「政府需要幫忙2022」是藝術家劉和讓在9月14日至10月23日期間，於台南絕對空間所舉辦的個展，展出作品包含了現地裝置及攝影輸出等複合媒材。
在展覽中，藝術家的創作成為時空的切片，經由個人的生命經驗，得以轉化為某種存在的宣言。也因此，劉和讓以多重身分在不同的時間錨點穿梭，而我們彷彿能在展場中聽到那些呢喃──有身為父親對世代的提問、有身為藝術家的展覽語彙、有國際政治關係的諷喻，以及得自生活地景中的觀察與仿擬。
「政府需要幫忙2022—劉和讓個展」展場入口。圖/絕對藝力提供

重新理解展覽標題

「政府需要幫忙2022」是本展的中文標題，然而或許從英文的標題出發，才能真正理解展覽的意涵及其隱蔽的能動性──「HELP。Government。HELP。2022」。
若是將Government拆開，分別是「govern」和「ment」這兩個單字，前者具有「支配、影響、治理」的意思，後者則是輔助構成名詞，並呈現「狀態」與「過程」。在這樣的釋義下，「Government」所指涉的並不是一個明確的權力個體（政府），而是一個權力介入的治理狀態。同樣的，「Help」的語意包含了「幫助、紓解、構成」，若是選擇不去翻譯「Help」的譯意，而將其單純視為「使役動詞」的存在，「藝術家在場」是句子中的主詞，展現出主動及能動性。英文標題在此也構成了一場文字遊戲，如同「SOS」的呼喊聲。
劉和讓的創作自述曾提到，「生活中出現兩個標的：有所作為與無能為力」。對應到上述對英文標題的重新理解，我們可以猜測藝術家想回應的是──「我們如何介入並在特定時序的狀態中發生關係」，以至於「回應公共空間裡的烏托邦想像與作者在場的因應方法」。
因此，展覽本身具有同時進行的雙重敘事，若從中文的展覽標題「政府需要幫忙」出發，藝術家乍似在討論政府、公共（基礎）建設與人民的關係，涉及了公共設施與政治議題；然而若是從英文的展覽標題出發，藝術家或許想要探詢的是更關於私人的、情緒性的狀態。「2022」是時序上的確立，「HELP」則是行動的代號，詰問著關於自身與環境／時代的治理狀態（government）。

黃色方塊與藍色邊框

劉和讓擅長將作品的表徵拆散成各種線索，安置在絕對空間窄長的展場中。四散的符號與隱喻如同藝術家的感知神經，串聯起前後展場空間。
還未走進展間，就能看見門口櫥窗玻璃上，除了展覽資訊文字外，還貼了一塊黃色的方塊輸出，其映射在牆上、地下的黃色倒影，隱喻著展場中〈黃色大理石〉作品和其觀看方式。
公路護欄造型的大理石雕塑，潔白的紋理像是當代石雕藝術創作，展現出材質與造型的精確掌握。然而，當我們繞到雕塑背後觀看，才意識到其鮮黃色及造型所代表的強烈視覺暗示，白色大理石代表著花東的海岸景觀，而黃色的那面油漆則代表著台灣地景中無處不在的「紐澤西護欄」。
而另外一組作品《藍色記號》，又被分為兩件作品，〈藍色記號-1〉被安裝在展場入口的牆上，是一截啟人疑竇的藍色彎曲金屬條；〈藍色記號-2〉是藝術家工作室的黑白攝影照片，畫面中是時間凝滯的景物，所疊加的波浪板倒影則取代了缺席的藝術家，象徵自身與外界的混融狀態。
藍色的畫框下方安插著一截微微彎出的鐵條，當我們意識到這兩件作品各包含的彎曲的藍色金屬條，將相連成一個藍色記號時，我們才從這一片視覺的凝視中驚醒，察覺到藝術家在景物上的抒情與物質存有的焦慮，畫面中的心理空間因而延伸到實體展場空間。
展出作品〈藍色記號 - 2〉（左）與〈黃色大理石〉（右）。圖/絕對藝力提供

時空封存術

除了作為串聯展覽的感知神經，劉和讓的作品也具有乘載記憶的功能，將對外界的感知轉化為作品、將個人與公共生活的互動經驗帶進展場空間，並下錨於某個特定的時空。
〈製琴師&Matopiko〉這件作品安置在展場的入口處，有著駱黃色的地毯、從天而降的隔音棉及單體音響。在這件作品中， Sonic Youth的〈Total Trash〉和〈Teen Age Riot〉這兩首歌不斷地循環播放。重複播放的音樂來自於藝術家女兒在開幕當天的表演錄音，貼在牆上的人頭小貼紙與縈繞在展場的音樂，除了奠定展覽的氛圍外也回應了藝術家對世代更迭的提問，在這小小的範圍中，作品不只代表了時空的交替，也封存了某種懷舊的情緒。
安置在旁的工作桌及上面的物件，是〈消光粉蠟筆與可食壁癌〉這件作品，桌面上方垂吊著一片透明波浪板，並放了一支以工作室壁癌所製作的蠟筆，在桌面與波浪板之間，則放了如同壁癌的白色巧克力，藝術家意圖在這張工作桌上重現台北工作室環境，蠟封則為另一種封存時空的方式。
作品從前置後依序為〈製琴師 & Matopiko〉、〈消光粉臘筆與可食壁癌〉與〈美國牛肉〉。圖/絕對藝力提供

再往後走，牆邊立著一台冷藏櫃，裡面是藝術家從192包泡麵的料理包中，所蒐集而成的牛肉塊真空包。〈美國牛肉〉這件作品隱喻著台灣與美國的政治關係，除此之外，我們也能想像藝術家與每一包泡麵之間所產生的行動，介於消費、攝食與藝術創作。以真空包裝誘發觀眾對真實牛肉的想像，再藉由貼在一旁的內容物標籤貼紙，提醒內容物與標示物的差異，展示另外一種封存時空與行動的方式。
展場中的最後一件作品是〈太陽能〉，由攝影輸出透片、鋁金屬、冷陰極管及太陽能板等複合材料組成。藝術家以展場燈投射在太陽能板上，產生的電力用來點亮攝影透片後的冷陰極管。攝影透片上是太陽能電廠的影像，影像卻只能透過太陽能的電力現身、被觀看；不直接使用展場電源卻迂迴地使用「室內的太陽能」，其中能量轉換的失能與無限的迴圈，突顯出薛西弗斯式的荒謬。
展出作品〈太陽能〉。圖/絕對藝力提供

刺點與緩飆

羅蘭巴特在《明室》中，提出了「刺點」（Punctum）及「知面」（Studium）兩個概念，「知面」是影像中所能提供的資訊，通常具有普遍性及客觀認知；而「刺點」則是觀者從影像中所得到的個人察覺，源於私密記憶與主觀感受，是無法被複製或廣為傳遞的，是直視影像當下所「激起心中小小的震盪」。
也因此，展覽中的那些生活地景，或許是凝視工地旁的紐澤西護欄、或許是農田中突兀矗立的太陽能板、或許是東北季風侵襲下在工作室中不斷生長的壁癌。在這些平淡無奇的物件中，「刺點」是藝術家遭遇的感性事件，其所激起的震盪，需要觀眾對藝術作品的覺察與同感。
「緩飆」（Slowcore），是另類搖滾中的一支樂風，帶著緩慢的節奏、纏繞綿延的旋律、漸次加強的節奏，善於鋪陳並醞釀飽滿且深沉的情緒。展場中不斷循環播放的樂音，像是伺機而動的催化劑，是藝術家潛藏於空間物件背後，引導觀眾前往感性事件的線索。
「HELP。Government。HELP」，若是可以翻譯成「政府幫助（人）」或「（人）幫助政府」，那麼，又何嘗不可將其解讀為「藝術家的求救與自救」。如同展覽標題的回文修辭，人（藝術家）的處境成為不停置換的主客體。用藝術家的自述來說，即是每個人的處境在某種社會化之後，成為「自我理由的填充關係」。
對我來說，展覽論述中所描述的「生活的公共景觀或是地理方位的製造關係」，始終都只是一層藝術家刻意蒙在作品上的面紗。若我們再重新細細觀看展覽的主視覺照片，那是一片荒蕪的、待完工的、不知去向、曖昧不明的地景，情感的投射使他從物件與景象中捋出「刺點」，而那些尚未被觀眾同理或遭遇的封存時空，則持續隨著緩飆的樂音，盪在展場空中。