人生是在邊際上不斷地選擇，一次次的決定，定義了此時此刻的自己。對於藝術家吳熙吉（1965-）而言，繪畫比人生更貼近人生。繪畫過程中不斷的磨練與抉擇，是最能夠體現生命樣貌的紀錄。2022年紅野畫廊 Powen Gallery與吳熙吉合作展出《邊際》個展。在洗鍊的畫風之中，緩緩地講述一位藝術修行者的物我觀察。
藝術家是不從眾的，吳熙吉的媒材選擇很貼切地反應了這樣的特質。過去的十二年裡，吳熙吉鑽研於油性粉彩的材質探索，油性粉彩無法像流體顏料一樣直接調色，其粉狀的特性，在保存上需更加謹慎。於是作畫者們，大多將其用於速寫或者複合媒材的一環，較少成為完整作品的主體。
紅野畫廊，吳熙吉《邊際》個展，展場實紀。圖/紅野畫廊提供
然而吳熙吉對於油性粉彩情有獨鍾，面對其特性不斷地進行實驗，試圖找到跨越框架的方法。從基底材開始，其發現「毛細孔鬆軟、能夠呼吸」的紙材是最適合且穩定的選項。於是如今使用的大多是高磅數、純棉的無酸紙。而在作畫之前，吳熙吉會將紙材晾起一星期以上的時間，讓其充分地通風。這樣的步驟能夠使得油性粉彩的色粉，更容易附著到紙材的內部纖維之中，且在完成後更益於保存。
吳熙吉，《邊際-4 Border-4》，綜合媒材、義大利無酸紙，74x117cm（43F），2021。圖/紅野畫廊提供
在作畫上，吳熙吉同樣發展出屬於自己的模式。在反覆的實驗之後，吳熙吉發展出類似透明水彩罩染的模式進行調色，也就是在鋪陳一層色彩後，用刮板刮除紙張表面的色粉。這個步驟在刮除的同時，也同樣會將色粉「壓入」紙材毛細孔之中。而下一層不同的色粉也以同樣的方式作畫。假設前一層色粉的量填滿了紙材70%的毛細孔，後一層填滿了另外的30%，就能夠形成兩層色粉交疊之後的色彩效果。依畫面需求，也可能會依不同比例改變色粉的用量、或是更多層的交疊。這樣的作畫方式刮除前後的效果並不相同，需要藉由累積的經驗進行事前的規劃。在這多年之間持續探索與克服問題的過程，也成為了吳熙吉在藝術實踐的樂趣之一。
吳熙吉，《邊際-10 Border-10》，綜合媒材、義大利無酸紙，74x117cm（43F），2021。圖/紅野畫廊提供
有別於傳統上用手指、紙筆推開色粉的畫法，吳熙吉運用了刮板讓色粉進入紙材。同時刮和壓的過程，也在畫面中形成了如同紡織品縱橫交錯的肌理。這樣的作畫技法，幾乎沒有前例可以參考，形成了特殊的畫面質感。
油性粉彩刮與壓前後的效果、不同階段的比例，都需要經過細微的操作，才能在線條與色彩間寄託作畫者的意念。於是畫面中的單一色相，能夠蘊含多層而輕透的效果。並且在多個色相並置的過程中，形成了非常豐富的色彩對話。也由於這樣的技法可以讓色粉深入紙材，完成後免去了噴膠的步驟，讓最終的色彩呈現能夠更加地亮麗且穩定。
吳熙吉，《邊際-17 Border-17》，綜合媒材、義大利無酸紙，29x29cm（4F），2021。圖/紅野畫廊提供
畫中的植物、山、海、島，分別取材自宜蘭的海濱生活。對於吳熙吉而言，這些大自然的意象隨著時間與空間不斷流動、消逝。而身處其中的人們，則反反覆覆地與這一切錯身而過。如同抽象而流動的背景空間，時刻變換著。
另外，去除了角色辨識性、毛髮和神情的人形，已經成為了吳熙吉最具辨識性的形象。這些屏除特徵的人形，就像是吳熙吉面對萬物時的立場態度。人形 / 身體對於吳熙吉而言，是承載靈性與意識的小型宇宙，也是借用的工具。在自觀、自我相處時，吳熙吉不斷降低附加在身體上的慾望，藉此讓思緒維持著清晰。日常之中也透過減法的方式，讓身心能夠自然而舒適地生活著。
吳熙吉，《邊際-6 Border-6》，綜合媒材、義大利無酸紙，74x117cm（43F），2021。圖/紅野畫廊提供