吳銀海，《奇黑的漂流》，156x84cm，壓克力/紙/畫板，2000。圖/國璽藝術提供
藝術家吳銀海長期以來的繪畫創作，時常運用著壓克力及紙本的材質特性。而主題的引導，聚焦於「有、無、生、滅」之間的關係。在二元互襯的架構之下，一步一步地回歸到一元化、初始化的知覺型態。在奇異的黑色空間中 ，藉由明快的筆法，組成了意識流淌的無限可能。在深邃而不可捉摸的宇宙中，藉由反觀內視時的澄清狀態，顯像出關於有形與無形的辯證。
吳銀海的繪畫側寫著動靜、明暗、進退之間，意識狀態的轉換。卻未曾試圖再現某種冥想式的心境，而是在繪畫過程中，將個人生活中的經驗與心得再現。
與一般邀請觀者進入畫作的目的性不同，吳銀海反向營造了一個觀者與畫作的距離。兩者互相參與，卻又不完全在彼此之中。藉由距離，提供觀者一個感受宇宙的心相空間。讓觀者們在被動接收視覺經驗的同時，可以自由地解讀畫作中時空的演化。
趙璐嘉，《現場-2》，91x71cm，壓克力/木板，2019。圖/國璽藝術提供
藝術家趙璐嘉充沛的藝術能量，造就了在每個階段都讓人耳目一新的藝術創作。本次的發表，源於居住環境附近的建築工地，將一個「建立次序結構的過程」做了描寫。擷取生活中視線常接觸的線條、幾何形等等結構性強烈的片段，內化、轉化並融合自身的繪畫習性，謹慎而浪漫地做了元素安排。
創作的過程中，時常伴隨著趙璐嘉的背景音是「沒有邏輯的爵士樂」。時快時慢的跳躍節奏，也自然而然地影響著運筆的速度與走向。而在系列繪畫中的近乎全灰階的視覺狀態，並不是捨棄，而是一種奠基於人格特質、不需要太多干擾的選擇。有機的音樂性與無機的色相交疊，讓觀者們清晰地聚焦於筆畫之間醞釀的造型。
在這樣子的視覺語彙裡，所納入的思慮是多重而厚實的。而在多種元素堆疊之後，則必然需要作出輕重緩急的取捨。如此取捨的軌跡與成果，精彩地呈現在畫面的細節處。讓趙璐嘉繪畫時的所感所見、不刻意依附課題的取向顯得完整。也由於此，讓觀者們可以更順暢地，感知到藝術家追尋自由和探究自我的藝術歷程。
戴佳茹，《親眼見祢》，53x53cm（x3），油畫/畫布，2016。圖/國璽藝術提供
藝術家戴佳茹近年來的藝術創作，可視為一趟內向凝視的自我對話旅程。來自基督教家庭的背景，讓戴佳茹從高中時期的具象寫實開始，就持續將信仰作為藝術實踐的主軸。求學時期至今、生活與創作的同時，藝術家不斷地自我詢問著「我想要表現的到底是什麼？」
反覆自觀內省的歷程裡，戴佳茹漸漸查覺到具有明確描繪對象的形式，越來越無法滿足心中所冀望的意象。發現自己所想要畫的，並不是某間聖堂或是某位聖人的形象，而是某種更加直接的感知。歷經一步步地嘗試後，戴佳茹陸續將寫實的窠臼放開。進而感受到，如此的鬆綁反而更能夠將靈修時安靜等候、身心同在和靈魂安適的狀態視覺化。
以創作「當代聖像」的目標自我期許，系列作品中光線、色相、層次等等元素運用，都指向「神與我自身的關係」這個一生追尋的課題。透過去形象化的方式，戴佳茹的繪畫讓心中的神，對於所有觀者都更加可親。在信仰與藝術間，找到了適切而寧靜的平衡。