的關鍵角色。離散藝術家一定程度上反映了創作者們離開本地之後，游移在全球化中的主體性，他們往往體現了多樣性混雜經驗的特質及跨文化的離散。不過和許多藝術家不同的是，吳季璁很樂於將其國際經驗回饋至臺灣，像他在離開本地之後，整合了國際訊息與及資源，突破了自我創作上的限制與特質，並獲得了國際的肯定之際，他仍思考的如何媒合適當的畫廊空間至臺灣。本次吳季璁的大型個展《氰山映月》是爍樂畫廊在臺北的第二個項目，早於2019年就曾經以《東橋西照 ECHO》為主題呼應在首屆台北當代藝術博覽會（TAIPEI DANGDAI），且透過會外展的形式（pop up）在一個駕駛訓練班內的特殊空間場域，呈現當代藝術映照東方美學的新實驗精神，展出其知名的作品「水晶城市」系列，詮釋感性的詩意與理性的辯證。

2019年吳季璁個展《東橋西照 ECHO》。圖/爍樂畫廊提供

Wu Chi-Tsung, Inwardscape, gdm Hong Kong, 2017.

Wu Chi-Tsung_ Echo, Special project alongside the inaugural Taipei Dangdai, presented by gdm, 2019.

《氰山映月》展示了藝術家近2年來的新實驗，其中一件戶外的6米巨型光影裝置「臥月」為首次發表，該件作品延續了藝術家二十年來對光及影像的長期研究脈絡。裝置內含200多米LED 燈的底座，並以覆蓋超高解析度，介於真實與虛幻之間般的超現實風格互動裝置，邀請4-10位觀眾同時躺在模擬月球質地的柔軟表面上（月球表面的紋路是由沙粒製成，再把沙子上的圖案進行拍攝、電子剪切與拼貼），開創出如同其英文名《Lying Moon》的多重指意，希冀邀請觀眾們躺在月亮上，感受登月般的藝術體驗，並探討影像如何改變我們看世界、想像世界和體驗世界的方式。

臥月，沉浸式攝影裝置，直徑六米。圖/爍樂畫廊提供

臥月（局部），沉浸式攝影裝置，直徑六米。圖/非池中藝術網攝

吳季璁同時也發表了2組新的系列作品，其中一組4聯屏的作品《皴法習作：消逝的原件》是藝術家嘗試挑戰氰版攝影技術在藝術邊界上的思辨問題，並和現今的數位複製特質產生對話框架；像是現今的數位複製已不存在原件，每次的複製完全相同，具有理想世界中完美永恆的存在特質。但吳季璁藉由新作，反而帶給觀者對攝影進行更深刻的反思，該件作品是將原版的皴法習作紙張，覆蓋在第二張氰版相紙上去感光，並將其影像複製到上面形成負像，以此類推。並且在這個過程中，影像會逐漸模糊消失，它如同被人們遺忘的記憶，也像是描繪在時間軸上的空氣遠近法，近似身處於真實世界中的我們，生命的每一刻都是獨一無案，無法再現；在吳季璁打破氰版攝影曬制過程的各種限制同時，以捕捉到更多的光線及圖像變化，產生如同流動性般之影像特質，也正代表著藝術家為氰版攝影的創作提出了更具啓發性的思考，像是其跨越媒介本身的限制性，為傳統的工藝延伸出新的可能性及價值。

《氰山集》是藝術家的另一代表作，嘗試實驗新材料「蟬衣宣紙」來進行製作，該宣紙纖維特細，並以半透明狀、更輕薄的方式呈現，於曬制時更能產生細緻的肌理及顏色變化。吳季璁將數十張氰版宣紙撕碎、重組拼貼在反射度高的鋁板上，透過白色壓克力塑造山水般的紋理，搭配光線下反射出明亮的光芒，帶給觀者宛若站在一座巨山前的視覺震撼。透過上述，我們不難發現藝術家總能巧妙地捕捉了光線與自然的力量，並將其體現於長達二十多年的影像本質的探索上，不被任何創作媒介所侷限，最終演繹時間的流動性。

藝術家吳季璁分享其創作脈絡。圖/非池中藝術網攝

吳季璁作品《皴法習作：消逝的原件》。圖/非池中藝術網攝

《氰山集之二百三十五》、 《氰山集之二百三十六》、 《氰山集之二百三十七》三件組。圖/爍樂畫廊提供

展場空間照。圖/爍樂畫廊提供

從「上青 Siong Tshinn」到展場的空間體驗

為了慶祝畫廊成立50周年（1974-2024），除了新空間的設置以外，同時也發佈了全新項目「上青Siong Tshinn」。畫廊主楊永金（Kelvin Yang）與我們更深入的分享，以臺語命名目的就是彰顯其在地特質，並僅提供臺灣本地年輕且尚未被代理之藝術家服務。和畫廊創辦以來的初衷一樣，旨在透過該項目支持年輕藝術家的藝術實踐，並讓藝術家有機會和畫廊分工合作，積累其未來發展的經驗與基礎。該項目每次只會展示一位藝術家的一件作品，所有觀衆都需要經過這個窗口進入畫廊的展示空間，作品的銷售所得大部分回饋藝術家工作室支持其創作，希望藉由這個項目和這些藝術家共同成長。

值得一提的是，當我們更進一步詢問Kelvin如何看待臺灣年輕藝術家在創作路徑中，可能一定程度上會感受到文化認同的焦慮及問題時，Kelvin則深刻的指出，這個創作狀態並非臺灣在地獨有，想要打破邊界而創造獨一無二的藝術（即原創）往往需要大量的「新實驗」；這些充滿理想又極富創造力的藝術家之生存空間狹窄且脆弱，這也是我們爲何要更大程度，盡我們條件能夠提供給他們關注與支持。

展場空間照。圖/爍樂畫廊提供

和其它畫廊空間結構不同，爍樂畫廊避開了空間量體大部分為白盒子的展示概念，正門採用了格柵設計以增加私隱，前門的空間為辦公及倉儲使用，且辦公室及倉庫以2個高低有致的白色塊狀所構成，如此可以讓觀者先聚焦注目於「上青」項目後，再進入主展場。而展場面向一個10米寬，6米高的玻璃幕牆，觀者可以直接看到後院花園的景緻，營造進入空間本身就是一種體驗的效益。展場以極簡設計，讓藝術品的展示及觀看機制保留最純粹的特質，地板為盤多磨水泥地（PANDOMO），並和天花板刻意保留的工業感相呼應，天花板正中由一塊特製的白色鋁板連接前面白色塊狀空間。有趣的是，作為對於在地的支持所有參與者都是臺灣本地的公司及團隊，空間由AB concept臺北團隊設計，並由傳聲裝修公司製作。

展場空間照。圖/爍樂畫廊提供

展覽資訊
吳季璁個展《氰山映月》
2024年12月19日至2025年3月29日
地址：台北市內湖區瑞光路390號一樓 爍樂台北

REFERENCE

吳季璁個展《氰山映月》