李光裕，《斜陽》，87x40x59.5cm，銅，2013。圖/采泥藝術提供
回望創作歷程，李光裕察覺藝術家面對這個世間、面對創作，必然會具備一定的偏執性格。頑固、執著、全身心投入的藝術家，比起社會多數人，會有更多的時間與內心的困頓與絕望感相處。李光裕大量的內觀自省、不停歇地實作，讓他能夠在創作中善用種種的偏執與困頓。在並且一次次跨越偏執與非偏執，終於走向了一種怡然自得的狀態。
李光裕，《大地》，108.5x55.5x64cm，銅，2014。圖/采泥藝術提供
當生命狀態持續轉變，藝術家的創作自然會在展示出軌跡與心得。相較於早前圓渾、厚重、量體感強烈的創作風格，近年李光裕的雕塑表現加入了扁平、穿透、靈動的形象，讓人相當好奇讓風格轉變的背後故事。當李光裕談及如此表現方式的取捨，竟是起源於某次在摺紙剪紙時的靈光一現。李光裕在輕薄的紙張中，感受到了有別於西方雕塑的輕盈及虛實變化。就這樣一個瞬間的美感，讓李光裕沉積在心中、緩緩醞釀的體悟有了新的抒發渠道。也讓李光裕很直覺地開始購置材料與設備，著手嘗試不同樣態的創作。
李光裕，《春在枝頭》，34x40x88cm，銅，2018。圖/采泥藝術提供
所謂的返樸歸真、由繁入簡的藝術，需要有扎實的經驗作為底蘊，才不至於空洞。李光裕在西班牙求學時期所受的啟蒙「一切有生命的事物，都是旋動加速度。生命體的內在會進行旋動、擠壓、延伸等等的動作。而反映生命張力的雕塑也應該要具備這些特質。」長期都是其創作的標準。而在風格轉變的過程中，李光裕發現了這些深植在心中的準則，開始與東方哲學中的「虛實」、「氣息流動」等等美學觀，產生了實務上的殊途同歸。
李光裕，《呼呼》，30x16x76cm，銅，2019。圖/采泥藝術提供
近年李光裕藉由線與面的交疊，建立了新的雕塑模式。一步步捨去了框架與慣性，將西方的學院訓練與東方的虛實美學相呼應。在《如是說》中，可以觀察到李光裕對於體積造型的考量減少了，更多時候著重於運用線與面之間的的「虛空間」。取材上將動物、植物、文物的符號，做了古典、饒富禪性的運用，形成了一種「鬆而渾厚」的美感體驗。